Quali sono le differenze tra le regole della sceneggiatura, le linee guida del settore e le aspettative del Cinema quando si tratta delle tue sceneggiature?
È importante conoscere la differenza tra questi tre tipi di consigli sulla sceneggiatura, in modo che tu, lo sceneggiatore, possa orientarti nel labirinto del Cinema con la migliore bussola possibile.
Qui offriamo una semplice analisi delle regole, delle linee guida e delle aspettative per quanto riguarda la sceneggiatura e le sceneggiature che cerchi di usare come biglietto da visita per realizzare i tuoi sogni di sceneggiatore.
Regole di sceneggiatura
Per definizione, una regola è una parte di un insieme di regolamenti o principi espliciti o impliciti che disciplinano la condotta all'interno di una particolare attività o sfera.
Le regole sono scolpite nella pietra e, anche se possono essere infrante, di solito non dovrebbero mai essere infrante.
Quando si tratta di regole di sceneggiatura, dobbiamo guardare direttamente a elementi oggettivi come il formato. C'è una ragione per il formato universale che conosciamo e "amiamo" oggi. Si è evoluto dalle rappresentazioni teatrali, dai primi giorni del cinema quando le sceneggiature erano chiamate scenari, e nel 21° secolo quando il cinema è cambiato a causa della tecnologia e della crescita dell'industria.
La regola più elementare della sceneggiatura è il formato della sceneggiatura.
Il formato Master Scene ha sei elementi principali:
- Titolo della scena
- Azione
- Nome del personaggio
- Tra parentesi
- Dialogo
- Transizioni
Questi elementi rappresentano le regole essenziali della sceneggiatura che ogni sceneggiatore deve seguire.
Le intestazioni di scena devono comunicare se la scena è un interno (INT.) o un esterno (EXT.). Dopodiché, deve essere selezionata una posizione. Infine, l'intestazione deve indicare se la scena si svolge durante le ore di luce solare naturale (DAY) o dopo il tramonto del sole e la notte (NIGHT).
Ricorda che una sceneggiatura è un documento tecnico che centinaia di persone, a volte migliaia, hanno il compito di interpretare in base alle esigenze del proprio dipartimento. Queste informazioni essenziali di INT o EXT, LOCATION e DAY o NIGHT sono necessarie sia per visualizzare il film sia per far sì che la storia cinematografica prenda vita così come è stata scritta.
Questo formato è una regola che non può essere infranta in nessun modo. Può certamente essere piegata con l'uso di varianti di GIORNO e NOTTE (CREPUSCOLO, ALBA, MATTINO), ma solo quando necessario per comunicare un'assenza o un eccesso di luce più specifici.
Una volta scritto, sia su incarico che tramite acquisizione, lo script viene consegnato a vari reparti tecnici e creativi. Sarà suddiviso in location, riprese interne, riprese esterne, riprese notturne e riprese diurne. Tutto ciò determinerà i programmi di ripresa, i programmi di costruzione, le esigenze di produzione e i budget.
Altrettanto importante è il formato che si estende alla descrizione della scena (azione), ai nomi dei personaggi, alle parentesi, ai dialoghi e alle transizioni. Tutti questi elementi devono essere formattati in modo semplice per comunicare gli aspetti visivi e audio della sceneggiatura in modo che il lettore della sceneggiatura, il produttore, il regista, il cast e la troupe possano visualizzare la sceneggiatura come un'esperienza cinematografica. Se non ci fosse un formato universale, quella visualizzazione della sceneggiatura sarebbe molto più difficile da comprendere.
Nel contesto del lettore di sceneggiature, questo formato consente alla sua mente di registrare informazioni vitali da applicare alla tela aperta della sua mente mentre visualizza la sceneggiatura.
"Ok, siamo dentro (INT.) un edificio (LUOGO). È buio, non c'è luce che entra dalle finestre (NOTTE)."
La descrizione della scena (azione) è scritta al presente per trasmettere più facilmente il concetto che questi eventi stanno accadendo proprio ora (nella mente del lettore della sceneggiatura). Il nome del personaggio ci dice chi sta pronunciando il dialogo, mentre le parentesi possono essere usate per offrire informazioni aggiuntive sull'azione o l'emozione che è collegata alle parole pronunciate. E infine, le transizioni (DISSOLVE TO, SMASH CUT TO) possono essere usate per trasmettere un senso di stile visivo all'interno della sceneggiatura.
Quindi è facile vedere che il formato è l'unica regola di sceneggiatura. Ha uno scopo fondamentale e gli sceneggiatori devono fare del loro meglio per mantenere quel formato coerente e diretto.
Linee guida
"Aspetta, siamo già alle linee guida?! E tutte le altre regole di sceneggiatura?"
Il fatto è che, indipendentemente da ciò che dice uno sceneggiatore, produttore, dirigente, regista, agente, manager o guru di successo, non ci sono regole al di là del formato. Per ogni "regola" che dettano, un sacco di sceneggiature possono essere interpretate in senso contrario.
Qui entriamo nel vivo delle linee guida del settore.
