Uno degli aspetti più gratificanti della scrittura di una sceneggiatura è lo sviluppo di un protagonista riconoscibile, dinamico e multidimensionale. Creare un personaggio principale avvincente ed emotivamente presente rende la tua storia infinitamente più coinvolgente per il pubblico ed è spesso l'elemento chiave che rende la tua sceneggiatura molto ben accetta da agenti, registi e soprattutto da produttori cinematografici. Può anche farti sentire come se avessi guadagnato un nuovo amico o un nuovo modello cinematografico.
Non sorprende che lo sviluppo di un protagonista forte sia anche una delle parti più impegnative e stressanti della sceneggiatura. Una delle note più comuni che io do agli scrittori quando valuto le loro sceneggiature è che il loro personaggio necessita di ulteriore sviluppo.
Avere un forte vantaggio è l'ultimo asso nella manica; senza dubbio, il pubblico si attaccherà a un protagonista dinamico e lo seguirà attraverso punti scadenti della trama o anche alcune scene che non colpiscono del tutto. Ma senza quel ruolo da killer, nemmeno la premessa e la trama più intelligenti e creative riusciranno a mantenere il pubblico totalmente coinvolto nella tua storia.
A tal fine, ecco alcune specifiche "cose da fare e da non fare" da tenere a mente quando si intraprende la sfida unica di sviluppare i propri protagonisti.
DA FARE: CERCHIAMO DI CONOSCERE IL TUO PERSONAGGIO PRIMA CHE LA STORIA ABBIA INIZIO.
In una caratteristica tipica, l'incidente scatenante o il catalizzatore... l'evento che mette in moto la storia... di solito avviene da qualche parte intorno a pagina dieci o, sul lato lungo, più vicino a pagina venti. Più e più volte ci viene detto di portare là fuori quell'incidente incitante, di sconvolgere il mondo ordinario del nostro protagonista e chiamarlo all'avventura. Sentiamo la pressione di dare il via al conflitto principale e alla trama prima di perdere il pubblico facendolo aspettare troppo a lungo per quella gratificazione e quello slancio.
Spesso, però, gli scrittori commettono l’errore altrettanto costoso di introdurre il catalizzatore troppo presto o di non concedere al protagonista abbastanza tempo sullo schermo prima che la storia abbia inizio. Ciò tende a comportare una disconnessione immediata dal personaggio perché al pubblico non viene data abbastanza finestra per conoscere il personaggio nel suo mondo ordinario prima che sorga il conflitto.
Stabilire un chiaro senso dello status quo del protagonista consente al lettore di capire cosa vuole questo personaggio dalla vita, come vede il mondo e come si comporta prima di affrontare gli ostacoli che la tua storia gli pone. Avere queste basi chiare garantisce quasi che il tuo pubblico si identificherà e si connetterà con il tuo protagonista fin dall'inizio. Questa è la migliore posizione possibile in cui può trovarsi la tua sceneggiatura quando esce allo scoperto.
DA NON FARE: DARE AL TUO PERSONAGGIO COSÌ TANTI DIFETTI DA RENDERLO ANTIPATICO.
Nessuno vuole guardare un film su un personaggio che ha già la sua vita straordinariamente perfetta; parliamo di una noia mortale (snoozefest). Ma l’altro estremo è altrettanto inguardabile. È quasi impossibile fare il tifo per un personaggio che è così tragicamente imperfetto da essere un totale stronzo. Eppure ho letto molte sceneggiature in cui il protagonista si aliena immediatamente il pubblico essendo scortese, narcisista, immaturo, intollerante e intollerabile.
Sebbene rendere un personaggio imperfetto gli dia ampio spazio per crescere e evolversi, i personaggi troppo antipatici e irredimibili rendono impossibile per il pubblico sviluppare qualsiasi connessione emotiva con loro fin dall'inizio. Trova una sana via di mezzo in cui il tuo personaggio sia in qualche modo imperfetto ma comunque comprensivo e riconoscibile, in modo da non cercare di convincere il tuo pubblico a tifare per un gigantesco idiota.
DA FARE: FACCI SAPERE COME SI SENTE IL TUO PERSONAGGIO RIGUARDO ALLA SUA SITUAZIONE.
Immagina che un tuo caro amico ti stia raccontando una storia carica di emozioni. Forse gli eventi della storia fanno arrabbiare particolarmente il tuo amico. Od è frustrato. O emozionato. O umiliato. Qualunque sia l'emozione che sta provando il tuo amico, tenderai a rispecchiare quei sentimenti perché tieni al suo amico, anche se la storia non ti coinvolge direttamente. Questo fenomeno si chiama empatia!
Gli scrittori dovrebbero mirare a raggiungere esattamente la stessa connessione emotiva tra i loro personaggi e il loro pubblico. Se lo spettatore non sa cosa prova il protagonista riguardo alla situazione che sta affrontando, è molto più difficile per noi pubblico coinvolgerci emotivamente nella sua lotta. Il trucco sta nel comunicare quei sentimenti senza ricorrere al dialogo diretto. Stabilisci le emozioni che accompagnano ogni passo del viaggio del tuo protagonista in modo che il pubblico possa afferrarle.
DA NON FARE: RENDERE TUTTO FACILE PER IL TUO PERSONAGGIO.
“Sii un sadico. Non importa quanto dolci e innocenti siano i tuoi personaggi principali, fai in modo che accadano loro cose orribili, in modo che il lettore possa vedere di cosa sono fatti.
Quella citazione dell'autore Kurt Vonnegut suggerisce che guardare come il tuo personaggio reagisce a situazioni difficili consentirà allo spettatore di capire e apprezzare chi è e per cosa sta combattendo. Lanciare sfide e ostacoli al tuo personaggio crea anche tensione, che fa parte del modo in cui il pubblico mantiene l'interesse per la storia.
Se il tuo protagonista supera gli ostacoli troppo facilmente, la tensione si allenta rapidamente e il pubblico perde interesse. Non aver paura di lanciare situazioni al tuo personaggio che sembrano quasi impossibili da superare. Dove c'è una volontà c'è un modo, e mostrare come il tuo personaggio gestisce le avversità è una parte importante di ciò che rende il tuo personaggio unico. E di ciò che fa innamorare il tuo pubblico di lui.
Articolo di Caitlin Durante per screencraft.org
