1. CONOSCI I TUOI PERSONAGGI.
Hal Kanter illustra l'importanza di conoscere i propri personaggi con uno dei suoi aneddoti preferiti. La storia è tratta dal programma radiofonico Amos 'n' Andy, ma si applica anche alla sceneggiatura: “Tutti gli scrittori erano seduti nella stanza con gli attori che mettevano insieme la sceneggiatura finale. E stavamo cercando di ottenere una lenza per il Kingfish; nessuno era soddisfatto della linea che avevamo. Tutti lanciavano battute avanti e indietro, avanti e indietro. Era un folto gruppo di scrittori, tutti eccellenti, e nessuno ha inventato una battuta. Alla fine mi sono rivolto a Freeman Gosden che era il capo e interpretava anche la parte del Kingfish. Ho detto: "Se il Kingfish in persona dovesse entrare in questa stanza proprio adesso, e tu gli spiegassi qual è il problema, cosa pensi che direbbe?" E Freeman si è immediatamente calato nel personaggio e ha detto: "Bene, ragazzo" - qualunque fosse la battuta - e siamo scoppiati tutti a ridere. Quella era la linea perfetta! Anche lo stesso Freeman rimase sorpreso dal fatto che quel personaggio fosse sbucato dal nulla. Questa è stata una lezione che abbiamo imparato tutti; devi conoscere i tuoi personaggi prima di sederti e scrivere. E lo conosceva così bene che il Kingfish divenne davvero vivo.
Norman Lear consigliava ai suoi scrittori di andare ancora più in profondità: “… Per ogni personaggio che entrava, volevo che lo scrittore sapesse cosa c'era nella mente di quella persona: cosa la rendeva infelice, cosa la rendeva felice. . . se la persona ha dovuto allacciarsi i lacci delle scarpe, o ha avuto indigestione, o non ha dormito abbastanza la notte scorsa, o aveva bisogno di scoreggiare, o era arrabbiata con suo figlio o... . . . Volevo che lo scrittore sapesse cosa c'era nella mente del personaggio, non solo quello che hanno detto alla convenzione di parlare mentre entravano in una stanza, ma cosa c'era dietro.
2. SII SPECIFICO.
Distinguere i personaggi gli uni dagli altri. Il creatore di Gilligan's Island, Sherwood Schwartz, ha ritenuto che l'aumento delle dimensioni dello staff di sceneggiatori televisivi di oggi fosse un danno per i personaggi chiaramente definiti. Come ha spiegato, “Mio nipote è uno scrittore di Scrubs. Hanno 15 scrittori... E quando riunirai tutti in quella stanza, farai una battuta per dimostrare il tuo valore. Uno scherzo è la cosa più semplice da fare.
Quindi il tema dello show si espande per incorporare queste battute, e le battute non provengono necessariamente dallo stesso tipo di sensibilità - quindi i personaggi iniziano a cambiare un po' per incorporare tutte queste sensibilità... e questo si allontana dal personaggio. Ho sempre detto che se sei un bravo scrittore, dovresti essere in grado di rimuovere il nome di chi dice quale battuta nella tua sceneggiatura, e il tuo show dovrebbe essere così ben definito che chiunque possa riconoscere che quella è una battuta che solo Gilligan farebbe. dire, e non Mary Ann. Mia figlia usa il termine "televisione omogenea", dove tutti sono più o meno uguali. No, vuoi distinguere i personaggi e celebrare le loro differenze!
3. STORIA, STORIA, STORIA.
"Le storie ti fanno sempre impazzire!" dice James L. Brooks. "Se hai una bella storia, le altre persone possono renderla invariabilmente divertente."
Elliot Shoenman è d'accordo. Come story editor di Maude, che lavora a fianco degli scrittori veterani di I Love Lucy, ha imparato: "Prima riesci a realizzare la storia giusta, che si tratti di una storia semplice in una sitcom o di una storia più complicata, più facile sarà la settimana dall'inizio alla fine." dal punto di vista di trovare il buon umorismo nella sceneggiatura, perché la maggior parte del tuo tempo è dedicato a stratificarla e rifinirla invece di rifare le storie. Rifare le storie ti uccide dopo il primo o il secondo giorno. Quando ho condotto io stesso gli spettacoli in seguito, la mia priorità era di non preoccuparci troppo della commedia all'inizio; chiariamo la storia. Avremo la commedia man mano che procediamo.
