♥ dalle Idee alle Sceneggiature

Come scrivere secondi atti avvincenti nelle sceneggiature?
Alla fine, ogni storia cinematografica (sia lungometraggio che cortometraggio) ha una struttura in tre atti: un inizio, una parte centrale e una fine. Questa è stata la struttura narrativa seguita dall'umanità fin dai tempi in cui si raccontavano storie attorno al fuoco del villaggio o si incidevano pitture rupestri su muri di pietra raffiguranti storie degne di nota di caccia alla preda (inizio), confronto con la preda (parte centrale) e sconfitta della preda (fine).

La struttura in tre atti del cinema è la struttura più elementare e pura seguita dalla maggior parte dei film, indipendentemente da ciò che dicono guru ed esperti.

C'è l'impostazione, il confronto e la risoluzione. Le strutture in quattro atti, in cinque atti e in sette atti per i film per la televisione, così come molte altre varianti, sono solo aggiunte alla struttura principale in tre atti.

Anche le sceneggiature che utilizzano strutture uniche e originali possono solitamente essere suddivise in tre atti.

Il punto è questo: quando adotti la struttura di base in tre atti per la tua sceneggiatura, stai offrendo forse la struttura narrativa più accessibile al pubblico.

• Ogni scena è importante.
• Ogni scena prosegue direttamente nella successiva, portando avanti lo slancio della storia in una progressione naturale, priva di eccessi.
• C'è l'impostazione del personaggio e del suo mondo. (Inizio)
• Si presenta un conflitto che i personaggi sono costretti ad affrontare o scelgono di affrontare, e lo fanno fallendo e imparando dai propri errori (al centro).
• E poi siamo condotti alla risoluzione in cui superano il conflitto o vi soccombono. (Fine)

Film come Star Wars, The Fugitive, Witness, Raiders of the Lost Ark e Die Hard sono esempi perfetti della struttura in tre atti. Chiunque, a posteriori, può applicare vari gradi di filosofia guru e beat sheet a ciascuno di essi. Tuttavia, alla fine, quei tipi di storie mostrano veri inizi, fasi centrali e finali con un progresso costante mentre ogni scena si sviluppa verso il finale.

Ma l'aspetto più impegnativo della struttura in tre atti è la parte centrale (secondo atto).

Perché è così difficile scrivere la parte centrale di una sceneggiatura?

Inizi e finali sono semplici e i più piacevoli da immaginare e scrivere.

Gli sceneggiatori sono stati addestrati a concentrarsi sulla creazione di eccitanti ganci di apertura, momenti, scene e sequenze nelle prime pagine delle sceneggiature. È divertente concettualizzare modi coinvolgenti per catturare l'attenzione dei lettori di sceneggiature e del pubblico.

È stato anche consigliato loro di creare finali magistrali che sconvolgano e sorprendano le persone o, quantomeno, che forniscano conclusioni avvincenti.

Ma quasi nessuno parla della parte più difficile: la parte centrale.

La parte centrale della sceneggiatura è dove la maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi vacilla. Perché?

• Gli archi narrativi e dei personaggi raggiungono il loro massimo nel secondo atto,  dopo l'introduzione del conflitto.
• Per arrivare alla fine è necessaria una trama più creativa.
• Gli sceneggiatori devono ideare colpi di scena, svolte e depistaggi per coinvolgere il pubblico (vedi sotto).

La maggior parte delle sceneggiature specifiche soffre nella parte centrale perché i concetti mancano di sostanza (e alcuni sono più espedienti che concetti) e il lavoro iniziale di sviluppo della storia e dei personaggi non è stato completato.

Le parti centrali delle sceneggiature specifiche sono spesso noiose e monotone, e sembrano accelerare le cose verso finali altrimenti entusiasmanti. Oppure gli scrittori languono nel mezzo mentre le cose rallentano con una cattiva esposizione al posto della storia e dello sviluppo dei personaggi.

L'inizio e la fine sono considerati gli elementi divertenti della scrittura di una sceneggiatura, mentre la parte centrale è considerata ciò che gli sceneggiatori temono di più.