I sinonimi della parola linea guida includono raccomandazione, suggerimento e consiglio.
Se hai guardato abbastanza film, e soprattutto se hai lavorato nell'industria cinematografica per abbastanza tempo, inizi a capire che ci sono alcuni aspetti della sceneggiatura che funzionano e hanno uno scopo particolare.
I professionisti del settore leggono più sceneggiature di quante probabilmente ne leggerete mai. Le concepiscono, le sviluppano, le propongono, le vendono, le producono e distribuiscono il prodotto finale alle masse. Grazie a tutta questa esperienza, ci sono delle linee guida specifiche da seguire.
Avere un qualche tipo di struttura narrativa specifica è una linea guida piuttosto rigida che molti considerano una regola, perché senza struttura è difficile rappresentare una storia cinematografica entro i limiti di una durata di due ore (più o meno mezz'ora o più). Dove le persone commettono un errore è nel dettare quale tipo di struttura dovrebbe essere usata, di regola.
Il fatto è che ci sono molti tipi diversi di strutture tra cui gli sceneggiatori possono scegliere. Tutte evidenti in film acclamati e di successo.
Le linee guida per catturare il lettore entro le prime cinque o dieci pagine sono lì come solidi consigli di sceneggiatura pensati per aiutare a far salire la tua sceneggiatura al palo del totem. Se impieghi trenta pagine per arrivare al conflitto centrale della sceneggiatura, che è fondamentalmente il concetto fondamentale, perderai l'interesse della maggior parte di quei lettori di sceneggiature.
Quando si tratta di come viene scritta la descrizione della scena, spesso si sente la frase Less Is More. Questa è una linea guida specifica che molti addetti ai lavori del settore suggeriscono agli sceneggiatori di utilizzare per trasmettere le immagini il più rapidamente possibile, in modo che il ritmo della sceneggiatura sia veloce. Quando il ritmo è veloce, il lettore della sceneggiatura non è coinvolto nei dettagli di una lunga descrizione della scena. Invece, è coinvolto nella storia e in grado di visualizzarla rapidamente mentre il tuo film scorre nella sua mente con la stessa rapidità con cui bobine di pellicola rilasciano immagini sullo schermo di un cinema.
Ma ci sono certamente momenti in cui la descrizione della scena richiede un po' più di dettagli oltre alle spesso suggerite una o due righe per blocchi di descrizione della scena. Ecco perché la frase Less Is More è una linea guida.
Con il dialogo, la frase Less Is More si applica anche, ma per ragioni diverse. Poiché il cinema è un mezzo visivo, le storie vengono raccontate principalmente attraverso l'azione, la reazione e l'emozione fisica. Il dialogo è lì per aiutare a raccontare queste storie (viviamo in un mondo in cui si parla), ma troppo spesso gli sceneggiatori usano il dialogo come una stampella per raccontare la storia. Questo porta a un'altra frase comune nella sceneggiatura: Show, Don't Tell.
Quindi, mentre la linea guida per il dialogo è di usarne il meno possibile, ci sono ovvie eccezioni. Molti grandi film basati sui personaggi usano il dialogo come una sorta di poesia cinematografica per trasmettere emozioni e conflitti interiori. Basta guardare film eccezionali con "teste parlanti" come Before Sunrise, My Dinner with Andre e The Big Chill.
Ma questi film sono una specie di sottogenere di nicchia. La maggior parte di Hollywood vuole che gli sceneggiatori mostrino, non raccontino. Quindi è una linea guida da seguire, ma certamente non in tutti i casi.
Passando alle transizioni, molti ne deploreranno l'utilizzo nelle sceneggiature. Questo viene spesso scambiato per una regola ferrea. Tuttavia, ci sono molte eccezioni.
Agli albori del cinema, le transizioni nella sceneggiatura erano spunti per il team di montaggio per comunicare come gestire le transizioni tra le inquadrature.
CUT TO era una semplice indicazione che stabiliva il taglio letterale da una scena all'altra, di solito, ma non sempre, riferendosi anche a un cambio di location. Nelle vecchie sceneggiature, spesso troverai una transizione del genere tra ogni nuova scena. Oggi, è implicito che faremo CUT TO a una location e a una scena diverse, quindi non è necessario includere quella transizione tra ogni scena.
Le variazioni a quella transizione iniziarono ad apparire quando gli stili cinematografici iniziarono a formarsi. Transizioni artistiche ma tecniche come FADE IN, FADE OUT e DISSOLVE TO iniziarono ad apparire nelle sceneggiature. Quest'ultima fu una transizione prevalente quando film come Citizen Kane spinsero i confini dell'arte incontrando la tecnologia del film.
Nel 21° secolo, abbiamo assistito a un allontanamento dall'uso di tali transizioni tra le scene perché agli sceneggiatori viene consigliato di non dirigere la sceneggiatura: è compito del regista. Tuttavia, ci sono casi in cui uno sceneggiatore può usare le transizioni per trasmettere un punto, un momento o un'immagine specifica che è parziale per la storia e come il lettore della sceneggiatura dovrebbe visualizzarla.
