Ecco i consigli sulla sceneggiatura del maestro del suspense in persona, Alfred Hitchcock.
Presentiamo alcune delle citazioni più celebri di Hitchcock sulla regia, la scrittura e la narrazione cinematografica nel suo complesso, seguite dalla nostra elaborazione su come gli sceneggiatori possono applicarle alla propria scrittura.
"Fare sempre soffrire il più possibile il pubblico."
Quando andiamo al cinema, investiamo nel protagonista e nella sua situazione. Camminiamo nell'ombra con loro. Facciamo un giro sulle montagne russe con loro. Sperimentiamo ogni alto, basso, spavento, crepacuore, trionfo e conflitto. Questo è il brivido di guardare qualsiasi film di qualsiasi genere.
Mentre sviluppi la tua sceneggiatura, devi sempre ricordare che il pubblico, compresi i lettori di sceneggiature, vuole essere portato in quel viaggio. E quale emozionante viaggio non offre colpi di scena, svolte, discese ripide e anticipazione?
Il riferimento di Hitchcock alla sofferenza può essere percepito come la necessità di un conflitto continuo e in continua evoluzione. Tu, lo sceneggiatore, devi creare quel conflitto ogni poche pagine. E quel conflitto deve crescere, moltiplicarsi ed evolversi nel corso della storia che stai cercando di raccontare.
Quando fai soffrire il protagonista, fai soffrire anche il pubblico insieme a lui. Ed è questo che vuoi e di cui hai bisogno per raccontare una storia avvincente, indipendentemente dal genere.
"Cos'è il dramma se non la vita con le sue parti noiose tagliate?"
Le sceneggiature sono solo questo: dramma con le parti noiose tagliate. Troppe sceneggiature di sceneggiatori alle prime armi dimenticano di tagliare quei momenti poco brillanti dalle loro sceneggiature.
Queste parti noiose possono essere cose semplici come personaggi che entrano ed escono da una stanza, che viaggiano da e verso un luogo o che si impegnano in battute spiritose che non hanno nulla a che fare con il conflitto e il dramma della storia centrale.
Oppure possono essere cose più grandi, come personaggi secondari e trame che non sono centrali nel dramma e nel conflitto della storia principale.
Elimina tutte quelle parti noiose e il dramma e il conflitto presenti nella tua storia sembreranno ancora più esaltati.
"Non c'è terrore nello scoppio, solo nell'attesa di esso."
Le migliori sceneggiature e film usano l'anticipazione come strumento in storie di suspense, horror e thriller. Il vecchio adagio di "tenere il pubblico con il fiato sospeso" si riferisce specificamente all'anticipazione. I botti del cinema (esplosioni, spaventi, effetti visivi) li fanno saltare in piedi. Ma l'aspettativa di quei botti è dove catturi e coinvolgi veramente il pubblico.
L'adrenalina scorre mentre anticipiamo cosa accadrà. E questa anticipazione può essere specifica per l'intera sceneggiatura che si sviluppa fino alla fine o durante scene, sequenze e momenti particolari, preferibilmente una raccolta di tutti.
Quindi quando crei scene di suspense, orrore e brividi, usa l'anticipazione per la maggior parte del tempo in quelle sequenze e scene. Costruisci, costruisci e costruisci finché non è il momento di scatenare quel botto.
"La lunghezza di un film dovrebbe essere direttamente proporzionale alla resistenza della vescica umana."
Anche se si tratta di una battuta intelligente da parte del maestro della suspense, c'è una lezione di sceneggiatura da imparare.
La lunghezza della tua sceneggiatura è importante. Una sceneggiatura di 150 pagine è sovrascritta, semplice e chiaro. Sì, leggi di questo o quell'autore che ha scritto una sceneggiatura lunga così tanto, ma molte di quelle pagine non vengono mai girate, oppure entrano nei dettagli nella descrizione della scena con le indicazioni della telecamera e altri elementi che non dovrebbero essere inclusi nei tuoi script di specifica.
