C'è molto da dire in una sceneggiatura, sicuramente molto più di quanto un principiante possa considerare. Hai tutte le cose che servono per costruire la tua storia e che tipo di storia potrebbe essere: storia d'amore, thriller, commedia d'azione, melodramma di soap opera, ecc. Hai dei personaggi a cui pensare, specialmente quello che conduce la tua storia, e quelli che lo sostengono o gli vanno contro. Poi ci sono elementi come struttura, tono, ritmo e stile. Tutti questi elementi sono significativi nel dare forma alla sceneggiatura e direi che dovrebbero essere tutti ben pensati come parte del processo di definizione.
Una volta decisi questi elementi, sono pronti per essere tradotti nel linguaggio della sceneggiatura. È qui che entrano in gioco l'azione, il dialogo e la descrizione. Fino a questo punto dovresti sapere cosa vuoi dire e come dirlo meglio in modo che sia più riconoscibile e coinvolgente. La sfida, tuttavia, sta nel rispettare il tuo piano mentre scrivi formalmente la sceneggiatura, una parola alla volta.
La descrizione viene utilizzata per trasmettere tutti i dettagli fisici necessari sulle tue ambientazioni e sui tuoi personaggi, molti dei quali si adattano al tuo tono e al tuo stile.
L'azione trasmette il comportamento dei tuoi personaggi, in particolare in contrasto con ciò che dicono. L'azione può comunicare il conflitto interiore di un personaggio o far luce su una relazione che ha con un altro personaggio, ambientazione o oggetto.
Il dialogo è il mezzo forzato con cui i tuoi personaggi tentano di comunicare. A volte il dialogo riesce a tradurre l'emozione, l'intuizione o il pensiero; ma molte volte si intromette o viene utilizzato in modo criptico.
Questi elementi combinati, esaminati e rielaborati getteranno le basi per i tuoi mezzi di comunicazione, qualunque sia quel messaggio. Se la tua sceneggiatura è arrivata abbastanza avanti da essere prodotta, allora hai fatto un lavoro abbastanza decente nel trasmettere le tue intenzioni. Ma anche se sei arrivato fin qui, non dare per scontato che il tuo materiale sia irritante .
Renditi invece conto che ora hai a tua disposizione uno dei più grandi strumenti che uno sceneggiatore possa avere: qualcuno che personifichi la tua creazione. Un attore può significare tutto per il mondo piatto che hai disegnato su un pad virtuale: la differenza tra un'idea e un risultato. La differenza tra vivere in una fantasia e creare la propria realtà.
Un attore coinvolto sognerà il mondo che hai creato per il suo personaggio. Il loro unico scopo sarà diventare il tuo personaggio. Il potere di un attore coinvolto eliminerà ogni atteggiamento superfluo e aprirà la strada a una linea di comunicazione aperta tra le tue intenzioni e la loro comprensione. Bene, in tutta onestà, questo sarà il modo in cui un attore adeguatamente investito. Se hai qualche influenza sul casting, assicurati di incontrare i migliori contendenti e di trascorrere un po' di tempo con loro.
La lezione da apprendere è ascoltare i propri attori. Apriti alle loro interpretazioni delle tue parole. Il loro miglior interesse sarà essenzialmente il tuo: interpretare i loro personaggi al meglio delle loro capacità , trovando così i loro ruoli all'interno della storia. In questa fase del gioco, gli attori sono la migliore risorsa di uno scrittore .
Ho sempre ammirato Neil Simon per il suo lavoro costantemente comico in teatro. Ha scritto fino a trenta opere teatrali e molte di esse hanno avuto successo commerciale. Molti di loro hanno avuto così tanto successo da essere adattati in film, il più delle volte dalla sua stessa penna. Ha vinto Emmy, Tony, WGA Awards, Critics Circle Awards, A Golden Globe, Mark Twain Prize e Pulitzer Prize for Drama. Ma ciò che mi ha colpito nel corso degli anni, oltre al lavoro in sé, è stato qualcosa che ho letto dalla sua autobiografia, Neil Simon Rewrites: A Memoir. In esso descrive una parte della sua etica del lavoro sotto forma di una routine che fa con ogni sua nuova opera che viene prodotta: guarda gli attori provare. Perché, anche dopo anni di successo, anche molto tempo dopo che le sue prime bozze sono state completate, e anche dopo che sono state opzionate o acquistate? Beh, è perché riscriveva i suoi dialoghi proprio lì, sul momento. Si sedeva, guardava e ascoltava. Se una battuta non funzionava, ne prendeva nota. Se un attore improvvisasse una battuta migliore della sua, ne prenderebbe nota. Se il regista gli avesse chiesto qualcosa, se ne sarebbe annotato.
