♥ Incontri ed Interviste

Kristina Reed è produttrice da oltre 20 anni di animazione ed effetti visivi per lungometraggi, cortometraggi, pubblicità e attrazioni nei parchi a tema. Negli ultimi 7 anni, ha fatto parte dello Studio Leadership Team dei Disney Animation Studios, la squadra di dirigenti e produttori che ha progettato la completa reinvenzione creativa, culturale e finanziaria della divisione.

I suoi cortometraggi, Paperman e Feast hanno vinto gli Oscar nel 2013 e nel 2015, e ha co-prodotto il premio Oscar Big Hero 6. Kristina è membro dell'Academy of Motion Picture Arts and Sciences, dell'International Animated Film Society e della comunità di Burning Man. Ha conseguito una laurea in scrittura creativa presso la Brown University e vive a Los Angeles con suo marito e due adolescenti.

Abbiamo parlato con Kristina del suo viaggio alla Disney, dell'esperienza dell'Oscar, dell'animazione e dell'anatomia di un cortometraggio.  

 ScreenCraft: Dove sono iniziate le tue radici narrative?

Kristina Reed: Ero una lettrice vorace da bambina e giocavo sempre a scrivere, sperimentando voci e modi diversi di raccontare storie. Sembrava tutto un po 'a disagio come possono essere le ragazze giovani, ma la mia passione ha preso davvero forma a metà del college quando ho avuto l'epifania che volevo specializzarmi in scrittura creativa. Dato che avevo trascorso i due anni precedenti pensando di specializzarmi in questo nuovo campo caldo chiamato computer grafica, improvvisamente ho dovuto stipare un sacco di requisiti per la mia nuova laurea. Mi sono immerso profondamente nella struttura dell'apprendimento, nella voce e nel dialogo, nella lettura e nella scrittura sotto pressione per più classi. In realtà è stato davvero gratificante in quanto il mio lavoro è migliorato notevolmente, anche se se guardi la mia trascrizione del college, sembra completamente schizofrenico.

ScreenCraft: Cosa ti ha portato alla Disney?

Kristina Reed:  Era il 2008 e avevo appena finito Kung Fu Panda alla Dreamworks Animation quando la Disney mi ha contattato. John Lasseter e Ed Catmull avevano ricevuto le redini dello studio di animazione ed erano concentrati sul laser per riaccenderlo. Era da un po' che pensavo che avrei esplorato un'altra carriera, ma l'idea di prendere uno studio creativo un tempo venerato -  lo studio che aveva aperto la strada al film d'animazione - e tentare di ripristinarlo era davvero avvincente. E poiché il capo dello studio, Andrew Millstein, sapeva che per riaccenderlo creativamente, avremmo dovuto riaccenderlo culturalmente, ho firmato.

Sono fermamente convinto che ottenere un ottimo lavoro dalle persone dipenda dal farle sentire apprezzate. Era un approccio gestionale che avevo visto e sentito in una piccola azienda di VFX chiamata Rhythm & Hues, dove ho lavorato per la prima volta 15 anni prima. Era il tipo di azienda che aveva un piano sanitario di prim'ordine perché John Hughes, uno dei fondatori, credeva che l'assistenza sanitaria fosse un diritto umano fondamentale. Quell'esperienza ha influenzato il mio stile di leadership personale nel corso degli anni e sono stato fortunato ad essere stato accoppiato con talenti che hanno prosperato sotto quello stile. Il team dirigenziale dello studio Disney ha portato a una vera rinascita del marchio Disney Animation, tutto basato sul principio che il miglior lavoro creativo proviene da persone che si sentono profondamente apprezzate e coinvolte nel futuro dello studio.

ScreenCraft: Com'è stata l'esperienza dell'Oscar dopo aver vinto per il Miglior Cortometraggio Animato?

Kristina Reed:  Assurdo in tanti modi. Prima di tutto, l'atto di realizzare quasi ogni tipo di film e in particolare un film d'animazione richiede così tante persone, con così tanti tipi di talento, è assurdo che il processo si riduca a un paio di nomi che in realtà salgono sul tutta la corsa surreale della stagione dei premi.  

Quando aprono la busta e chiamano il tuo nome, ti rendi conto che sei in quel momento da fare o morire in cui devi intensificare ed essere veramente il miglior rappresentante possibile di quell'equipaggio. Sono riuscito a navigare in una scatola di giunzione dei cavi delle dimensioni di una scatola da scarpe davanti al mio posto e ad andare sul palco e su per le scale senza inciampare nello strascico del mio vestito. Ma ho dimenticato di aggiustare il mio top senza spalline durante la passeggiata e mi sono ritrovata a fissare un vasto pubblico sotto luci incredibilmente intense, mentre il mio partner stava facendo il suo discorso di ringraziamento, chiedendomi se potevo fare un rapido strattone al corpetto e non essere notato. O forse nessuno noterebbe chi stava guardando dal vivo, ma un solo spettatore in Africa mi catturerebbe. Questi sono il tipo di ostacoli da cervello di lucertola che il mio cervello stava eliminando mentre il mio partner chiamava attentamente le persone straordinarie che avevano lavorato così duramente per portarci lì su quel palco quella notte.

