È ovviamente vero che Aristotele non era uno sceneggiatore. Non si è mai seduto su una tastiera facendo clic con le dita mentre rifletteva sui temi e sulla struttura della sceneggiatura cinematografica per il prossimo grande thriller o tragico dramma.
No, era un antico filosofo e scienziato greco, noto come una delle più grandi figure intellettuali di tutti i tempi. Era un maestro intellettuale e un'autorità non solo delle scienze, ma anche di molte arti. Ha scritto articoli e libri su biologia, botanica, chimica, etica, storia, logica, metafisica, retorica, filosofia della mente, filosofia della scienza, fisica, poetica, teoria politica, psicologia e zoologia.
Ma ciò che spicca di più per gli sceneggiatori - e tutti gli scrittori allo stesso modo - sono i suoi sei principi di narrazione.
Nota: le passate interpretazioni del suo testo elencavano sette principi (l'extra è l'arredamento), ma rivedendolo, scoprirai rapidamente che ne elenca solo sei.
Il suo libro Poetica approfondisce l'analisi della tragedia e della narrazione epica. Quelli erano rappresentati principalmente nella poesia e nel palcoscenico, le piattaforme narrative del suo tempo.
Qui adattiamo e interpretiamo la sua analisi in modi che gli scrittori possono imparare e applicare alle proprie storie.
1. TRAMA
Aristotele poneva la trama come primo elemento essenziale della narrazione, riferendosi ad essa come alla vita e all'anima di ogni storia. Si riferiva spesso alla trama come azione: la disposizione degli incidenti. Senza azione, non può esserci carattere. Senza azione, non può esserci implementazione di un'idea o di un concetto.
"Se metti insieme una serie di discorsi espressivi di un personaggio e ben rifiniti in termini di dizione o pensiero, non produrrai l'effetto tragico essenziale con un'opera teatrale che ha una trama e incidenti costruiti artisticamente".
Ciò che Aristotele sta dicendo in quel passaggio - e sull'importanza della trama su tutto - è che un grande personaggio non può reggere il peso di una storia. Quel personaggio deve essere costretto a intraprendere una qualche forma di azione, esterna o interna, affinché la storia prenda vita. E quell'azione è un risultato diretto della trama che tu, lo scrittore, evoca sotto forma di conflitto lanciato contro il personaggio.
Afferma inoltre che tutte le trame devono avere un inizio, una parte centrale e una fine. Questa è probabilmente la radice della struttura dei tre atti che gli scrittori conoscono oggi.
L'inizio della tua storia spesso non è il risultato di qualcosa che è venuto prima. Le complessità del personaggio (vedi sotto) possono sicuramente indicare momenti precedenti nella vita di quel personaggio non mostrati, ma l'inizio della storia è dove le azioni iniziano a svolgersi per la prima volta. Mostri il mondo del personaggio e poi lo confronti con una qualche forma di conflitto su cui deve agire.
Il centro della tua storia è "ciò che segue qualcosa come lo segue un'altra cosa". Quel passaggio è una brillante semplificazione del secondo atto. Alcune storie hanno un richiamo all'avventura, mentre altre presentano semplicemente conflitti su cui i personaggi devono agire o subirne le conseguenze. Indipendentemente da ciò, il secondo atto mette in mostra il personaggio che segue - o si ritira da - qualunque cosa venga presentata alla fine del primo atto.
La fine della tua storia è "quella che naturalmente segue qualche altra cosa, o per necessità o per regola, ma non ha nulla che la segua". Una definizione semplice ed ovvia. Ma continua dicendo che il finale è tutto, l'elemento più importante della trama. Senza un finale soddisfacente per la tua storia, il pubblico che ha investito il proprio tempo e le proprie emozioni rimarrà insoddisfatto. E non offrire alcuna chiusura ai personaggi e ai loro archi li lascerà desiderare di più. Sebbene questa idea sia buona per i film cliffhanger che stanno costruendo un potenziale sequel, deve ancora esserci una qualche forma di chiusura che definisca la fine. Dove il pubblico può fermarsi, sapendo che la fine presentata "non ha nulla che la segua".
Aristotele indica la cattiva trama come "episodica" in cui episodi o atti si susseguono, ma senza una sequenza probabile o necessaria. Dice che i cattivi scrittori estendono la trama o la storia oltre le loro capacità, interrompendo la naturale continuità.
Insomma, le trame non dovrebbero essere eccessivamente complicate. Possono essere complessi nei loro temi, ma non a scapito della trama e dei personaggi principali.
Come bonus, Aristotele ha offerto tre parti di possibili trame tra cui gli scrittori possono scegliere quando tracciano una storia o combinarle per crearne una ancora migliore.
L'inversione dell'intenzione è un "cambiamento mediante il quale l'azione vira verso il suo opposto". Questo è essenzialmente un punto di svolta in una storia. Ad esempio, guardi First Blood dove vediamo John Rambo che cerca di riconnettersi con un commilitone della guerra del Vietnam.
