Ci sono sceneggiature fantastiche con storie e personaggi straordinari, e poi ci sono i girapagine, l'ambito tipo di sceneggiatura su cui ogni lettore di sceneggiature desidera ardentemente mettere le mani.
COS'È UN GIRAPAGINA?
I girapagina non si applicano semplicemente alla velocità di lettura; invece, si tratta davvero dell'esperienza della lettura stessa nel suo insieme. Comprende il concetto, la consegna di quel concetto e l'estetica della sceneggiatura a portata di mano.
Di seguito sono riportate quattro chiavi per creare un girapagina, coinvolgendo così un lettore di script dall'inizio, a metà e fino alla fine.
1. AVERE UN GRANDE CONCETTO
O qualcosa di originale o una nuova interpretazione di qualcosa di familiare, che è ciò che gli studi e i principali produttori amano perché sanno che esiste già un pubblico per questo. Scegliere il tuo concetto è TUTTO. È il primo elemento che viene introdotto nel tuo script, e di solito è il primo elemento che viene visto ancor prima che il lettore lo apra: la logline.
Sebbene i piccoli e bizzarri studi sui personaggi nella commedia o nel dramma siano fantastici, nel complesso non sono concetti convincenti. Non daranno quel tono per il lettore fin dall'inizio che dice: "Voglio vedere come questa sceneggiatura offre quel fantastico concetto". Questo è ciò che gli sceneggiatori devono offrire nei copioni specifici. Coinvolgi, invoglia e stuzzica apertamente quel lettore con un grande concetto. Una sceneggiatura di alto concetto è molto più preziosa di un personaggio di basso concetto scritto in modo brillante e una sceneggiatura di alto concetto scritta in modo brillante è oro.
2. CONCENTRATI SULL'ESTETICA DELLA SCENEGGIATURA
L'estetica della sceneggiatura è forse l'aspetto più trascurato della sceneggiatura, poiché gli sceneggiatori di solito si concentrano esclusivamente sulla storia, sui personaggi, ecc.
Vedi, leggere una sceneggiatura dovrebbe essere un'esperienza . Non si tratta solo di leggere parole ed elaborarle. Si tratta di creare un'esperienza. E per i lettori di script, non c'è esperienza peggiore della lettura di uno script sovrascritto.
Le descrizioni delle scene dovrebbero essere brevi, dolci e pertinenti. I tratti larghi. Per ogni blocco di descrizione, sforzati di mantenerlo a non più di due righe. Se ne hai di più, spezzalo distanziando i blocchi in blocchi diversi e più corti.
Questo è spesso un consiglio di cui la maggior parte degli sceneggiatori ha letto fin dal primo giorno dei loro viaggi, ma approfondiamo e capiamo perché è così importante.
Pensala in questo modo: ogni blocco di descrizione della scena è un'immagine che stai cercando di trasmettere. E devi trasmetterlo il più rapidamente possibile affinché il lettore sia in grado di vederlo con gli occhi della mente.
Ogni blocco di descrizione della scena è quello che stai lanciando loro elementi visivi:
Questo è quello che voglio che tu veda.
Ora vedi questo.
Adesso succede questo.
C'è un ritmo, vedi? Quando hai lunghi paragrafi di descrizione della scena, il cervello del lettore lo registra in modo diverso nonostante dica la stessa cosa.
Questo è quello che voglio che tu veda. Ora vedi questo. Adesso succede questo.
Ciò si registra in modo così diverso, specialmente quando in realtà vengono scritte le descrizioni delle scene.
Pensalo in un contesto musicale, dal punto di vista del ritmo. Quel primo esempio in cui queste tre linee sono separate crea un ritmo.
Boom Bada.
Boom Bada.
Boom.
C'è un ritmo. Il secondo esempio non si legge così, specialmente quando ci sarebbe una vera descrizione della scena.
Sembra più Boombadaboombadaboom .
Vedi la differenza? La tua mente ha appena letto quel secondo esempio più come una frase confusa che come una serie di battiti fluidi. La tua mente è stata costretta a rallentare, se non per un breve momento, per assicurarsi che stesse elaborando correttamente le lettere. È così che perdi presto i lettori di script.
Quindi, in breve, fai in modo che i tuoi script abbiano un ritmo. Qualcosa su cui un lettore di sceneggiature può "battere i piedi".
E poi applica il mantra breve, dolce e preciso per ogni elemento della sceneggiatura, inclusi i dialoghi e persino le scene stesse.
3. CONTINUA A COINVOLGERE IL LETTORE OGNI POCHE PAGINE
Non passare il primo atto a presentare i tuoi personaggi. Lascia che il lettore scopra i tuoi personaggi mentre vengono catapultati nel concetto.
Lascia che il lettore impari le loro motivazioni e i loro archi mentre sono bombardati dal conflitto in cui, si spera, li stai gettando fin dall'inizio. Lascia che ci sia un mistero in esso. Perché mostrare tutta la tua mano quando puoi mantenere un lettore investito e coinvolto staccando lentamente gli strati del personaggio mentre affrontano il conflitto e il concetto generale?
Quindi getta il lettore e i tuoi personaggi nel concetto della sceneggiatura fin dalle prime pagine. Scopriranno chi sono quei personaggi lungo la strada.
