Come usare l'Arco di Trasformazione nella tua Sceneggiatura

IN CHE MODO GLI SCENEGGIATORI POSSONO UTILIZZARE GLI ARCHI DI TRASFORMAZIONE DEI PERSONAGGI E GLI ARCHI NARRATIVI PER GARANTIRE CHE LE LORO SCENEGGIATURE ABBIANO UNA NARRAZIONE OTTIMA?

Abbiamo esplorato due diversi acronimi della parola ARC e come si applicano agli archi interni ed esterni del personaggio di una sceneggiatura.

L'ARC esterno del tuo protagonista è una struttura narrativa in tre atti che si applica a loro e solo a loro.

UNA AZIONE. REAZIONE. CONSEGUENZE.

Li presenti con un conflitto (Atto 1), li fai reagire (Atto 2) e poi mostri come affrontano le conseguenze di quelle reazioni (Atto 3). È così semplice.

L'arco interno del tuo protagonista è fondamentalmente una struttura emotiva in tre atti.

ACCCETTAZIONE. RIVELAZIONE . CONTENTEZZA .

Mostri loro che accettano il loro destino e la loro situazione attuale (Atto 1), li costringi a venire a una rivelazione sui loro sentimenti ed emozioni interiori (Atto 2), e poi li lasci accontentare, sapendo che hanno capito qualcosa sulla loro vita .

Se segui quella struttura con il tuo protagonista mentre aggiungi un arco esterno che lo aiuti a giungere a quelle conclusioni interiori su se stesso, creerai una connessione empatica e catartica con il pubblico.

Ma quali elementi assicurano che tutta la tua sceneggiatura abbia un arco narrativo? Qui presentiamo tre elementi semplici e attuabili che ti aiuteranno a chiudere l'arco delle nostre linee guida per la sceneggiatura dell'acronimo ARC per assicurarti che le tue sceneggiature abbiano l'arco narrativo necessario per catturare il coinvolgimento del lettore e del pubblico.

PRIMA DI TUTTO, COS'È UN ARCO?

Cominciamo prima con le basi.

Se guardi un cerchio da una prospettiva narrativa, sia per quanto riguarda l'arco del personaggio che l'arco della storia, è facile vedere che generalmente non vuoi che i tuoi personaggi o le tue storie tornino al punto di partenza. Essenzialmente finendo dove avevano iniziato. Fisicamente ed emotivamente.

Un vero arco narrativo riguarda il cambiamento . Abbiamo bisogno di vedere la storia e il protagonista cambiare, invece di tornare indietro attraverso gli eventi passati e attraverso ciò che il protagonista ha già vissuto nella sua vita. Cerchiamo il cambiamento. Cerchiamo l'evoluzione.

Certo, puoi giocare in modo creativo all'interno dei diametri del cerchio narrativo. Non guardare oltre ciò che hanno fatto Ritorno al futuro II e Ritorno al futuro III , tra molti altri film sui viaggi nel tempo.

Ma al di là di qualsiasi struttura narrativa immaginaria della linea temporale, vuoi concentrarti sul presente e portare il tuo protagonista dall'inizio del suo mondo ordinario al suo mondo o stato evoluto.

Sì, attraverso The Hero's Journey , il tuo protagonista può tornare nel suo mondo ordinario, ma solo in uno stato evoluto, dopo aver appreso o sperimentato qualcosa che lo ha cambiato.

Quindi, scrivere una sceneggiatura che ha un arco completo significa che non stai viaggiando in un cerchio completo senza l'evoluzione del personaggio - e non stai andando dall'inizio alla fine in una linea retta e facile. Non c'è dramma in questo.

A proposito di archi narrativi, siamo lieti di consigliare un software di sceneggiatura chiamato Arc Studio Pro. Ci piace così tanto che abbiamo stretto una partnership a lungo termine con Arc Studio. C'è una versione gratuita e una versione Pro. Puoi delineare il tuo arco narrativo e scrivere la tua sceneggiatura, tutto nello stesso software. Ha tutte le funzionalità di Final Draft e molto altro! Sentiti libero di dare un'occhiata qui .

ANALIZZIAMO L'ARC (Arco di Trasformazione)

Qui approfondiamo gli elementi che creano le tue sceneggiature ARC ( A cts, R esolutions, C onflict).

ATTI

Da quando l'umanità ha iniziato a raccontare storie attraverso grugniti e immagini incise, la narrazione è sempre stata universale: inizio , metà e fine .

Quando scomponi tutto fino in fondo, ogni storia segue la struttura in tre atti. I primi giorni della narrazione raccontavano storie di caccia alla preda (inizio), confronto con la preda (centro) e sconfitta della preda (fine).

La struttura in tre atti nel cinema è la struttura più elementare e pura seguita dalla maggior parte dei film. Hai:

Il set up
Il conflitto
La risoluzione.

Sì, molte teorie cinematografiche e di sceneggiatura propongono strutture in quattro atti, strutture in cinque atti e strutture in sette atti per i film televisivi, oltre a molte altre variazioni. Ma sono solo una struttura evoluta ed espansa dalla struttura generale in tre atti.

Quando scegli di utilizzare la struttura di base in tre atti per la tua sceneggiatura, stai offrendo forse il design della storia più accessibile per il pubblico.

