Se scrivere è il difficile sgobbare in salita e finire la tua prima bozza è il momento vittorioso in cui raggiungi la cima della vetta, la revisione è la parte in cui una gigantesca raffica di vento ti fa cadere a terra e ti fa precipitare fuori controllo verso il basso e di nuovo in fondo.
Metafore a parte, la revisione è un lavoro duro che può sembrare impossibile se non sai da dove cominciare. Quindi suggerisco di scomporre la tua sceneggiatura nella sua unità più piccola: le scene.
Parte del processo di revisione di ogni sceneggiatore dovrebbe esaminare la sceneggiatura scena per scena per determinare se ogni scena funziona in modo efficace o meno.
Per fare proprio questo, ecco 10 domande che ti aiuteranno a capire quali scene funzionano e, soprattutto, quali no.
DI COSA PARLA LA SCENA?
Questa prima domanda può essere doozy (stupida). Perché non stai cercando di capire di cosa tratta la scena in superficie - no, devi determinare di cosa tratta la scena nel grande schema delle cose.
Esamina la tua scena da una vista a volo d'uccello, per così dire. Cosa sta facendo la scena per la storia generale? E di cosa si tratta tematicamente?
Forse la scena stabilisce una relazione chiave, introduce la forza antagonista o crea il conflitto interno del protagonista. Forse alza la posta in gioco, guida i personaggi in una nuova direzione o fa avanzare la trama in modo importante.
Tutti questi sono motivi completamente validi per l'esistenza di una scena. Ma se non hai una risposta a questa domanda o la risposta è: "È solo una scena divertente", è una buona indicazione che dovresti tagliare completamente la scena.
COSA SUCCEDE NELLA SCENA?
Per usare un termine teatrale, questa domanda riguarda il business del palcoscenico . Cosa stanno facendo fisicamente i tuoi personaggi durante una scena particolare?
Il dialogo e l'azione sono i due elementi principali di una sceneggiatura, quindi ha senso che ciò che fanno i tuoi personaggi sia importante tanto quanto ciò che dicono.
Le azioni che i tuoi personaggi intraprendono possono aggiungere significato critico e sottotesto alla tua storia. Dopotutto, una cosa è per un personaggio convincere la sua ragazza che la ama veramente mentre sta sorseggiando il tè, un'altra cosa è se è impegnato ad affilare un coltello.
DI CHI È LA SCENA COMUNQUE?
Onnisciente in prima persona, seconda persona, terza persona: proprio come la letteratura, tutti i film e i programmi TV hanno un punto di vista. E mentre rivedi la tua sceneggiatura, è fondamentale esaminare il punto di vista di ogni singola scena.
Ora, non sto parlando di come scrivi le parole nella sceneggiatura stessa. Si tratta del punto di vista della storia in un senso più ampio.
Da quale prospettiva è la scena? Se dovessi assegnare un personaggio principale (o, meglio, una coppia di personaggi) come "leader" nella scena, chi sarebbe?
Alcune storie aderiscono all'equivalente di un punto di vista in prima persona, seguendo un personaggio per tutta la storia. In queste storie, il pubblico apprende le informazioni mentre il personaggio POV apprende le informazioni.
Altre storie possono saltare tra le prospettive di due personaggi, concentrarsi su vari personaggi in un gruppo più ampio o presentare una sorta di narratore onnisciente che sa tutto e può commentare la storia stessa.
Non c'è una risposta giusta o sbagliata qui, ma dovresti cercare di individuare a quale personaggio appartiene ciascuna scena e in che modo ciò influisce sulla percezione della storia da parte del pubblico.
COSA VUOLE IL PERSONAGGIO?
Una volta che sai di chi è la scena, la prossima domanda da porre riguarda l'obiettivo. Cosa vuole il personaggio in questa scena?
Quando il tuo personaggio vuole qualcosa, anche se è solo un bicchiere d'acqua, quel desiderio crea intrinsecamente interessi, ostacoli e conflitti.
La posta in gioco e gli ostacoli sono essenziali per il tuo copione. Chi vuole vedere un film in cui tutto va per il verso del protagonista e lui non ha problemi a ottenere ciò che vuole? Nessuno, ecco chi.
Scruta l'obiettivo del tuo personaggio in ogni scena. Diventa davvero micro anche con esso. Il grande obiettivo di Indiana Jones in I predatori dell'arca perduta è quello di ottenere l'Arca dell'Alleanza prima dei nazisti, sì, ma ha un obiettivo più piccolo in ogni singola scena che lo porterà un passo più vicino (o più lontano) dal trovare effettivamente il Arca.
E se hai due personaggi principali in una scena, assicurati di rispondere a questa domanda per entrambi i personaggi. A volte il miglior dramma si verifica quando due personaggi vogliono cose completamente opposte.
'Predatori dell'arca perduta'
IN CHE MODO QUESTA SCENA FA AVANZARE LA STORIA?
Le scene nella tua sceneggiatura dovrebbero essere come una linea del domino. Quando spingi il primo dòmino, cade nel secondo domino, che cade e colpisce il terzo domino... e così via e così via.
Vuoi che le tue scene si sovrappongano l'una all'altra come quella linea di domino, il che significa che ciò che accade in una scena dovrebbe dipendere da ciò che è accaduto nella scena precedente e dovrebbe influenzare direttamente ciò che accade nella scena successiva.
Un modo un po' più semplice di guardare a questo è considerare se una singola scena influisce sulla trama della storia o sull'arco del personaggio. Se influisce sulla trama o sull'arco del personaggio, bene; se ha un impatto su entrambi, bene.
Ogni scena di una sceneggiatura ha lo stesso compito: portare avanti la storia in qualche modo. Quello slancio in avanti può assumere molte forme, ma deve essere presente nella scena. In caso contrario, è meglio tagliare i ponti prima di attaccartici troppo.