Quindi, devi continuare a costruire, costruire e costruire, che sia con le risate, il dramma, le urla, il mistero, i brividi, l'azione, ecc.
Offri più colpi di scena che puoi. Conduci quel lettore verso qualcosa, solo per tirare fuori il tappeto da sotto di loro proprio quando sentono di sapere dove stai andando con esso.
Uno degli esempi più grandi e sottovalutati di questo è il thriller di Paul Haggis The Next Three Days, con Russell Crowe.
Se guardi il trailer, pensi di sapere cosa aspettarti, che probabilmente è stato il motivo per cui poche persone si sono presentate nei cinema per guardarlo.
Tuttavia, quasi ogni singola impostazione prevedibile nel film ti porta da qualche parte che non avresti mai pensato che sarebbero andati. La sceneggiatura ti trascina avanti e indietro, avanti e indietro, al punto in cui senti questa ansia crescere mentre vuoi - no, hai bisogno - di sapere cosa verrà rivelato dopo.
Questo è ciò che mantiene il lettore della sceneggiatura impegnato, investito, girando rapidamente la pagina e desiderando di più, di più e di più.
4. SCRIVI CON LA MENTALITÀ DI UN MONTATORE CINEMATOGRAFICO
Ora, questo è molto diverso dallo scrivere come un regista, che è ciò che non vuoi fare includendo tutti i principali angoli di ripresa, direzione della telecamera, ecc. Quelli devono essere tenuti per autori come Quentin Tarantino e Paul Thomas Anderson. Dirigono le proprie sceneggiature, quindi scriveranno nelle loro lingue, la maggior parte delle quali rappresenta una sceneggiatura alla fine. Gli sceneggiatori che scrivono su specifica, o anche su incarico, devono evitarlo a tutti i costi.
I montatori cinematografici sono lì per prendere ciò che il regista ha girato e creare un'esperienza. Un montaggio di un film può essere drasticamente diverso da un altro montaggio, a seconda del tono, dell'atmosfera e dello stile applicato.
Gli sceneggiatori devono abbracciare quel filo di pensiero. Gli sceneggiatori dovrebbero leggere qualunque libro sull'editing cinematografico su cui possono mettere le mani se vogliono imparare a scrivere un cambio di pagina perché è proprio di questo che si tratta: scrivere come un montatore di film.
Proprio come la descrizione della scena ha un certo ritmo, così ogni singola scena e sequenza all'interno di una sceneggiatura.
Dai un'occhiata a uno degli esempi più significativi di presentazioni cinematografiche, The Big Chill. Qui abbiamo un cast corale di otto personaggi che scoprono che il loro amico del college si è suicidato. La maggior parte delle sceneggiature lo affronterebbe in modo abbastanza diretto con un paio di pagine o più per ogni personaggio perché è un dramma. Qui, ci viene data un'apertura che scorre molto meglio con brevi scorci della loro reazione alla notizia, intervallata dalla preparazione del cadavere del loro amico per il funerale.
Ecco come dovrebbero scrivere gli sceneggiatori. È così che puoi creare un girapagina che sembri un film vivo e che respira.
Se hai una sequenza cruciale di scene che è necessario mostrare in un dato momento, pensa come un montatore e scopri come suddividere quelle scene nel migliore dei modi, saltando da un luogo all'altro, da questo personaggio a quello, ecc. Scene intercut. Passa dall'uno all'altro, avanti e indietro, piuttosto che offrire solo una blanda raccolta di scene costruite una sopra l'altra. Non è così che la maggior parte dei grandi film si sente quando siamo a teatro. Perché? Perché sono stati modificati per trasmettere una certa energia, flusso e stile.
Scrivi come un editore modifica. I tuoi script saranno iniettati con un'energia come nessun altro.
La consegna è fondamentale. La lettura della tua sceneggiatura, e quindi l'aspetto grafico, deciderà chi leggerà la sceneggiatura e chi no.
Se pensi di poter dire: "Lascia perdere, la mia storia e i miei personaggi si distingueranno in ogni caso e se non riescono a leggerlo a fondo è una loro perdita..." Beh, non avrai una carriera come sceneggiatore. Chiaro e semplice.
Devi scrivere un girapagina. Non importa in quale genere stai scrivendo. E anche la tua sceneggiatura deve sembrare la parte perché la maggior parte dei lettori di sceneggiature può semplicemente dare un'occhiata a una sceneggiatura e all'estetica generale di essa, e sapere in meno di un minuto se sta andando essere una lettura terribile o no. Ecco quanto sono bravi questi lettori di script perché è tutto ciò che fanno per la maggior parte. E cercheranno qualsiasi scusa per gettare la sceneggiatura nel file Pass (Pass come in "I Pass on it") e affrontare la pila infinita di script non letti dopo di essa.
Quando un lettore di sceneggiature legge una sceneggiatura, deve essere in grado di vedere quel film con gli occhi della mente il più rapidamente possibile, a ogni giro di pagina. Questo è ciò che fa un girapagina. Permette ai lettori di guardare fondamentalmente il film, piuttosto che limitarsi a leggere una serie di lunghe descrizioni di scene, lunghi scambi di dialoghi e lunghe scene.
Questi sono i segreti per scrivere un girapagina.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
