Quali lezioni di sceneggiatura possiamo trarre dalle sagge parole dello sceneggiatore e regista J.J. Abrams?
Figlio del produttore televisivo Gerald W. Abrams e della produttrice esecutiva Carol Ann Abrams, ha trascorso la maggior parte della sua vita a Los Angeles, idolatrando registi come George Lucas e Steven Spielberg.
Come tutti sappiamo, in seguito li avrebbe definiti amici e collaboratori frequenti.
Suo padre gli regalò una cinepresa Super 8mm quando aveva tredici anni. Seguirono molti filmati amatoriali. Un'esperienza di formazione che Abrams avrebbe reso omaggio nel suo film Super 8 prodotto da Steve Spielberg nel 2011.
Molto prima di quella collaborazione da sogno, Abrams si laureò al Sarah Lawrence College nel 1988. Invece di frequentare la scuola di cinema, seguì il consiglio di suo padre: "È più importante che tu vada ad imparare su cosa fare film, piuttosto che come fare film". Sebbene Abrams sia oggi noto come un prolifico creatore di serie TV di genere e regista cinematografico, in realtà le sue origini risalgono al periodo in cui fu un prolifico sceneggiatore di Hollywood. Vendette la sua prima co-sceneggiatura, Taking Care of Business, durante il suo ultimo anno di college. Iniziò poi a lavorare da solista con A proposito di Henry e Per sempre giovani, entrambi interpretati dagli attori più affermati di Hollywood dell'epoca: Harrison Ford e Mel Gibson.
È uno sceneggiatore, produttore, creatore di serie e regista prolifico ed iconico.
Condividiamo qui alcune delle migliori citazioni di Abrams sulla scrittura e la regia cinematografica, accompagnate da alcuni nostri approfondimenti su come gli sceneggiatori possono applicare le sue parole di saggezza alla sceneggiatura.
"ODIO GUARDARE LE COSE CHE HO SCRITTO E CHIEDERMI COSA SIGNIFICHINO O PERCHÉ LE SCRIVO."
Non devi analizzare troppo il tuo lavoro. Scrivi quello che scrivi perché c'è qualcosa dentro di te che ti spinge a farlo. A volte è meglio non cercare risposte e capire cosa ti fa scattare. Lascialo come un mistero, come una magia.
"NON CERCO DI SCRIVERE PERSONAGGI FEMMINILI FORTI O PERSONAGGI MASCHILI FORTI. CERCO SOLO DI SCRIVERE, SI SPERA, PERSONAGGI FORTI, E A VOLTE CAPITA CHE SIANO DONNE."
Non importa quale sia il genere, ogni singolo personaggio che sviluppi dovrebbe ricevere il trattamento appropriato. La profondità del personaggio è il fulcro di una grande narrazione. Se non ci preoccupiamo dei personaggi e se i loro archi narrativi non sono coinvolgenti, il resto della storia non ha importanza perché il pubblico non è coinvolto.
"L'OBIETTIVO È SEMPRE QUELLO DI REALIZZARE MATERIALE DI SERIE B IN MODO IMPECCABILE."
Quando sei uno sceneggiatore professionista, spesso sei costretto a cimentarti in ciò che la maggior parte delle persone considererebbe materiale di serie B.
Per farsi notare in questo settore, la scrittura di genere è spesso la chiave, che si tratti di horror, azione o thriller contenuti. E molti di questi concetti sono semplici e diretti.
Ma ciò che conta è il modo in cui li scrivi.
Prendi sul serio i concetti e i personaggi. Trova modi per mescolare temi e caratterizzazioni forti con la leggerezza e il divertimento. Crea l'ibrido definitivo di intrattenimento, concetto elevato e narrazione brillante.
"PENSO CHE ANCHE SE TI STAI CHIEDENDO SE DUE PERSONAGGI SI BACERANNO MAI, TIRARE FUORI L'INEVITABILITÀ FA PARTE DEL DIVERTIMENTO. QUALUNQUE SIA IL GENERE."
Creare attesa è lo strumento più efficace di uno sceneggiatore, che si tratti di costruire un bacio emozionante e drammatico o una sequenza culminante avvincente e avvincente.
