Il regista John Hess e FilmmakerIQ hanno prodotto un esperimento video su Youtube che ha dimostrato l'importanza di come una scena viene girata e di come varie scelte possano cambiare qualsiasi scena.
Cioè, hanno preso una sceneggiatura standard da detective della polizia e l'hanno girata in cinque modi con cinque diversi tipi di blocchi per dimostrare come la direzione e la recitazione possano davvero cambiare l'atmosfera di una scena. L'esperimento ha preso la stessa identica sceneggiatura e ha girato la scena utilizzando il classico spallaccio avanti e indietro, il spallaccio avanzato con gli affari, una ripresa One-Take, il blocco della commedia romantica e un approccio comico in stile Fratelli Zucker.
Le differenze tra le scene bloccate in modo diverso, utilizzando la stessa identica sceneggiatura, erano sconcertanti. Tra una versione e l'altra, Hess dettaglia gli aspetti tecnici dell'attrezzatura utilizzata e delle decisioni di regia prese, tutti momenti imperdibili per tutti i registi.
Ma ciò che è interessante è come questi trucchi del mestiere, molto tecnici, registi e cinematografici possano essere applicati alla sceneggiatura e come gli sceneggiatori possano utilizzarli per gestire diversi approcci alle scene che scrivono.
Ora, la maggior parte degli sceneggiatori sa che le direzioni della telecamera all'interno di una sceneggiatura dovrebbero essere ridotte al minimo. In realtà, non dovrebbero essere offerte affatto, a meno che tali indicazioni di ripresa non siano vitali per la storia. Gli scrittori scrivono. I direttori dirigono. Ognuno di loro dovrebbe conoscere e rispettare questi limiti, a meno che, ovviamente, tu non sia il prossimo autore come Quentin Tarantino o Paul Thomas Anderson.
Eppure gli scrittori hanno ancora il compito di bloccare le scene, solo in un modo diverso.
"BUSINESS" E OBIETTIVI SECONDARI
Forse la differenza più evidente tra tutte le scene è arrivata quando Hess ha utilizzato il metodo standard sopra la spalla rispetto a quello avanzato con il business.
Allora che diavolo sono gli affari?
Hess spiega che il business si riferisce a un obiettivo o compito che l'attore deve svolgere durante una scena. Cosa dovrebbero fare i personaggi di una sceneggiatura quando non recitano alcun dialogo?
In ogni scena, i personaggi devono avere un obiettivo. Hanno bisogno di volere qualcosa, altrimenti non ha molto senso che siano sulla scena. Nel contesto di questa scena, il detective deve fornire alcune brutte notizie. Il sergente deve utilizzare queste informazioni e elaborare un piano. Per ogni scena che scrivi nelle tue sceneggiature, questi sono gli ingredienti necessari. Tuttavia, le scene possono essere migliorate dando ai personaggi alcuni affari da svolgere durante gli scambi di dialogo. Questi sono spesso chiamati obiettivi secondari.
La versione avanzata da spalla con business offre ai personaggi gli obiettivi secondari di giocare con una matita per alleviare i nervi legati alla consegna di cattive notizie (Detective) e alla ricerca di una busta mancante (Sergente). Questi non sono affatto grandi obiettivi, ma sono azioni semplici che si aggiungono alla scena.
Come sceneggiatore, non è tuo compito dettare ogni movimento, ticchettio e gesto del personaggio. È necessario lasciare un po' di spazio affinché gli attori possano fare le loro cose. Tuttavia, una semplice descrizione della scena che comprenda obiettivi secondari – gli affari – può fare la differenza nell’atmosfera e nel tono della scena. Può anche aggiungere una certa profondità ai personaggi.
Il detective gioca nervosamente con una matita mentre comunica la cattiva notizia.
Il sergente continua a cercare la busta mancante.
Piuttosto che avere solo due personaggi che recitano dialoghi – la sindrome della testa parlante – dare loro qualche business aggiuntivo di cui occuparsi aggiunge altro al mix.
In quella scena, la cosa interessante è che mentre il sergente cerca la busta, notiamo che le sue azioni corrispondono al suo dialogo. All'inizio, la frustrazione di non riuscire a trovare ciò che sta cercando e la frustrazione di non ricevere informazioni dal sospettato corrispondono. È un'immagine che collega davvero l'azione al dialogo in quella che altrimenti sarebbe una normale scena con una testa parlante. Questo elemento viene amplificato e si conclude quando all'improvviso arriva una rivelazione sul caso, proprio mentre riesce finalmente a trovare la busta. Dal punto di vista della sceneggiatura, si tratta di una scrittura stratificata che prende quella che normalmente sarebbe una noiosa scena espositiva e vi aggiunge un po' di stile. Qualche bagliore visivo. Hess si riferisce saggiamente a questi momenti come metafore visive. Se stai cercando di aggiungere un po' di profondità alle tue sceneggiature, non cercare oltre aggiungendo alcuni obiettivi aziendali e secondari a ciascuna delle tue scene.