Ma non deve essere per forza così. Se sai e capisci come padroneggiare il centro della tua sceneggiatura, scoprirai che il centro è in realtà il luogo in cui avviene la vera magia, e dove il divertimento della scrittura emerge al meglio.

Come padroneggiare la parte centrale della tua sceneggiatura

Qui presentiamo alcuni semplici elementi che puoi iniettare nel mezzo del tuo copione per far muovere le cose per i lettori e il pubblico. Che ci crediate o no, scrivere secondi atti avvincenti e coinvolgenti è più facile di quanto pensiate.

1. Iniziare il secondo atto in anticipo

Se stai terminando il primo atto a pagina 30 del tuo lungometraggio, stai già iniziando a perdere il lettore della sceneggiatura. Le sceneggiature a combustione lenta non hanno davvero posto nel mercato delle sceneggiature specifiche. Risparmiale per quando ti sarai affermato con qualche successo (o sarai un autore di talento).

Mentre il secondo atto è considerato da molti la parte temuta del tuo copione, è tempo di riprogrammarti per ripensarci. E il primo passo che fai in quella direzione è uscire dal primo atto il più velocemente possibile.

• Cattura l'attenzione del lettore con un'immagine, una scena o una sequenza accattivante nelle prime pagine (da 1 a 3).
• Introduci il tuo protagonista nel suo mondo ordinario già nelle prime pagine, così possiamo farci un'idea della sua zona di comfort e delle sue origini, cosa che ti sarà utile nel secondo atto.
• E poi fate in modo che affrontino il conflitto centrale del concetto entro le prime dieci pagine, se possibile.

Nota: ancora una volta, le sceneggiature specifiche sono diverse da quelle che vediamo nei cinema da parte di sceneggiatori e registi esperti. Devi cogliere in anticipo il lettore di sceneggiature. E devi convincerlo a continuare a girare le pagine. Quindi, anche se queste direttive potrebbero non andare d'accordo con alcuni dei tuoi film preferiti, devi considerarle dal tuo contesto, uno sceneggiatore sconosciuto, che cerca di sfondare attraverso una pila infinita di sceneggiature che i lettori di sceneggiature (tirocinanti, assistenti, agenti, manager, lettori di sceneggiature, dirigenti dello sviluppo, produttori, registi, ecc.) affrontano ogni settimana. 

Una volta che il protagonista si rende conto del conflitto in atto e decide (od è costretto) ad affrontarlo (consapevolmente o inconsapevolmente), il secondo atto è in pieno svolgimento e ti trovi nel bel mezzo della sceneggiatura.

2. Alzare la posta in gioco ogni poche pagine del secondo atto

In  Jaws, non era sufficiente che uno squalo terrorizzasse una comunità locale in un'isola. Quel conflitto iniziale sarebbe diventato noioso. La sceneggiatura richiedeva di alzare la posta in gioco ancora di più della minaccia di un attacco di squalo.

'Lo squalo'

• Il capo della polizia che cercò di fermarlo aveva paura dell'acqua.
• La minaccia si verificava durante la stagione turistica, il che significava che il capo doveva proteggere centinaia e centinaia di altre persone.
• Il sindaco della comunità non voleva che il capo chiudesse le spiagge.
• Quando uno squalo veniva catturato, ogni speranza era perduta: non era lo squalo che stavano cercando.
• Il capo che aveva paura dell'acqua dovette dirigersi verso l'oceano per dare la caccia allo squalo.
• La barca che avevano non era abbastanza grande e cominciò ad affondare dopo essere stata attaccata dallo squalo.

Devi continuamente iniettare sempre più posta in gioco e conflitto nel secondo atto ogni poche pagine. Ciò crea una costante sensazione di anticipazione. Coinvolge il lettore della sceneggiatura e lo fa chiedere come i tuoi personaggi sopravvivranno, conquisteranno o supereranno. Questo è anche ciò che rende la tua sceneggiatura un vero page-turner.

