Fin dall'alba dei tempi, gli esseri umani hanno conquistato il loro posto nel mondo disegnando storie su muri di pietra. Prima che avessimo un alfabeto per dettare le nostre parole, i nostri antenati abbozzavano rozze storie di eroi, conquiste e sopravvivenza. Quindi non è un mistero che l'arte visiva e l'animazione abbiano continuato a catturare la nostra immaginazione nel corso dei millenni.
L'animazione offre allo scrittore una vasta tela creativa da dipingere con le parole. Con meno tensione sul budget, non solo puoi fare un viaggio psichedelico ispirato a Rick and Morty attraverso dimensioni alternative, ma puoi anche includere luoghi e scenari che la maggior parte dei produttori deriderebbe.
Due personaggi che lottano per un singolo paracadute mentre un aereo in fiamme precipita a terra è molto più facile da realizzare con un artista visivo, per tutti tranne che per quell'artista visivo. Ogni descrizione che finisce sulla pagina richiede ore di lavoro da parte delle loro mani.
È importante tenerlo a mente prima di cedere alla necessità di scrivere ogni dettaglio. Proprio come è importante non esagerare con le indicazioni di recitazione e di ripresa nelle descrizioni, dovresti anche lasciare un po' di spazio bianco affinché l'artista visivo possa fare la sua magia.
Per quanto possa essere emozionante e allettante sbizzarrirsi con esplosioni visivamente astratte e strabilianti, il primo compito di uno scrittore è attenersi alla storia, e le storie hanno una struttura.
FORMATO E STRUTTURA DI UNA SITCOM ANIMATA
Se leggi una sceneggiatura animata, potresti essere un po' confuso. Dopo tutto, come si fa a ridurre una sceneggiatura di 51 pagine a trenta minuti o meno di tempo sullo schermo? Le sitcom di mezz'ora non dovrebbero essere di circa 22-25 pagine se una pagina = un minuto?
La risposta è il dialogo a doppia spaziatura. Questa pratica risale all'era della radio e rende più facile per i doppiatori recitare mentre leggono, oltre a fornire spazio per note aggiuntive. La maggior parte dei software di sceneggiatura ha modelli che possono utilizzare questa formattazione.
La sitcom animata non è rigida come la sua controparte live-action quando si tratta di attenersi a una struttura prestabilita. Con la crescente popolarità dei contenuti in streaming, dove le regole non sono così rigide per uno scrittore, vediamo più deviazioni dalla norma.
Indipendentemente dalle diverse strutture, ogni sitcom generalmente aderisce agli stessi principi. Alcune usano un'apertura a freddo e un tag, altre no. Allo scrittore viene concessa una maggiore licenza creativa quando si tratta di strutturare l'animazione.
Diamo un'occhiata alle strutture di queste sitcom animate.
FAMILY GUY / I GRIFFIN :
Apertura a freddo: 3 pagine
Atto primo: 18 pagine
Atto secondo: 15,5 pagine
Atto terzo: 15,5 pagine
BOJACK HORSEMAN:
Apertura a freddo: 3,5 pagine
Atto primo: 11,5 pagine
Atto secondo: 7,5 pagine
Atto terzo: 12 pagine
KING OF THE HILL:
Atto primo: 19 pagine
Atto secondo: 15 pagine
Atto terzo: 11,5 pagine
Anche se la struttura di queste sitcom varia, la maggior parte degli episodi è composta dalla stessa formula. Lo show generalmente aderisce a questa formula per tutta la serie. Come la struttura, la formula dipende dallo show, ma negli show episodici in cui ogni episodio offre una nuova avventura, spesso troviamo gli stessi personaggi che vengono risucchiati nelle stesse situazioni.
'King of the Hill / Re della Collina'
ATTENERSI ALLA FORMULA
Ogni spettacolo ha la sua formula.
Se guardi Rick and Morty, vedrai la stessa formula riproposta nella maggior parte degli episodi. Gli autori non separano l'apertura a freddo come Family Guy o BoJack Horseman, ma gli episodi di solito iniziano con una sequenza che funge da tale. Di solito ci sarà una battuta veloce tra Jerry e Rick o l'episodio potrebbe persino iniziare durante il climax di un'avventura precedente. Dopo la breve introduzione, Rick di solito trascina Morty al garage dove danno il via alle avventure successive dell'episodio.
Spesso c'è un luogo centrale in cui i personaggi si riuniscono per iniziare l'episodio. In South Park , è in genere la fermata dell'autobus o la scuola. In Bob's Burgers, è il ristorante o il tavolo della cucina. I personaggi sono centrali per la storia, al contrario della storia che è centrale per i personaggi come nell'animazione seriale.
L'animazione seriale è diversa in quanto non si attiene sempre a una formula. Sono comunque strutturate in modo simile. Serie come Castlevania, Attack on Titan e Death Note sono comunque episodi da 20-25 minuti con inizio, parte centrale e fine, ma la storia procede sempre da un episodio all'altro come in qualsiasi serie live-action.
CARATTERIZZAZIONE
I personaggi delle sitcom animate spesso mostrano gli stessi tratti per tutta la serie senza discostarsi molto dal loro ruolo centrale. Sono archetipi che incarnano certi tratti caratteriali dominanti.
Homer Simpson sarà sempre goffo, poco produttivo e semplice. Eric Cartman sarà sempre meschino e manipolatore. Gli spettatori si aspettano che Quagmire sia apertamente sessuale perché le sitcom si basano sulla familiarità. Torniamo per nuovi episodi perché amiamo le buffonate dei nostri personaggi preferiti, forse perché non hanno paura di ostentare i loro difetti sulle maniche.