Poi la serata continua a diventare più assurda perché ora hai questa cosa tra le mani, questo pesante totem d'oro che ispira istantaneamente una reazione da parte di tutti, come l'Unico Vero Anello. Ci sono eserciti di persone dietro le quinte che si congratulano con te e tu vuoi condividere un po' di questo folle oggetto con ciascuno di loro perché stanno tutti lavorando duramente per far funzionare tutto questo circo a tre piste ma tu vieni spronato a sala stampa e altri compiti. La notte è piena di momenti intimi casuali con celebrità altrimenti intoccabili, come un abbraccio di Julianne Moore perché noi 'Siamo entrambi così storditi nel guardarli mettere le nostre targhette sulle nostre statuette. E la famigerata festa di Vanity Fair in cui la leggenda è che il tuo Oscar ti farà entrare e lo fa: un mare letterale di guardie di sicurezza, SUV neri e barriere di cemento si separano come il Mar Rosso quando vedono quel talismano d'oro. Ma la vera gioia è venuta dal lasciare che altre persone afferrassero l'Oscar e posassero con esso perché vincere un Oscar è una fantasia oziosa che abbiamo avuto tutti ed è divertente vedere il bagliore che si illumina sui loro volti mentre ne sentono il peso nelle loro mani.
Veramente. Assurdo .

ScreenCraft: È difficile raccontare una storia avvincente nei cortometraggi?

Kristina Reed:  È difficile raccontare storie avvincenti, punto. Detto questo, qualsiasi cosa breve, che sia un racconto, un cortometraggio o un corto teatrale, ha l'ulteriore vincolo della lunghezza. Ogni battuta, ogni inquadratura deve svolgere un'enorme quantità di lavoro telegrafando informazioni, coinvolgendoci nella storia e facendoci entrare nella testa dei personaggi abbastanza velocemente in modo che pochi minuti dopo, quando il viaggio è finito, ci sentiamo profondamente uguali a loro. Abbiamo fatto quel viaggio con loro.  

Non c'è spazio per sciocchezze estranee in un racconto avvincente. Se tu, il creatore, ti senti profondamente legato a qualcosa che potrebbe essere considerato banale, chiediti cosa ti piace e se quella cosa è veramente necessaria per la grande forza della storia. O se c'è un modo più efficiente per ottenerlo.

Detto questo, consiglierei di concentrare il tuo cortometraggio su una storia molto semplice in termini di ritmi effettivi e di utilizzare tutti gli altri strumenti nella cassetta degli attrezzi - la composizione della telecamera, il ritmo, la scenografia, il suono - per ampliare la tua storia in un commento più ampio sul tuo mondo.

Quando guardo un cortometraggio davvero eccezionale, accade un momento incredibile in cui mi rendo conto che il creatore è stato così abile che letteralmente tutto ciò che vedo è stato selezionato per portare avanti la storia. Ogni linea, ogni angolo di ripresa, ogni oggetto di scena, nessun dettaglio è estraneo. È una sensazione deliziosa: essere nelle mani di un autore che ha il controllo completo della storia.

ScreenCraft: Esiste un particolare tipo di struttura per la sceneggiatura di un cortometraggio, al contrario di una sceneggiatura per un lungometraggio?

Kristina Reed:  In un cortometraggio, l'obiettivo principale è trovare la versione più semplice possibile della tua storia. Quindi puoi decidere come strutturare al meglio la narrazione.  

La struttura in tre atti che tutti siamo stati condizionati ad amare può funzionare magnificamente in un cortometraggio; Paperman e Feast erano entrambe storie strutturate in tre atti, e ciascuna di esse funziona così bene perché i ritmi reali della storia che attraversano sono pochi.  

Feast è una storia particolarmente semplice resa gloriosa dal modo in cui il regista Patrick Osborne ha scelto di raccontarla: attraverso gli occhi del cane, Winston. Quindi è stato in grado di aggiungere un brillante costrutto di avere ogni colpo centrato su un piatto di cibo. La telecamera è completamente bloccata fino al momento in cui il cibo smette di essere al centro dell'attenzione di Winston, quindi la telecamera inizia a muoversi, seguendo il nuovo obiettivo di Winston, e ci sono anche momenti in cui il cibo cade sul percorso di Winston abilmente, sottolineando l'arco in cui si trova come personaggio. Alla fine, il film parla di qualcosa di molto più grande della storia specifica; si tratta delle relazioni che le persone hanno con i loro animali domestici e di come i loro animali li ricambiano.