E poi esaminiamo le linee guida più importanti che vanno oltre gli elementi del formato: storia, ritmo, caratterizzazione, tema, conflitto, ecc.
Non esistono regole fisse per questi elementi della sceneggiatura, indipendentemente da ciò che ti dice qualsiasi "esperto".
Alcune sceneggiature hanno meno storia di altre. Alcune sceneggiature abbracciano un ritmo lento mentre altre richiedono un'atmosfera dal ritmo veloce. Alcuni personaggi hanno archi narrativi significativi mentre altri no (Indiana Jones). Alcune storie hanno più conflitti di altre.
Le linee guida che trovi relative a questi elementi essenziali sono meno delle regole e più degli spunti di riflessione. Certi generi richiedono meno o più di questi elementi.
Una linea guida è una raccomandazione, un suggerimento o un consiglio, spesso basato sulla conoscenza e sull'esperienza di chi lo condivide.
Aspettative
L'aspettativa ha due definizioni interessanti:
- una forte convinzione che qualcosa accadrà o sarà così in futuro.
- la convinzione che qualcuno realizzerà o dovrebbe realizzare qualcosa.
Quando parliamo di aspettative, andiamo oltre le regole e le linee guida. Stiamo parlando dei desideri e delle esigenze di un individuo. Quell'individuo è generalmente la persona che sta prendendo in considerazione la tua sceneggiatura (produttore, dirigente, manager o agente) o il membro del pubblico generale seduto al cinema pronto a guardare il tuo film.
Parliamo prima degli addetti ai lavori del settore.
Quando scrivi una sceneggiatura sotto l'ombrello di un certo genere, ci sono delle aspettative. Se stai scrivendo una commedia, deve essere divertente. Se stai scrivendo un film horror, deve essere spaventoso. Se stai scrivendo un film d'azione, deve essere pieno di azione e avventura. Se stai scrivendo un dramma, deve essere pieno di eventi drammatici ed emozioni.
Quando cerchi di commercializzare la tua sceneggiatura, questa deve essere all'altezza delle aspettative della logline, che è in genere la prima cosa che gli addetti ai lavori del settore leggeranno della tua sceneggiatura. Se la tua sceneggiatura non rispecchia il concetto e il genere che hai proposto, non stai soddisfacendo le loro aspettative.
Ecco perché spesso leggerete consigli specifici sulla sceneggiatura che richiedono determinati concetti, storie ed elementi dei personaggi per determinati script di genere. E quando si tratta delle aziende che prendono in considerazione il vostro lavoro, spesso hanno una checklist che devono spuntare per considerare di rappresentare, acquisire o produrre la vostra sceneggiatura.
Le sceneggiature d'azione devono avere una grande apertura d'azione e molte altre sequenze d'azione uniche nel resto della sceneggiatura.
Le sceneggiature comiche devono avere un incipit esilarante, perché è così che oggi vengono vendute le commedie a Hollywood.
Le sceneggiature di fantascienza devono avere un mondo o un concetto intrigante per distinguersi dalle altre.
Potremmo continuare all'infinito con ogni genere e sottogenere. Il punto è che ci sono certe aspettative quando si tratta di ogni tipo di sceneggiatura, aspettative che gli addetti ai lavori del settore devono vedere avverarsi per dimostrare che la tua sceneggiatura è un investimento fattibile.
Queste aspettative le scopri facendo ricerche sulle aziende che intendi contattare. Guardi i loro titoli e scopri che tipo di film amano fare e che tipo di film evitano chiaramente. Queste sono le loro aspettative. Non mandi un pezzo drammatico alla società di produzione di Michael Bay. E non mandi un'opera spaziale a società specializzate che si concentrano sull'acquisizione o la produzione di pezzi indipendenti.
E poi abbiamo le aspettative del pubblico. Questo semplicemente ci riporta a una commedia che deve essere divertente, una sceneggiatura d'azione che deve essere piena di azione, una sceneggiatura horror che deve essere piena di spaventi, ecc.
Quando il pubblico vede il trailer del tuo film, ha delle aspettative immediate che devono essere soddisfatte non appena si spengono le luci e inizia il film.
Quindi basta con le infinite invettive sui social media, nei thread di Reddit e nelle sezioni commenti su come questa sia una regola, quella una linea guida e su quelle aspettative del settore a cui non si può sfuggire.
Il formato è la regola. Devi rispettarlo. Di tanto in tanto può certamente essere modificato, e ci sono piccole variazioni accettabili, ma la ripartizione di cui sopra è quella a cui dovresti attenerti.
Le linee guida relative alla storia, alla caratterizzazione, alla struttura, al numero di pagine, al ritmo e altro ancora sono lì per aiutarti a orientarti nel processo di narrazione della tua storia cinematografica nei modi più avvincenti, coinvolgenti, divertenti e catartici.
Le aspettative del settore, e persino del pubblico, sono spesso inevitabili e devono essere gestite con la consapevolezza che si tratta di un business per il settore e di un servizio per il pubblico. E con ciò arrivano aspettative che spesso, ma non sempre, devi soddisfare.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