Ogni scena è importante. Ogni scena passa direttamente alla successiva, portando avanti lo slancio della storia in una progressione naturale, priva di qualsiasi eccesso. C'è la configurazione del personaggio e del suo mondo, seguita da un conflitto che sono costretti ad affrontare o scelgono di affrontare e poi siamo portati alla risoluzione.

Film come Star Wars, The Fugitive, Witness, Raiders of the Lost Ark e Die Hard sono esempi perfetti della forma più semplice della struttura in tre atti. In retrospettiva, chiunque può applicare vari gradi di filosofia del guru e battere fogli a ciascuno di essi. Tuttavia, alla fine, quei tipi di storie mostrano veri inizi, fasi intermedie e finali con costanti progressi in avanti mentre ogni scena si sviluppa verso il finale.

"Star Wars: Episodio VI - Il ritorno dello Jedi"

Quando sviluppi le tue sceneggiature, devi iniziare identificando gli atti della tua storia.

Dove inizia il protagonista?
Quando si trovano di fronte a un conflitto che cambia le loro vite?
Come reagiscono a quel conflitto?
Come falliscono e poi imparano da quei fallimenti per vincere la sfida?

Tutte queste domande, e altre ancora, comprendono i tuoi atti della storia. Puoi adattare anche varie strutture narrative all'interno di quegli atti.

Ma se definisci quegli atti all'inizio del processo, prenderai quella linea retta con cui iniziano tutti gli sceneggiatori (dall'inizio alla fine) e inizierai a farla salire sempre più in alto.

RISOLUZIONI

I lettori e il pubblico hanno bisogno di risoluzioni. È solo una parte dell'esperienza narrativa.

Nessuno inizia una battuta e finisce senza una battuta finale.
Nessuno condivide un'esperienza e non riesce a fornire quello che è successo alla fine.
Nessuno insegna una lezione di vita senza un punto da sottolineare e da cui imparare alla fine.

Abbiamo bisogno di vedere risoluzioni nelle storie che viviamo, principalmente perché il lettore e il pubblico vivono nei panni del protagonista per 90-120 pagine o minuti (in media). Storie e conflitti lasciati irrisolti li lasciano con esperienze insoddisfacenti. Cerchiamo la catarsi nei film. Cerchiamo di sperimentare qualcosa. Vogliamo essere realizzati entro la fine.

Immagina se:

Indiana Jones non ha mai tolto l'Arca dell'Alleanza dalle mani dei nazisti.
Luke Skywalker non ha mai fatto saltare in aria la Morte Nera.
Hans Gruber ei suoi scagnozzi sono scappati e John McClane non si è mai riconciliato con Holly.

Ogni punto della storia e del personaggio deve essere risolto entro la fine, a meno che tu non lasci qualcosa di più per un'altra puntata. Tuttavia, come sceneggiatore di sceneggiature specifiche, non puoi presumere che la tua storia avrà un'altra puntata, figuriamoci che venga prodotta. Quindi devi assicurarti di lasciare il lettore - e in seguito (incrociamo le dita) il pubblico - soddisfatto delle risoluzioni. E questo vale anche per i personaggi secondari e le trame.

Senza risoluzioni, non c'è una conclusione soddisfacente e concreta della storia. Se non c'è fine alla storia, non c'è niente da raccontare dall'inizio .

Sembra palesemente ovvio. Ma rimarrai sorpreso dal numero di scrittori alle prime armi che lasciano irrisolti gli elementi della trama e del personaggio, grandi e piccoli, nelle loro sceneggiature.

'Die Hard'

CONFLITTO

Il conflitto è tutto quando si tratta di storia e caratterizzazione. Senza conflitto, non c'è motivo per cui il protagonista lasci la comodità del suo mondo ordinario. Se non lasciano il loro mondo ordinario, non c'è viaggio o storia da raccontare. E senza viaggio o storia, il personaggio non ha una piattaforma per mostrare i propri archi. E i loro archi sono rappresentati principalmente attraverso le loro azioni e reazioni mentre affrontano il conflitto in questione.

Senza quell'effetto a cascata che il conflitto provoca, non hai una sceneggiatura.

Il conflitto è tutto.

Puoi persino avere il concetto più semplice e basilare - qualcosa di piuttosto docile - e farne una sceneggiatura fantastica iniettando tanto conflitto nel viaggio del protagonista. E il conflitto deve essere costante, in evoluzione e senza fine. Con ogni poche pagine, hai bisogno di un conflitto nuovo, aggiuntivo o evoluto che metta alla prova i personaggi e il loro essere fisico ed emotivo.

E più conflitti hai, più i personaggi devono perdere a causa di quel conflitto. Si chiama alzare la posta in gioco . E più si alza la posta in gioco, più lettori e pubblico saranno interessati alla tua storia.

Mentre evochi questi conflitti da lanciare ai tuoi personaggi, devi porti queste domande:

Cosa rischiano di perdere i miei personaggi a causa del conflitto centrale?
Cosa hanno da guadagnare?
Qual è la posta in gioco (libertà, vite, relazioni)?
Quali sono le conseguenze di ogni singola azione che intraprendono in reazione al conflitto in corso?

Le risposte a queste domande arriveranno dopo che avrai introdotto il prossimo conflitto che saranno costretti ad affrontare. Mentre continui ad aggiungere sempre di più, quelle risposte miglioreranno sempre di più. Prima che tu te ne accorga, avrai una sceneggiatura che ha una posta in gioco significativa dall'inizio, a metà, alla fine.