Per me, questa dimostrazione di pazienza e disciplina mostra due cose: che teneva profondamente al suo lavoro, abbastanza da perfezionarlo continuamente; e che ha lasciato il suo lavoro aperto a un esame accurato collaborativo. Simon non aveva certamente paura degli attori o del loro processo: li ha abbracciati completamente entrambi.
Allo stesso modo, sul set lascio spazio alle opinioni degli attori. Posso lavorare su una sceneggiatura per diversi mesi, rivedendo e alterando le più piccole sfumature del comportamento e del discorso di un personaggio, ma una volta che i miei attori mostrano interesse e impegno per il lavoro, rilascio loro le mie parole. Il modo più comune per me di farlo è invitarli a far proprio il dialogo. Sono anche un attore quindi capisco che ci siano diversi modi di approcciarsi al lavoro. Uno è studiare il discorso, il vocabolario e i ritmi del parlato di un personaggio ed estrapolare le scelte del personaggio basate su questi segnali verbali e intellettuali. Ma questo è solo un metodo. Cosa succede quando un attore è costretto a adottare un metodo del genere sentendosi dire che il suo dialogo non è regolabile?
La mia paura è che questo tipo di tattica possa interrompere il flusso di due processi separati: il processo dell'attore nel dare vita al personaggio e il processo collaborativo che lavora per completare un progetto al meglio delle capacità di una squadra, qualunque siano le loro circostanze specifiche. Il rapporto tra scrittore e regista e tra regista e attore dovrebbe provenire da un luogo di fiducia. Per guadagnarselo, di solito bisogna essere aperti e flessibili verso altre prospettive.
L’altro pericolo è credere di avere ragione al 100%. Che tu, senza dubbio, conosci il modo migliore di procedere, quando si tratta di raccontare la tua storia, o trasmettere informazioni rilevanti sulla trama, o condividere le sfumature necessarie del personaggio. Naturalmente, come scrittore o regista o entrambi, potresti avere un controllo saldo su tutte queste comprensioni, ma affermare di conoscere assolutamente e conoscere in modo coerente tutte le risposte a tutto in questo mondo che stai creando non è realistico. Sicuramente ti stai preparando per una caduta ad un certo punto.
Il miglior esempio che ho di attori che hanno migliorato la mia sceneggiatura è andato ben oltre il cambiamento del mio dialogo. È successo sul set del mio ultimo lungometraggio, Alienated, che parla di un ragazzo che assiste a un UFO ma non sa come dirlo a sua moglie. Sarà spaventata? Gli crederà anche lei? Il dramma di fantascienza prosegue esplorando le dinamiche del loro matrimonio mentre la fine del mondo, come lo conosciamo, si avvicina. Ho avuto la grande fortuna di scrivere e dirigere questo film per la mia compagnia One Way or Another Productions.
Durante i 6 giorni di riprese in un'unica casa abbiamo avuto problemi a tenere il passo con la continuità e a portare avanti le nostre giornate. L'ultimo giorno eravamo davvero nei guai. Avevamo un gran numero di pagine da girare con alcune configurazioni leggermente complicate. Abbiamo anche dovuto trovare un modo per rielaborare una transizione a causa dei cambiamenti apportati all'ultima scena che abbiamo girato (abbiamo girato per lo più in sequenza).
Ho reclutato i miei attori per aiutarmi a risolvere il problema. Ci siamo riuniti in una stanza sul retro come un piccolo comitato e ci siamo messi al lavoro, discutendo le pagine in questione, i problemi in questione e le opzioni disponibili. Abbiamo interrotto la produzione per quasi un'ora in modo che i miei protagonisti, George Katt e Jen Burry, e io potessimo trovare la soluzione migliore, e sorprendentemente ha funzionato. Siamo usciti con un piano. Non solo abbiamo trovato il materiale giusto da tagliare, perdendo quasi 10 pagine, ma abbiamo trovato un modo per mantenere l'integrità delle pagine perse e collegarle alla scena precedente che avevamo modificato, nascondendo il nostro errore di continuità. Il nostro produttore, il mio partner Princeton Holt, era particolarmente felice, perché questi cambiamenti alla sceneggiatura ci hanno permesso di trascorrere la giornata di riprese con tempo a disposizione.
Non so se ho imparato una lezione o se ho confermato una lezione quel giorno, ma in ogni caso rimango enormemente in debito con George e Jen per essere stati veramente coinvolti nel nostro progetto. Il loro impegno nel lavoro è ciò che ci ha salvato.
Articolo da screencraft.org