Tieni sotto controllo il pubblico. Tienilo in sospeso. Prometti qualcosa, ma rimandala finché non ne possono più. Ed è allora che i personaggi si baciano o che la preparazione di una sequenza esplode in stile cinematografico.
"PENSO CHE QUANDO SI RACCONTANO STORIE, CI SONO COSE CHE IL PUBBLICO RITIENE IMPORTANTI E POI CI SONO COSE CHE SONO REALMENTE IMPORTANTI."
Il tuo lavoro come sceneggiatore è portare il pubblico a fare un giro. Può essere un giro emozionante o divertente, preferibilmente entrambi. E per riuscirci ad alto livello, devi essere in grado di bilanciare la condivisione e la trattenuta delle informazioni. È così che tieni il pubblico sulle spine.
Depistaggi, depistaggi, falsi finali, colpi di scena e svolte sono i migliori strumenti che userai come narratore. Usali saggiamente. Usali spesso. Usali bene.
"NON PUOI MAI INDOVINARE O DARE PER SCONTATO COSA PENSERÀ QUALCUNO."
Non preoccuparti di prevedere quali concetti funzioneranno e quali no. È impossibile indovinare chi risponderà e chi no. E di certo non puoi aspettarti di accontentare ogni singola persona.
Scrivi semplicemente ciò che ami e ciò che conosci. Divertiti. Sorprenditi. Sfida te stesso. È probabile che molte persone là fuori condividano la tua stessa passione per il tuo genere di storie.
"COSA C'È DI PIÙ GRANDE DI UN MYSTERY BOX DI UN CINEMA? VAI AL CINEMA, SEI COSÌ ECCITATO DI VEDERE QUALSIASI COSA: IL MOMENTO IN CUI LE LUCI SI SPENGONO È SPESSO LA PARTE MIGLIORE."
Il cinema è magia. Non dimenticarlo mai. Non dimenticare mai il bambino che eri, seduto al buio del cinema in attesa che un racconto cinematografico apparisse davanti ai tuoi occhi. Questa è la magia che vuoi catturare nella tua scrittura. Quando inizi a concettualizzare i concetti che scriverai, immagina te stesso nel momento in cui le luci si spengono nel cinema... quando tutto è possibile.
Quindi scrivi tenendolo a mente.
"CIÒ CON CUI STO ANCORA LOTTANDO E IMPARANDO A FARE È GUARDARE E PENSARE IN MODO CINEMATOGRAFICO."
Non stai scrivendo un romanzo. Non dovresti concentrarti su quel tipo di narrazione. Ogni parola che scrivi in una sceneggiatura deve essere cinematografica. Ogni descrizione, ogni azione e ogni sequenza devono essere concettualizzate attraverso la telecamera e ciò che può catturare.
Non dircelo, mostracelo.
"QUANDO ERO UN BAMBINO, E LO SONO ANCORA, ADORAVO I TRUCCHI DI MAGIA. QUANDO HO VISTO COME VENIVANO REALIZZATI I FILM, O ALMENO NE HO AVUTO UN ASSAGGIO QUANDO SONO ANDATO IN TOUR CON MIO NONNO AGLI UNIVERSAL STUDIOS, RICORDO DI AVER PENSATO CHE QUESTO FOSSE UN ALTRO MODO CON CUI POTEVO FARE MAGIA."
Ancora una volta, il cinema è magia. Sceneggiatori e registi sono maghi. Creiamo mondi e personaggi dal nulla. Usiamo la prestidigitazione per sviare, attirando l'attenzione del pubblico su una cosa mentre prepariamo qualcosa di ancora migliore da seguire.
Ogni grande trucco di magia ha depistaggi, depistaggi, falsi finali, colpi di scena e svolte. Così come ogni grande sceneggiatura.
"QUANDO SI VA IN PUBBLICITÀ, SI VUOLE QUALCOSA CHE RICHIAMI GLI SPETTATORI E, SE NON SI ORGANIZZA UN EVENTO DECENTE, PROBABILMENTE IL PUBBLICO NON SARÀ NUMEROSO QUANTO SI VORREBBE QUANDO LO SPETTACOLO TORNERÀ."