Anche nei singoli archi narrativi degli episodi in cui i personaggi combattono contro i loro difetti, spesso falliscono miseramente dopo un breve periodo di cambiamento positivo. Dopo la breve redenzione, riprendono il loro ruolo precedente, accettando il loro vero sé. Bart Simpson potrebbe fare qualcosa di buono e sentito per Lisa, ma alla fine è sempre lo stesso Bart Simpson.
'The Simpsons / I Simpson'
IL CUORE DELLA STORIA
La chiave più importante per un'animazione per adulti di successo è che, beh, si concentra su temi per adulti. Nelle sitcom più concrete come F Is For Family , l'umorismo si trova nelle lotte universali molto reali dell'età adulta. Uno scrittore dovrebbe sempre cercare di colpire un'ampia gamma di fattori scatenanti emotivi quando affronta dure realtà. La risata più dolce spesso arriva quando le lacrime sono ancora bagnate sulle guance.
Anche l'animazione rivolta ai bambini sta diventando più matura. Inside Out affronta la fragilità mentale di un bambino che attraversa l'adolescenza. Zootropolis esplora temi di ingiustizia sociale e discriminazione. Up tocca una corda sensibile in tutti i pubblici, in quanto affronta la perdita di una persona cara e come abbracciare il tempo rimanente di cui siamo benedetti.
Anche se la tua sceneggiatura è incentrata sui bambini, è importante colmare il divario tra il pubblico di tutte le età. Non aver paura di affrontare questioni complesse.
CORTOMETRAGGI ANIMATI
Come per il live-action, il cortometraggio animato è un trampolino di lancio per i registi per raggiungere il livello successivo: il lungometraggio. La categoria è stata venerata da quando la Pixar ha fatto irruzione sulla scena e l'animazione digitale si è fatta strada in prima linea.
Ora, anche Disney+ ha lanciato una vasta selezione di cortometraggi acclamati dalla critica. Altri servizi di streaming sono destinati a seguire. YouTube e Vimeo offrono piattaforme per i registi per mostrare il loro lavoro al mondo. L'accessibilità dell'autopromozione non è mai stata così ampia.
"Bao"
La bellezza qui è che puoi davvero lasciar correre la tua immaginazione perché non devi tenere l'attenzione dello spettatore per un'ora e mezza intera. Con una durata più breve, puoi raccontare una storia attraverso metafore e avere comunque un impatto emotivo considerevole sullo spettatore. I personaggi non hanno nemmeno bisogno di parlare.
Non ho mai creduto veramente al vecchio adagio: "Non è importante cosa sai, ma chi conosci".
Ho sempre pensato che non si tratti solo di cosa E chi conosci, ma anche di cosa hai fatto. Collaborare con un artista visivo emergente per creare un cortometraggio animato potrebbe essere un investimento utile di tempo e risorse per qualsiasi aspirante regista che spera di fare scalpore nel mondo dell'animazione.
FILM D'ANIMAZIONE
Le caratteristiche offrono inoltre allo scrittore una maggiore libertà di far volare la propria immaginazione. Spiderman: Into the Spiderverse è unico nel suo genere perché combina diversi stili artistici attraverso la lente di un collage a strati, che riflette davvero la sensazione di un fumetto in movimento. La pop art incontra la polpa e il risultato è una vertiginosa e brillante gamma di immagini che rompe le convenzioni cinematografiche. Nonostante le immagini sorprendenti, la storia era comunque fondamentale.
Spirited Away, A Scanner Darkly e Waltz with Bashir sono anche lungometraggi che non solo espandono l'immaginazione, ma affrontano anche temi adulti difficili come la perdita, la guerra e la tossicodipendenza. Nei documentari, l'animazione è spesso usata per rappresentare un evento a cui i registi non hanno accesso. Come in Searching for Sugarman, vediamo una scena animata del protagonista che cammina nella neve invece di provare a rievocarla con attori dal vivo.
Puoi anche fondere live-action e animazione, sia in una capacità di Chi ha incastrato Roger Rabbit o Space Jam dove i cartoni animati interagiscono con gli umani, o in un modo più sfumato come nel film del 2012 di Terence Nance An Oversimplification of Her Beauty, che usa l'animazione per riflettere lo stato mentale del protagonista dopo essere stato piantato in asso per un appuntamento. Utilizzando l'animazione, Nance è stato in grado di personificare i sentimenti con illustrazioni simboliche attraverso l'uso di diverse tecniche di animazione tra cui claymation, stop-action e grafica digitale.
'Spider-Man: Into the Spider-Verse / Spider-Man: Un nuovo universo'
PASSATO PRESENTE FUTURO
L'animazione odierna deve molto del suo successo alla programmazione in seconda serata dei primi o della metà degli anni '90, che ha portato show come Aeon Flux, Daria e South Park a un pubblico ignaro. Il paradigma è cambiato.
Questi spettacoli notturni inaugurarono un nuovo modo di raccontare storie, seguito con entusiasmo dai giovani adulti, dimostrando che l'animazione non è un'attività riservata ai bambini.
L'animazione continuerà a dominare la nostra coscienza. Siamo andati ben oltre le pareti delle caverne. Ora, la tecnologia ha reso l'animazione più accessibile che mai. Gli strumenti ci sono: usateli.