3. Inietta colpi di scena, svolte e deviazioni

Il tuo lavoro come sceneggiatore è portare il pubblico a fare un giro. Può essere un giro emozionante o divertente, preferibilmente entrambi. E per riuscirci ad alto livello, devi essere in grado di bilanciare la condivisione e la trattenuta delle informazioni. È così che tieni il pubblico sulle spine.

A metà della sceneggiatura, porta il lettore lungo percorsi narrativi familiari e trasforma la storia in una direzione completamente diversa.

Guardare film è spesso uno sport per gli amanti del cinema. Ed è lo stesso tipo di sport per i lettori di sceneggiature (la maggior parte dei quali sono amanti del cinema). Si sfidano a capire la fine prima che la fine sia vicina.

Ma quando li porti in posti inaspettati, la destinazione finale diventa nebbiosa. Ecco cosa li tiene con il fiato sospeso. Uno degli esempi più grandi e meno celebrati di questo è il thriller di Paul Haggis The Next Three Days, con Russell Crowe.

Se guardi il trailer, pensi di sapere cosa aspettarti, e questo è probabilmente il motivo per cui poche persone si sono presentate al cinema per vederlo.

Tuttavia, quasi ogni singola prevedibile ambientazione nel film ti porta da qualche parte dove non avresti mai pensato che sarebbero andati. La sceneggiatura ti trascina avanti e indietro fino al punto in cui senti questa ansia crescere perché hai bisogno di sapere cosa verrà rivelato dopo.

Questo tipo di sceneggiatura crea attesa per il terzo atto e per la conclusione finale della storia.

Puoi ottenere lo stesso risultato anche in tutti i generi come:

• Thriller
• Orrore
• Commedia
• Dramma

4. Creare conflitti interni e posta in gioco per il protagonista

La catarsi è una parte essenziale dell'esperienza cinematografica. I lettori di sceneggiature e il pubblico devono entrare in contatto emotivo con i personaggi per andarsene via sentendosi in qualche modo cambiati dall'esperienza di guardare i tuoi personaggi affrontare il conflitto che gli viene lanciato addosso. E questo gioca un ruolo importante nel rendere coinvolgente la parte centrale della tua sceneggiatura.

È fantastico avere degli eccellenti conflitti esterni che possiamo vedere.

• Bombe da disinnescare
• Cattivi da uccidere
• Disastri naturali da superare

Ma c'è bisogno di qualcosa in più.

Non basta che John McClane sconfigga i cattivi e salvi gli ostaggi in Die Hard. Avevamo bisogno di vedere il conflitto interiore che ha mentre lotta per salvare non solo gli ostaggi e se stesso, ma anche sua moglie e il suo matrimonio.

'Duro a morire'

Se esaminiamo i nostri metodi per esplorare l'arco interiore del tuo personaggio, scoprirai che l'arco interiore del tuo protagonista è fondamentalmente una struttura emotiva in tre atti.

Mostrate loro che accettano il loro destino e la loro situazione attuale (Atto 1), costringeteli a giungere a una rivelazione sui loro sentimenti e sulle loro emozioni interiori (Atto 2) e poi lasciateli accontentare, sapendo che hanno capito qualcosa della loro vita.

Segui questa struttura con il tuo protagonista, aggiungendo un arco narrativo esterno che lo aiuti a raggiungere conclusioni interiori su se stesso. Creerai una connessione empatica e catartica con il pubblico.

5. Conosci il tuo finale

Quando scrivi romanzi, hai la libertà di lasciare che il finale venga da te. Non hai i vincoli di tempo, pagina e finestra narrativa che hanno le sceneggiature.

Quando scrivi una sceneggiatura, è un progetto per un film (lostesso vale per un cortometraggio) che richiederà centinaia di persone per prendere vita e per essere consumato da altri. Per questo motivo, devi attenerti a linee guida e aspettative generali riguardanti la struttura, il numero di pagine e l'ambito della tua storia.

Quando conosci il finale, puoi usarlo come bussola per orientarti nel secondo atto.

Il finale determinerà la posta in gioco, gli elementi di conflitto, gli archi narrativi dei personaggi, i colpi di scena, le svolte e gli sviamenti necessari per creare un secondo atto magistrale.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org