Se le tue sceneggiature finiscono costantemente con 120-130 pagine o più, sono sovrascritte. Alcuni elementi devono essere ridotti, che si tratti di trame B non centrali per la storia A, scene ripetitive, scene eccessivamente lunghe, lunghi blocchi di paragrafi descrittivi di scene o dialoghi sovrascritti che vanno avanti all'infinito.
Cerca di scrivere quella sceneggiatura da qualche parte nel punto ottimale tra 90 e 115 pagine. Sì, ci sono delle eccezioni, ma quando ci si mette con un obiettivo specifico di conteggio delle pagine, questo aiuta a evitare di scrivere quelle scene, sequenze e descrizioni di scene allungate.
"Il dialogo dovrebbe essere semplicemente un suono tra gli altri suoni, qualcosa che esce dalla bocca di persone i cui occhi raccontano la storia in termini visivi."
Il proverbio "mostra, non raccontare" può indicare direttamente il dialogo (o la sua mancanza). La parte importante di qualsiasi storia cinematografica è ciò che il pubblico vede. Le azioni e le reazioni di un personaggio raccontano molto di più di qualsiasi dialogo.
Il dialogo ha sicuramente il suo scopo, ma la rappresentazione visiva di un personaggio è ancora più decisiva per il successo di qualsiasi sceneggiatura.
Troppi sceneggiatori si affidano al dialogo per raccontare la storia. Alcuni lettori di sceneggiature possono semplicemente seguire l'intera storia sfogliando solo il dialogo, senza perdere un singolo colpo o momento della storia. Questa è una sceneggiatura scritta male. Questo è uno sceneggiatore che usa il dialogo come stampella.
Mostra, non raccontare. Quando scrivi le tue sceneggiature, trova dei modi per usare gli occhi per raccontare la storia. Visualizza su cosa si concentrerebbe un regista in tal senso e fai del tuo meglio per interpretarlo nella descrizione della scena attraverso azione, reazioni e silenzio accompagnati da emozione.
"Date loro piacere, lo stesso piacere che provano quando si svegliano da un incubo."
Quando fai un incubo, ti svegli sudato per l'impatto catartico che ha avuto su di te. Non è stato uno spavento sottile. Non è stato dimenticabile. È stato catartico. Ha avuto un effetto tale su di te da scuoterti dal tuo sonno profondo.
Questo è ciò che vuoi fare con le tue sceneggiature. Non puoi lasciare al pubblico o al lettore momenti sottili. Devi scuoterli dalle loro sedie.
O si fa in grande o si torna a casa. E questo dovrebbe valere per l'apertura della tua sceneggiatura, il punto di svolta che guida il personaggio nel suo viaggio, i colpi di scena che riveli e il finale d'impatto, e poi tutto ciò che sta nel mezzo.
"Quanto più è riuscito il cattivo, tanto più riuscito è il film."
Questo ci riporta al conflitto. Quando il cattivo ha successo, il protagonista sta attraversando un conflitto apparentemente infinito. E quando hai un conflitto in corso che si costruisce, si moltiplica e si evolve, stai raccontando una storia cinematografica di successo.
"Nei film, gli omicidi sono sempre molto puliti. Io mostro quanto sia difficile e quanto sia complicato uccidere un uomo."
Il pubblico è come ogni essere umano: curioso. C'è una natura voyeuristica in noi che ci costringe e incuriosisce la mente. Hitchcock ha spesso attinto a quella natura umana. Invece di far uccidere Marion Crane con una pugnalata alla schiena sotto la doccia, vediamo il coltello scendere più e più volte sul suo corpo.
È una cosa caotica uccidere un essere umano. Certo, potresti mostrare quello sparo, quella coltellata o quello schianto. Ma è ancora più avvincente e coinvolgente iniettare un po' più di conflitto e realtà in quelle situazioni all'interno della tua sceneggiatura.
Il pubblico ama essere scioccato. Non si tratta di glorificare la violenza. Si tratta di mostrare gli orrori della violenza, i veri orrori della violenza.