…Avevamo letture su Bricolage in cui il primo atto sarebbe stato davvero divertente, e poi [nel secondo atto] ci sarebbero state pochissime risate. Mi sono sempre chiesto come abbiamo fatto a diventare così meno divertenti nel secondo atto! E in genere era perché eravamo fuori dalla storia... Quindi metti bene la storia, i personaggi e il loro sviluppo - e la commedia verrà fuori da quello.
4. DEVI AVERE CUORE: IL POTERE DEL DRAMMA NELLA COMMEDIA.
Nel tentativo di spiegare il successo dei Simpson, Mike Reiss ritiene: “La cosa fondamentale nei Simpson è che devi sempre avere un po' di cuore. Ma non troppo… Se aggiungi 25 secondi di emozione proprio alla fine – se Homer riesce a essere un idiota per tutto lo spettacolo e poi improvvisamente si rende conto di essere stato cattivo – sarà molto potente per le persone.
Phil Rosenthal ritiene che l'intensità di qualcosa di bello espresso da due persone “li basi come personaggi; li fonda come credibili. Perché non siamo solo ahah divertenti tutto il tempo.
Attualmente insegna all'Academy of Art University di San Francisco, Ken Estin afferma: "Dico ai miei studenti che se lo spettacolo ha un cuore, se ha un'anima, se ha quegli elementi umani che sono così preziosi per noi, sarà essere un episodio migliore. Ho sempre pensato di trovare un momento davvero umano, un momento davvero toccante”.
E come fanno gli scrittori a integrare il dramma o l'emozione con l'umorismo? Secondo David Isaacs, dipende "dal fatto che i personaggi e la storia abbiano o meno la capacità di affrontare problemi reali e una vera umanità". Usa Frasier come esempio: "Lo show Frasier è stato in grado di farlo perché i sentimenti tra Martin e Frasier erano così forti, ed erano così opposti in quello che erano che i loro scontri e conflitti potevano ridursi a un vero e proprio padre-figlio." atteggiamenti. Potresti davvero vivere un momento abbastanza drammatico – non per molto – ma non ti preoccuperesti di farti una risata.
5. DIVENTA REALE.
L'unico consiglio dato più spesso dagli scrittori è stato semplicemente: dire la verità.
Carl Reiner crede che la verità del materiale e degli attori sia fondamentale per il successo di qualsiasi spettacolo. Nelle sue parole, "Di tanto in tanto, ti viene un'idea fantasiosa per uno spettacolo e talvolta questo la porta avanti per un po'... ma in realtà, non c'è niente di meglio della verità."
Phil Rosenthal sottolinea lo stesso punto: "... Finché rimani nel mondo reale, in un mondo credibile e riconoscibile, allora non puoi davvero sbagliare."
Janet Leahy ritiene che la cosa più importante che ha imparato sul lavoro sia “iniziare prima con la verità e poi il divertente verrà dopo. Perché gli scrittori di commedie sono divertenti per natura”.
Suggerisce agli scrittori di fare ricerche per arrivare a ciò che è reale: "Se sei bloccato per una storia o se sei bloccato nel mezzo di una storia e non sai come uscirne, chiediti cosa accadrebbe davvero in questa situazione. Molte volte gli scrittori inventano cose, ed è per questo che si sentono un po' a disagio, perché non hanno fatto abbastanza ricerche. Anche nella commedia puoi fare ricerca. E più verità trovi, più creativa diventa la tua narrazione... esci e fai ricerche, incontra persone, leggi libri, qualunque cosa tu abbia bisogno di fare, ma la verità ti aiuta sempre.
Attingere dalla vita reale era la cosa più importante nella mente di Matt Williams durante la creazione del suo show di successo Roseanne. Un ottimo esempio è la scena della colazione di apertura dello show: Matt ha fatto di tutto per far sì che riflettesse l'esplosione di attività che la maggior parte delle famiglie ha ogni mattina.
E quando ho chiesto a Jay Kogen cosa avesse imparato dal padre, Arnie Kogen, scrittore di commedie, la sua risposta non è stata una sorpresa: "... Nel corso degli anni ho imparato da lui e da molti altri scrittori che rispetto - a dire la verità . Trova la tua verità e raccontala”.
dall'articolo di Paula Finn per screencraft.org