Quando scrivi il tuo episodio pilota, assicurati che ogni interruzione di atto lasci il pubblico desideroso di saperne di più. Concludi con un colpo di scena, una domanda posta, una rivelazione emotiva o qualsiasi cosa tu possa evocare per far voltare pagina al lettore e far sì che il pubblico resti sintonizzato con il fiato sospeso.
"IL LANCIO È SEMPRE UNA COSA STRANA E DIFFICILE."
Non è mai facile, nemmeno quando arrivi in cima al totem pole di Hollywood. Ma è un male necessario perché devi trasmettere la tua visione a coloro che possono darle vita.
Concentratevi solo sull'uso della vostra passione per la storia per guidare il pitch. Lanciate i vostri progetti come se vi trovaste sopra un gruppo di bambini riuniti attorno a un falò.
"PER ME, LA MAGIA CHE FUNZIONA È QUELLA CHE SI PERCEPISCE COME TOTALMENTE CONCRETA, REALE E TANGIBILE."
Se le tue sceneggiature hanno a che fare con elementi fantasy e fantascientifici, ancorale alla realtà con cui il pubblico ha familiarità. È così che catturi il loro stupore.
Mostrare un unicorno in un mondo lontano di centinaia di creature ed esseri fantastici è una cosa. Far scoprire a un bambino un unicorno nel suo cortile in mezzo all'erba non tagliata, all'altalena arrugginita e ai genitori increduli che lo chiamano da dentro è un'esperienza molto più catartica per il pubblico.
"PER ME, IL PERSONAGGIO PRINCIPALE INTERESSANTE NON È MAI QUELLO SENZA DIFETTI."
Dai dei difetti ai tuoi eroi. Perché? Perché ogni singolo membro del pubblico ne ha e può identificarsi di più con qualsiasi personaggio principale che ne abbia. L'empatia è qualcosa che il pubblico deve provare per i tuoi personaggi.
"MI È SEMPRE PIACIUTO LAVORARE SU STORIE CHE UNISCONO PERSONE CON CUI È POSSIBILE IDENTIFICARSI A QUALCOSA DI FOLLE."
Cosa è più coinvolgente: guardare alcuni personaggi alle prese con le difficoltà della vita quotidiana o vedere personaggi con cui ti identifichi alle prese con qualcosa di insolito?
"LA GENTE NON SA MAI COSA VUOLE, ANCHE SE TUTTI DICONO DI SAPERLO. SE LO SAPESSERO, NESSUNO NE SAREBBE MAI SORPRESO."
Non fraintendete, Hollywood non sa cosa vuole. Pensa di saperlo. In realtà, cerca di credere di saperlo. Ma non è così.
Il tuo compito come sceneggiatore è dare loro ciò che non sapevano di cercare.
"TUTTO QUELLO CHE SO È CHE HO FATTO QUALCHE GROSSO PASTICCIO, E HO FATTO DELLE COSE CHE SONO ANDATE BENE. CONTINUO A CERCARE DI IMPARARE DAGLI ERRORI CHE HO FATTO."
Devi fallire prima di poter prevalere. E anche dopo aver prevalso, devi fallire di nuovo per crescere come scrittore.
"CI SONO SEMPRE UN SACCO DI IDEE CHE GIRANO E FACCIO DEL MIO MEGLIO PER CERCARE DI NON FARLE. LE IDEE NON SE NE VANNO E, COL TEMPO, ALLA FINE SONO TIPO, 'OK, È IN GIRO DA COSÌ TANTO TEMPO, DEVO TIRAR FUORI QUESTA COSA', E IN QUALCHE MODO FINISCE PER ARRIVARE A UNA QUALCHE VERSIONE DI REALIZZAZIONE."
Lascia che le idee, i semi e i personaggi che ti fluttuano in testa indugino. Non scriverli. Non registrarli. Non svilupparli. Lasciali indugiare.
Quelli che non sei veramente pronto, disposto, capace o desideroso di scrivere spariranno. Quelli che restano non se ne andranno mai finché non li avrai messi sulla pagina e non scoprirai ancora di più su di loro.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