"La fortuna è tutto. La mia fortuna nella vita è stata quella di essere una persona davvero spaventata. Sono fortunato a essere un codardo, ad avere una bassa soglia di paura, perché un eroe non potrebbe fare un buon film di suspense."
La paura è il generatore più significativo di concetti avvincenti da esplorare nella tua sceneggiatura.
Paura dell'acqua. ( Jaws )
Paura dei ragni. ( Arachnophobia / Aracnofobia )
Paura dei clown. ( It )
Paura degli spazi chiusi. ( Buried / Sepolto )
Paura di parlare in pubblico. ( The King's Speech / Il discorso del re )
Esplorare le proprie paure, o quelle degli altri, può portare allo sviluppo di moltissimi concetti straordinari in qualsiasi genere letterario.
"Un buon film è quello in cui il prezzo della cena, del biglietto d'ingresso al teatro e della babysitter valgono la spesa."
Se vuoi distinguerti, devi metaforicamente far sì che il prezzo della cena, del biglietto e della babysitter valga la pena per il lettore e per il pubblico finale.
Raccontare la propria versione di ciò che è già stato proiettato nei cinema non varrà la pena: ci siamo già passati.
Nemmeno scrivere una commedia o un dramma piccolo e bizzarro varrà la pena, anche se da qualche parte potrebbe esserci spazio per quelle storie.
Quando sei uno sceneggiatore che cerca di sfondare i muri di Hollywood in mezzo a decine di migliaia di altri che cercano di fare la stessa cosa, devi dare a quel lettore, a quel manager, a quel dirigente o a quel produttore qualcosa che gli faccia percepire che la tua sceneggiatura vale il tempo dedicato alla sua lettura, e anche di più.
"Se si tratta di un bel film, l'audio potrebbe interrompersi e il pubblico avrebbe comunque un'idea perfettamente chiara di cosa sta succedendo."
Nel contesto della sceneggiatura, se la sceneggiatura è buona, non potresti leggere alcun dialogo e il lettore avrebbe comunque un'idea perfettamente chiara di cosa sta succedendo.
Le immagini guidano questo mezzo visivo. Trova un modo qualsiasi per raccontare una storia attraverso le immagini, piuttosto che tramite il dialogo.
"L'unico modo per liberarmi dalle mie paure è fare film su di esse."
La sceneggiatura e la produzione cinematografica sono fantastiche forme di terapia. Quando scrivi delle tue paure, dei tuoi sentimenti e delle tue storie, stai elaborando quegli elementi personali attraverso una lente diversa, in senso figurato e letterale, a seconda che tu sia uno sceneggiatore che scrive o un regista che filma.
"Scrivi ciò che conosci" ha meno a che fare con dove ti trovi o sei stato fisicamente nella vita o nella carriera e più con ciò che conosci attraverso le tue paure, i tuoi punti di forza, le tue debolezze, i tuoi desideri e le tue esigenze.
Quando elabori queste cose attraverso la scrittura o la produzione cinematografica, spesso riesci a fare i conti con ciò che temi, ciò che ti rende triste, ciò che ti fa arrabbiare e ciò che alla fine può renderti felice.
È una buona terapia.
"Il mio compito è fornire al pubblico degli shock benefici."
Se mai ci fosse stata una descrizione del lavoro diretta al punto dello sceneggiatore, in particolare uno che scrive nei generi suspense, horror e thriller, questa è. Questo è il motivo per cui sei su questa Terra.
Non shock economici. Non shock sottili. Shock benefici che danno al pubblico ciò per cui è venuto al cinema in primo luogo: essere intrattenuto e commosso in un modo che sia memorabile.
Li fai ridere quando hanno bisogno di ridere, piangere quando hanno bisogno di piangere, esultare quando hanno bisogno di esultare e urlare quando hanno bisogno di urlare. E sì, tutti hanno bisogno di un bel grido ogni tanto. Basta chiedere al Maestro del Suspense, Alfred Hitchcock: è vissuto per riuscirci perché sapeva che era ciò che il pubblico voleva nel profondo.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