Scopre che il suo ultimo fratello d'armi rimasto è morto, lasciando Rambo in piedi da solo. Poiché sta chiaramente cercando di voltare pagina dagli orrori di quella guerra, si trova di fronte al punto di svolta dell'essere arrestato ingiustamente.
Questo porta Rambo a dover tornare ai suoi modi di guerriero, al contrario di lui che cercava di voltare pagina quando la storia è iniziata.
Il riconoscimento è un "passaggio dall'ignoranza alla conoscenza". Questo cambiamento avviene all'interno dei personaggi della storia e può portare a risultati positivi o negativi dopo che la conoscenza è stata raggiunta. In Il Signore degli Anelli, Frodo e i suoi compagni hobbit non sono mai usciti dalla Contea.
Quando lo fanno, si trovano di fronte all'oscurità e al male. Sono costretti ad acquisire conoscenze da coloro che li circondano per sopravvivere.
Frodo in particolare è coinvolto nel più grande viaggio mentre sperimenta le peggiori condizioni e il peggior male mentre si impegna a distruggere l'anello una volta per tutte.
Il tragico incidente è una "azione distruttiva o dolorosa". Questo è un evento di grande causalità, distruttività o pericolo generale che ne consegue. Film come Titanic, Patriots Day, The Towering Inferno, Deep Impact e Independence Day sono ottimi esempi. Tali storie possono essere basate su eventi reali - come nel caso di Titanic e Patriots Day - o sono eventi di fantasia che ora chiamiamo Disaster Movies. I personaggi sono costretti ad affrontare questi tragici incidenti e i loro archi caratteriali sono inseriti esclusivamente all'interno di tale struttura.
2. CARATTERE
Aristotele elencava il personaggio come secondario rispetto alla trama perché "il carattere determina le qualità dell'uomo, ma è per la loro azione che sono felici o viceversa". Pertanto, il personaggio entra come sussidiario alle azioni o alla trama.
Senza una trama avvincente, non c'è azione o reazione che possa creare un personaggio avvincente.
" Il carattere è ciò che rivela lo scopo morale mostrando quali tipi di cose un uomo sceglie o evita." Nonostante siano elencati come secondari rispetto alla trama, i personaggi sono cruciali per lo sviluppo della storia. Se i lettori e il pubblico non sono compassionevoli per i personaggi principali, la trama non avrà importanza. E se non sono pensati per essere compassionevoli per loro - come può essere il caso di film biografici e storie di antieroi - devono comunque essere coinvolti dal personaggio. O per intrigo, curiosità o il puro divertimento di vedere un personaggio fare ciò che gli umani normali non possono, non vogliono o non dovrebbero.
Elenca anche quattro cose a cui dovrebbe mirare per quanto riguarda il carattere. Intendiamoci, dopo aver esaminato il suo testo, elenca alcuni concetti datati che indicano l'inferiorità delle donne e come i personaggi femminili dovrebbero essere privi di valore in quanto "inappropriati". Anche le menti più grandi hanno i loro difetti, anche se era un segno dei tempi e della cultura. Due parole: Wonder Woman.
Ad ogni modo, le sue quattro cose su cui puntare nel personaggio sono...
[Il personaggio] deve essere buono. Si potrebbe obiettare che non tutti i personaggi principali possono essere definiti buoni, ma devono almeno avere alcuni buoni tratti a cui il pubblico possa aggrapparsi. Afferma inoltre che "il personaggio sarà buono se lo scopo è buono". Questa nozione è un modo eccellente per gli scrittori di trovare il centro dei loro protagonisti. Se stanno cercando di fare qualcosa di buono, ciò può e deve riflettersi sulle loro azioni e reazioni. Puoi anche invertirlo per antagonisti e cattivi. Se stanno cercando di fare qualcosa di brutto, ciò può e deve riflettere anche le loro azioni e reazioni.
Correttezza. Ancora una volta, i suoi sentimenti datati verso gli schiavi e le donne dovrebbero essere svelati nel contesto dei tempi contemporanei, ma i dettagli o le regole di comportamento convenzionalmente considerate corrette dovrebbero riflettersi su qualunque personaggio tu scelga di scrivere. Un agente di polizia dovrebbe fare tutto il possibile per rispettare la legge. Un avvocato dovrebbe fare tutto il possibile per rispettare la legge e cercare giustizia. Sebbene questo elemento possa essere piegato e giocato, il punto contemporaneo è che gli scrittori dovrebbero essere fedeli ai tipi di personaggi che scelgono di interpretare.
Fedele alla vita. Analogamente alla correttezza, i personaggi dovrebbero essere scritti in modo realistico con cui il pubblico possa identificarsi. Quante volte hai guardato un film o un programma televisivo e hai reagito a un momento del personaggio dicendo o pensando: "Dai, nessuno lo farebbe". Le eccezioni a questa regola si troverebbero chiaramente nel genere horror in cui le vittime fanno scelte discutibili per quanto riguarda dove vanno e cosa fanno. Non rispondere alla porta!