COSA RIVELA LA SCENA SUL PERSONAGGIO?
Alcune scene riguardano più il personaggio che altro: stabiliscono chi è il qualcuno, quali conflitti interni combattono e come sono le loro relazioni con gli altri.
Per queste scene, devi guardare in modo critico a ciò che la scena rivela sul personaggio. Questo può essere in azione, dialogo o la scena cumulativa nel suo insieme.
Con quella scena del viaggio in macchina all'inizio di Lady Bird, Greta Gerwig stabilisce il teso rapporto madre/figlia che regge l'intero film in pochi minuti. Sentiamo quanto velocemente la conversazione di Lady Bird e Marion sul loro audiolibro si trasforma in una discussione a tutti gli effetti. E vediamo che la loro relazione è così tesa che Lady Bird è disposta a buttarsi fuori da un'auto in movimento piuttosto che continuare a parlare con sua madre.
Le cose che facciamo e diciamo rivelano chi siamo, che lo vogliamo o no. Assicurati che ciascuna delle tue scene riveli qualcosa di interessante.
"Lady Bird"
COSA VIENE (E NON VIENE) DETTO?
Ah, in che mondo vivremmo se tutti dicessero sempre esattamente cosa intendono. Sfortunatamente per noi - e per i nostri personaggi - quella terra fantastica non esiste.
Ciò che i personaggi dicono durante una scena è estremamente importante. L'ultima cosa che vuoi è un dialogo tortuoso e inutile. Ma d'altra parte, non vuoi che il discorso dei tuoi personaggi sia irrealistico.
Noi umani non siamo altro che comunicatori disordinati e alcuni dei migliori conflitti cinematografici possono derivare da problemi di comunicazione. Non aver paura di estrarre errori di comunicazione per conflitti nella tua sceneggiatura.
Quindi durante la revisione, guarda il dialogo in ogni scena e poniti due domande...
- Cosa viene detto?
- Cosa non viene detto?
Ciò che non viene detto è il sottotesto. È il significato dietro le loro parole, spesso le cose che non possono - o non vogliono - dire ad alta voce. Usando il sottotesto, è del tutto possibile per i tuoi personaggi avere una conversazione a livello superficiale sui modelli di carta da parati quando ciò di cui stanno veramente parlando è il divorzio.
Non tutte le scene necessitano di un sottotesto pesante: a volte devi solo spiegare qualcosa in modo diretto o passare da una scena all'altra con dialoghi di transizione. Assicurati solo che la tua sceneggiatura non sia piena di queste semplici scene di dialogo.
LA "CARICA" DELLA SCENA CAMBIA?
Per le ultime tre domande di questo elenco, fai un passo indietro rispetto alla scena. Smetti di sezionare le singole linee e guardale in modo più astratto.
Innanzitutto, considera la "carica" della tua scena. Con questo intendo la carica emotiva. Con quale emozione inizia la scena e con quale emozione finisce?
Pensa a una batteria: da un lato c'è una carica positiva, dall'altro una carica negativa. Proprio come quella batteria, la tua scena dovrebbe avere emozioni diverse su ciascuna estremità.
Puoi assegnare designazioni approssimative alle emozioni per tenere traccia della "carica". La chiave è che vuoi che questa "carica" emotiva cambi durante una scena.
Le scene potrebbero iniziare con gioia (positivo) e finire con disperazione (negativo), o l'esatto contrario. Le scene più lunghe possono subire diversi cambiamenti emotivi.
Il cambiamento non ha bisogno di essere monumentale, ma dovrebbe essere rilevabile in qualche modo. Lo scenario peggiore è avere una scena in cui la "carica" emotiva rimane semplicemente la stessa per tutto il tempo. Se non cambia nulla, che senso ha includerlo?
C'È UN INIZIO, UNA METÀ E UNA FINE?
Proprio come la tua storia più ampia, ciascuna delle tue scene ha bisogno di un inizio, una parte centrale e una fine.
Ogni scena dovrebbe avere un arco, proprio come la tua storia più ampia e ciascuno dei tuoi personaggi principali. In ogni scena, qualcosa cambia, la posta in gioco aumenta, le informazioni vengono rivelate: ciò che accade varierà, ma la struttura dovrebbe rimanere la stessa.
Quando rivedi il copione, cerca di identificare l'inizio, la parte centrale e la fine di ogni scena. Se non riesci a individuare una parte in particolare, scava nei meccanismi della scena. Stai finendo troppo in fretta senza impostare ciò che verrà? Non si verificano cambiamenti durante la scena? La scena si svolge apparentemente dal nulla, senza alcun collegamento con quelle precedenti e successive?
SEI IN RITARDO E FUORI PRESTO?
Infine, usa questo trucco di sceneggiatura per determinare se le tue scene sono troppo lunghe.
Hai iniziato la scena all'ultimo secondo possibile e l'hai conclusa il prima possibile?
Taglia i convenevoli e passa alle cose buone: nessuno ha bisogno o vuole sentire i personaggi fare "Ciao", "Ciao", "Come stai?" routine. E non lasciare che le tue scene indugino troppo a lungo. Una volta che le cose belle sono finite, chiudi la scena e vattene.
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Infine, sarei negligente se non menzionassi che l'ultima cosa che devi fare quando provi le tue scene è controllare l'ortografia e la grammatica.
Potresti scrivere una sceneggiatura piena di scene perfette dopo scene perfette, ma se hai dimenticato la punteggiatura cruciale o hai scritto male una parola importante, questo è tutto ciò che il lettore della sceneggiatura o il dirigente sarà in grado di ricordare.
di Britton Perelmann per screencraft.org
