Ci sono molti modi per descrivere il tuo cortometraggio: il tuo "biglietto da visita", la tua "grande occasione", il tuo "piede nella porta del cinema". Inutile dire che avere un cortometraggio solido (o due) nel tuo arsenale è la chiave per passare a una narrazione più lunga.
Ma il corto ha bisogno di un punto di partenza, di un progetto. Ha bisogno di una sceneggiatura. E solo perché è più breve della sceneggiatura di un lungometraggio non significa che sia più facile. In effetti, scrivere un cortometraggio comporta una serie unica di sfide che probabilmente lo rendono altrettanto impegnativo della scrittura di un lungometraggio.
MANTIENILO SEMPLICE
La moderazione è la chiave. Fallo per un momento. Che si tratti di una scena o di poche scene, è fondamentale evitare inutili complicazioni nella narrazione. Mantenerlo semplice e contenuto lascia ancora molto spazio per una storia con un inizio, una parte centrale e una fine. Torna alle origini: un personaggio ha un obiettivo, qualcuno o qualcosa gli sta impedendo di raggiungere quell'obiettivo. Questa è una storia.
È allettante approfittare della libertà offerta da un cortometraggio sperimentando la narrativa. Sicuramente, provaci: non lasciare che i parametri soffochino la tua voce. Ma allo stesso tempo, se il tuo obiettivo finale è utilizzare il cortometraggio come esempio della tua capacità di raccontare una storia, ti conviene assicurarti che la tua sceneggiatura abbia un senso. Scatenati con la sperimentazione e hai perso il pubblico. Il cortometraggio ti offre un tempo limitato per mostrare il tuo talento: che si tratti di cinque minuti o venti, mantenerlo semplice sfrutterà al massimo quel lasso di tempo.
NON TRATTARLO COME UN PROLOGO PER UN LUNGOMETRAGGIO
Questo potrebbe essere accolto con qualche critica, ma ascoltami. Ciò significa: mantieni la tua attenzione sullo short a portata di mano, per il bene dello short. Sì, se tutto va bene, l'obiettivo finale sarà una caratteristica, e forse questo corto è il punto di partenza. Ma trattarlo essenzialmente come un "prologo" per il tuo lungometraggio, come se fosse una scena di apertura o un primo atto con un finale che sostanzialmente dice: "Scopri cosa succede dopo nella versione del lungometraggio..." è una cattiva idea. A quello gli spettatori dicono, quale versione del lungometraggio?
Il corto deve essere autonomo. Due esempi di cortometraggi successivamente adattati in lungometraggi – Mama di Andres Muschietti e Whiplash di Damien Chazelle – ne sono un ottimo esempio. Sebbene due storie (e durate) molto diverse, entrambe hanno il proprio inizio, metà e fine, piuttosto che agire come i primi minuti di un lungometraggio che non esiste. Questi cortometraggi sono esempi/anteprime di ciò che Muschietti e Chazelle avevano da offrire; i film sono la prova che questi artisti potevano raccontare una storia. Concentrarsi troppo poco sul proprio cortometraggio e troppo su un potenziale lungometraggio ostacola la propria capacità di raccontare una storia.
ABBRACCIA L'ASPETTO VISIVO
Molti cortometraggi sono leggeri nei dialoghi. Ciò può essere dovuto a motivi artistici o pratici (forse il corto utilizza non attori e la mancanza di dialogo suscita una performance più forte). Ma questo suggerimento non è per dirti di evitare del tutto il dialogo. No, accettalo assolutamente se funziona per la storia che stai raccontando. Ma abbraccia anche l'aspetto visivo: ricorda che ciò per cui stai scrivendo è un mezzo visivo e il cortometraggio è un'opportunità perfetta per mostrarlo.
Forse consideri il dialogo uno dei tuoi punti di forza. Fantastico: mostralo. Non è necessario sacrificare ciò in cui ritieni di essere il migliore per trarre vantaggio dal cinema. Il dialogo e le immagini non si escludono a vicenda. Ciò che è importante qui è assicurarsi che la tua sceneggiatura si prefigga di creare un progetto che consenta a ogni scena di ottenere il massimo da ciò che il film ha da offrire. Il cortometraggio, ovviamente, ha un numero limitato di scene: assicurati che la sceneggiatura consenta a ciascuna di apparire.
NON DIMENTICARE CHE DOVRESTI ESSERE IN GRADO DI FARLO
In qualità di scrittore, spetta a te scrivere qualcosa che può essere fatto in modo fattibile. Conosci il tuo budget. Se organizzassi una cena, non metteresti lumache nel menu se sapessi di non avere accesso alle lumache. (Per non parlare del fatto che una cena con lumache suona terribile, ma non è questo il punto). Lo stesso vale per il tuo cortometraggio: non scrivere un'epopea di fantascienza che richiede tonnellate di costosi effetti visivi se sai che non puoi permettertelo o non sai come farlo da solo. Scrivi ciò che è fattibile.
Questo consiglio potrebbe sembrare un po' “poco sexy” in quanto sembra togliere la magia della scrittura, che tiene al guinzaglio la tua creatività. Ma in realtà, sta facendo esattamente l'opposto. I tuoi vincoli limitati, che si tratti di un budget di $ 300 o $ 30.000, ti consentono di essere ancora più creativo. Devi trovare modi fantasiosi per scrivere intorno alla tua mancanza di risorse. Non scrivere più di quanto puoi masticare.
RENDILO PERSONALE
Spesso, quando uno scrittore va sul personale, i temi esplorati finiscono per essere universali. Anche questo è in linea con il vecchio adagio di "scrivi quello che sai". Per quanto noioso possa sembrare, è vero. Dai un'occhiata ai primi lavori di molti scrittori/registi. I cortometraggi che hanno lanciato la loro carriera, anche se forse non esplicitamente autobiografici, hanno affrontato argomenti che conoscevano bene. Argomenti a cui tutti possiamo relazionarci: essere un estraneo, un perdente, sentirsi soli. Hanno esplorato le loro paure e desideri personali. Queste sono cose a cui possiamo relazionarci poiché noi come esseri umani condividiamo più cose in comune di quanto pensiamo. Un cortometraggio con un tema riconoscibile rimane con te. Se il tuo cortometraggio è essenzialmente il tuo biglietto da visita, assicurati che sia il biglietto da visita a lasciare un'impressione duratura che si separi dal resto del pacchetto (dei biglietti da visita).
Articolo di Travis Maiuro per screencraft.org