MOVIMENTO E POSIZIONE, POSIZIONE, POSIZIONE
Hess passa a un'altra versione della scena con il One-Take Shot (registrazione, dall’avvio della macchina al suo stop). Ora, nella sua analisi, si concentra maggiormente sugli aspetti tecnici e registici, tuttavia, lo inseriremo nel contesto della sceneggiatura.
La ripresa One-Take porta la scena fuori dall'ufficio del sergente e nella parte principale dell'edificio. Il dialogo viene trasmesso attraverso il movimento mentre i personaggi si muovono sul set. Portare i personaggi fuori dall'ufficio crea un ulteriore elemento di azione. Migliora anche la cinetica del dialogo, facendo risaltare un po' di più ogni singola riga del dialogo.
Quando confronti quella scena con la versione standard da spalla - che possiamo equiparare alle scene standard statiche e noiose con teste parlanti che i lettori di sceneggiature leggono ogni giorno da sceneggiatori alle prime armi - noterai una drastica differenza nella sensazione della scena. .
Gli sceneggiatori devono abbracciare il movimento. In ogni grande film, noterai spesso che le scene dell'esposizione vengono girate in esterni o attraverso movimenti creativi.
Di seguito è riportato un esempio di una scena di The Firm che mostra un momento in una sceneggiatura che potrebbe altrimenti essere ambientata in un ufficio, in un'auto o in un luogo statico simile.
La scena si apre su una pista da corsa di cani con movimento istantaneo. Tom Cruise e Ed Harris, anche se non camminano apertamente, mostrano il movimento in tutta la scena, in sintonia con lo sfondo della folla e delle gare. Il movimento e la posizione possono fare un'enorme differenza nelle scene che scriviamo, soprattutto quando abbiamo il compito di fornire un'esposizione o comunque momenti di conversazione.
INTIMITÀ E DIROTTAMENTI
Hess sposta l'attenzione dagli aspetti tecnici alla performance e all'atmosfera. Gli sceneggiatori non hanno alcun controllo sull'eventuale interpretazione di un attore, tuttavia, il personaggio inizia con la scrittura: azioni, reazioni, ecc.
Dirige due versioni aggiuntive della scena. Uno di questi è la versione della commedia romantica. Qui, tornata entro i confini del suo ufficio, la sergente mostra chiaramente alcune azioni giocose e intime con le mani mentre tocca e talvolta accarezza il detective. Chiude anche la porta e abbassa le persiane, dimostrando che vuole che il momento sia privato, quasi romantico. Nonostante abbia gli stessi dialoghi, la scena è meno Law & Order e più Pretty Woman.
L'obiettivo principale del sergente è passato dall'ideare un piano al coinvolgere romanticamente il detective. Questo è un enorme cambiamento tonale. L'obiettivo principale del detective è passato dal fornire cattive notizie all'uscita dalla situazione.
Sebbene le performance di recitazione giochino un ruolo importante in questo, gli sceneggiatori possono emulare il cambiamento tonale con la descrizione della scena.
Il sergente è vicino, forse troppo vicino per il conforto del detective.
Gli tocca scherzosamente il petto e il naso mentre lui cerca di indietreggiare.
Hess dirige quindi una versione più comica della scena, a cui si riferiscono nella descrizione di Youtube come all'approccio comico in stile dei fratelli Zucker. Come molti appassionati di commedie sanno, i fratelli Zucker sono famosi per i vari dirottamenti presenti nelle loro scene.
Sebbene questa versione utilizzi gli aspetti più tecnici della musica e del movimento della telecamera su cui gli sceneggiatori non hanno alcun controllo, sono in realtà i dirottamenti che risaltano a favore di ciò che gli sceneggiatori possono utilizzare.
Mentre viene trasmesso lo stesso dialogo, siamo ora dentro (detective) e fuori (sergente) da una cella di detenzione. I dirottamenti che vediamo - ancora una volta, mentre viene trasmesso lo stesso identico dialogo - vanno dal detective che fa pipì nel bagno della cella di detenzione mentre i prigionieri guardano con disgusto ai prigionieri che fuggono astutamente dalla cella aperta di sinistra mentre il detective esce per parlare con il sergente. È un utilizzo brillante di dirottamenti visivi che cambia l'intera scena lontano da qualsiasi versione che avevamo visto prima.
Nel complesso, questo video di John Hess e Filmmaker IQ non solo insegna a registi, direttori della fotografia e operatori di macchina da presa le diverse opzioni che possono utilizzare, ma mostra anche ciò che gli sceneggiatori possono imparare dal blocco delle scene.
Alla fine, è tutta una questione di storia e di cosa rappresenta al meglio ciò che lo sceneggiatore o il regista stanno cercando di comunicare. Piccoli cambiamenti possono reinventare completamente qualsiasi scena. Questo vale sia per il regista che per lo sceneggiatore.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