Consistenza. Riflette sul fatto che alcuni personaggi dovrebbero essere costantemente incoerenti, il che significa che se tu, lo scrittore, ti impegni nei difetti del personaggio, quei difetti del personaggio devono essere coerenti per tutta la storia. A meno che, ovviamente, il personaggio alla fine non acquisisca la conoscenza per correggere quei difetti. Indipendentemente da ciò, i personaggi devono essere coerenti nelle loro personalità, azioni e reazioni per creare un veicolo affidabile per la trama.
3. PENSIERO
Aristotele definisce il Pensiero come "la facoltà di dire ciò che è possibile o pertinente in determinate circostanze". Questo è forse l'elemento più difficile da interpretare. Alcuni lo indicano come tema . Continua dicendo che "il pensiero si trova dove si dimostra che qualcosa esiste o non esiste". Si potrebbe obiettare che Salvate il soldato Ryan di Steven Spielberg ha messo in dubbio il tema della gloria della guerra che era stato mostrato nella maggior parte dei film della seconda guerra mondiale prima di esso. Il suo film ha dimostrato chiaramente che no, non c'è gloria in guerra, solo orrore.
Tuttavia, all'interno dei confini di quell'orrore si possono trovare immenso coraggio e grandezza.
4. DIZIONE
"L'espressione del significato in parole; e la sua essenza è la stessa sia in versi che in prosa."
Il dialogo è un elemento importante che non può essere preso alla leggera. Troppe sceneggiature soffrono di dialoghi al naso - parole che sono più interessate a trasmettere informazioni ed esposizione, invece di mostrare le emozioni, le paure, le lotte e le intenzioni del personaggio. Il verso è il pezzo del dialogo e la prosa è il modo in cui è scritto.
Abbiamo già detto che non esiste una risposta segreta a un ottimo dialogo di scrittura, ma ciò non significa che non ci sia posto dove trovarla. E il modo in cui trovi grandi dialoghi è vivere attraverso i personaggi che scrivi. Cosa direbbero? Cosa non direbbero? Come lo direbbero? Cosa ci guadagnerebbero a dirlo? Cosa guadagnerebbero a non dirlo?
In una nota secondaria, versi e prosa possono essere una parte vitale nella descrizione della scena all'interno di una sceneggiatura o di un romanzo per voi autori là fuori. La dizione della descrizione della scena può svolgere un ruolo fondamentale nel modo in cui la lettura del tuo materiale viene vissuta dai poteri costituiti.
In entrambi i casi, presta particolare attenzione a ogni riga di dialogo o descrizione della scena. Chiediti: "Questo deve essere presente? Sto dicendo la stessa cosa due o più volte? Quali ripercussioni ci sono per il mio personaggio che dice quella battuta e sono pronto a percorrere quella strada con loro? Il lettore ha bisogno di così tanti dettagli o posso dire di più con meno e lasciare che riempiano il resto?"
5. CANZONE
Poiché il testo di Aristotele è stato scritto in riferimento alle opere teatrali, la musica ha svolto un ruolo chiave nella narrazione. Per gli sceneggiatori, non vuoi mai dettare particolari scelte di canzoni o, più specificamente, non vuoi mai costruire l'intera storia attorno a un set specifico di canzoni. Perché? Perché se metti così tanta storia in certe canzoni, cosa succede quando va in uno studio che non ha i diritti su quelle canzoni? Va bene menzionare una canzone di sfuggita e va sicuramente bene ascoltare le canzoni per trarne ispirazione, ma non appena le incorpori nel tuo lavoro, è una battaglia che non vale la pena intraprendere se sei fortunato e la tua sceneggiatura attira l'attenzione.
Detto questo, la musica stessa può svolgere una parte vitale del tuo processo concettuale quando inizi a visualizzare la storia. Ascoltare e creare colonne sonore temporanee tratte dalle partiture musicali di altri film può dare agli scrittori un contesto e un'atmosfera emotivi durante la scrittura. Proprio come la musica di un'opera teatrale o di un film muto. Quindi considera di incorporare spartiti musicali nel tuo processo. Sarai piacevolmente sorpreso dal risultato.
6. SPETTACOLO
Aristotele elenca lo spettacolo come l'elemento meno importante della narrazione.
"Gli effetti spettacolari dipendono più dall'arte del macchinista che da quella del poeta." Questa è una frase incredibile da leggere considerando che il testo è stato scritto migliaia di anni fa, ma oggi suona vero, vero? Quanti pali per tende da studio basati su effetti speciali hanno fallito al botteghino e perché hanno fallito?" Perché sono privi dei principi sopra elencati.
Lo spettacolo può essere intrigante e certamente attira un certo pubblico, ma non dovrebbe mai avere la priorità su nessuno degli altri principi. Non importa quali fantastiche sequenze d'azione, horror o comiche puoi evocare. Se la storia è priva di trama, personaggio, pensiero, dizione e sì, anche un po' di musica - occhiolino - lo spettacolo non ha importanza.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