Questi sono i tipi di strumenti cinematografici che puoi usare abilmente quando la tua storia non ha bisogno di molte battute. Idealmente, i ritmi della storia sono così semplici che il film può pensare di dire qualcosa di più grande sul mondo.

Ad esempio, c'è un bel cortometraggio live-action, nominato l'anno scorso, chiamato Butter Lamp.  Si basa su un sistema puramente visivo, piuttosto che su una narrazione, per far luce su molteplici e complesse forze in conflitto nel suo mondo. Sì, c'è una sceneggiatura, ma esiste interamente al servizio dell'idea più ampia del film.

ScreenCraft: In che modo i cortometraggi animati rispetto ai cortometraggi live-action differiscono in termini di sviluppo creativo e produzione?

Kristina Reed:  Beh, immagino che i cortometraggi vengano realizzati attraverso così tante strade e approcci che non possono essere riassunti così facilmente per mezzo. In generale, l'animazione è molto laboriosa e la troupe non può creare fotogrammi così velocemente come può fare una troupe cinematografica dal vivo. Quindi quello che facciamo è tirare il montaggio all'inizio del processo, rendendolo essenzialmente parte della fase di sviluppo della storia. Usando gli storyboard per sostituire le riprese, sperimentiamo, iteriamo e modelliamo il film il più possibile. Questo ci aiuta ad affinare esattamente la forma della storia, inclusa la lunghezza delle inquadrature e dove si trova l'azione ad ogni taglio, permettendoci idealmente di essere davvero precisi su ciò di cui abbiamo bisogno dalla troupe, con poco spreco.

Una volta che abbiamo avuto il nostro taglio per Feast , abbiamo messo i fotogrammi di ogni ripresa su un'enorme bacheca e progettato un approccio generale di illuminazione e profondità di campo che abbiamo poi applicato a ogni ripresa del film. E per lo spettatore attento, c'è anche un cambio di schema di colori che rispecchia il viaggio di Winston.

Penso che questo sia il modo in cui vuoi sviluppare il tuo cortometraggio, iniziare con la versione più semplice della tua storia, decidere come la racconterai, strutturarla in modo che tu e la tua troupe chiave possiate vederla, attraversarla ogni scatto con loro e definisci in che modo le loro aree di artigianato eleveranno la storia e ne sottolineeranno il messaggio più ampio.

ScreenCraft: È interessante che le aziende stiano spendendo sempre più denaro producendo cortometraggi.

Kristina Reed:  Come consumatori di media, il tempo è la nostra risorsa più preziosa.  In definitiva, questo è ciò che mette tutte le forme di intrattenimento in competizione diretta tra loro: Facebook, ESPN, Netflix, Disney World, Wall Street Journal, Activison, ecc . Calcio, palestra, salone di bellezza, ecc. Il pubblico ha una quantità limitata di tempo disponibile e se qualcosa richiederà del tempo per essere consumato, ciò può diventare una barriera all'ingresso. Detto questo, la gente ama le storie. Quindi una storia raccontata in modo elegante e avvincente in una piccola pepita di tempo può essere deliziosa come un pasto completo. E le pepite sono più facili da condividere, che è quello che stiamo tutti facendo in questo mondo guidato dai social media.

ScreenCraft: A cosa rispondono gli elettori degli Academy Awards in un cortometraggio?

Kristina Reed:  La stessa cosa a cui tutti gli spettatori rispondono: un viaggio di qualche tipo, un arco emotivo che sembra fedele ai personaggi, una comprensione più profonda di una situazione che non era ovvia all'inizio.

The Phone Call, il cortometraggio live action che ha vinto l'anno scorso, è un ottimo esempio. Il film è la storia di una donna che lavora in un call center di assistenza telefonica e di un uomo che sta pensando al suicidio dopo la morte della moglie. Senza rovinarlo in alcun modo, lasciatemi solo dire che il film accompagna assolutamente il pubblico in un viaggio. I dettagli dei personaggi ci vengono dati in inquadrature ben scelte, incorniciate per evidenziarne la solitudine o il desiderio o il panico. L'obiettivo del personaggio femminile cambia bruscamente a un certo punto del film e la guardiamo adattarsi. Alla fine, mentre la telecamera si allontana nell'inquadratura finale, si fa strada una comprensione più profonda del viaggio. Come spettatore, ti allontani con la sensazione di essere andato da qualche parte e di aver visto qualcosa con nuova chiarezza.