♥ Film e dintorni

Chi sono i migliori registi di tutti i tempi? Questa è una domanda a cui rispondere è più difficile di quanto potresti pensare. Sono quelli il cui lavoro è venuto prima e hanno creato le basi del primo cinema? Sono quelli che hanno fatto avanzare il cinema in modo più spettacolare? O forse sono quelli il cui lavoro ogni regista e sceneggiatore di oggi dovrebbe conoscere?

Qualsiasi raccolta di questo tipo è intrinsecamente soggettiva, tradendo il senso e la sensibilità del suo autore, al punto che quasi certamente sarebbe intitolata più accuratamente "20 registi veramente grandi". Tuttavia sarebbe assurdo trascurare le conquiste di questi grandi registi. Dal cinema muto al cinema del 21° secolo, hanno prodotto la maggior parte delle opere cinematografiche di medio livello: i film che si distinguono come esempi consumati di regia. 

Eccoli, in ordine inverso. 

20. ROBERT ALTMAN

Alcuni contesterebbero il diritto di Altman di essere nella lista dei duecento migliori registi di tutti i tempi, per non parlare dei primi 20, perché non amano il suo stile unicamente individuale e genuinamente iconoclasta, i cui marchi includevano improbabili o antieroi, sovrapposti dialogo e revisionismo storico. Eppure è discutibile che alla fine del XX secolo nessun altro regista abbia prodotto una tale successione di grandi film in grado di catturare così tanto il disordine e persino la mostruosità della tarda civiltà occidentale. 

Come la stessa Hollywood, Altman ha vissuto due epoche d'oro. Il primo durò quasi un decennio, coprendo quasi tutti gli anni '70, quando produsse una trilogia di classici apparentemente tentacolari ma in realtà meticolosamente tracciati in  M*A*S*H (1970),  McCabe e Mrs. Miller  (1971) e  Nashville  (1975). Ancora una volta come Hollywood, la seconda età dell'oro di Altman all'inizio degli anni '90 fu significativamente più breve della prima, composta in realtà da  The Player  (1992) e  Short Cuts  (1993). Tuttavia, questa coppia di classici degli ultimi anni di Altman ha ricordato a tutti il ​​suo puro e irsuto genio. 

 

19. ANDREJ TARKOVSKIJ

Andrei Tarkovsky è il James Joyce del cinema: un uomo che ha diretto relativamente pochi film (solo sette lungometraggi in totale), così come Joyce ha scritto relativamente pochi libri, ma, proprio come Joyce, ogni sua opera è stata un capolavoro. 

I magnifici sette film di Tarkovsky iniziarono con  L'infanzia di Ivan  (1962), uno dei più grandi film mai realizzati sull'infanzia e sulla guerra. È continuato con  Andrei Rublev  (1966), un film biografico non sull'attuale tennista russo ma sull'omonimo pittore russo del XV secolo; e  Solaris  (1972), il miglior film di fantascienza sovietico mai realizzato.

Tuttavia, è stato con i suoi tre film successivi che Tarkovsky ha davvero suggellato la sua reputazione di uno dei veri grandi del cinema. In  Mirror  (1975),  Stalker  (1979) e  Nostalghia (1983), è quasi diventato un genere a sé stante, pionieristico e perfezionando uno stile cinematografico unico, individuale e peculiare in cui le immagini erano probabilmente sottoposte a una maggiore "elaborazione" e persino a deformazioni. come non mai dall’Era del Muto, quando c’erano solo immagini (e non anche suoni) da manipolare. 

Infine, c'è stato  The Sacrifice  (1986), un aggiornamento cinematografico della storia di Abramo in cui un uomo cerca di negoziare con Dio per prevenire l'Armageddon nucleare. Realizzato al culmine della Prima Guerra Fredda, quando lo stesso Tarkovsky stava morendo di cancro, potrebbe essere il film definitivo sulla “fine dei tempi”, e come tale rimane terribilmente attuale nel 21° secolo. 

 

18. DAVID LEAN

La stella di David Lean potrebbe aver perso il suo apice alla fine degli anni '60, quando ha concluso una trilogia di film davvero epici - Il  ponte sul fiume Kwai  (1957),  Lawrence d'Arabia  (1962) e  Il dottor Zivago  (1965) - con  Ryan's Daughter  (1970), che fu così accanito dalla critica che Lean non fece un altro film per quasi 15 anni (A Passage To India  (1984)). Tuttavia, proprio come  La figlia di Ryan  è stata ora in gran parte riabilitata dalla critica, così Lean stesso dovrebbe essere considerato uno dei maestri registi, e non solo di film epici. 

In effetti, la carriera di Lean è stata così lunga che sembra quasi che abbia avuto due o tre carriere diverse. I film con cui si fece un nome negli anni Quaranta, compreso il suo debutto  In Which We Serve  (1942) e  Brief Encounter  (1948), furono tutt'altro che epici; erano invece storie intime ma comunque immensamente potenti della Gran Bretagna e dei britannici in guerra. E la sua coppia di film di Dickens,  Grandi speranze  (1946) e  Oliver Twist  (1948), sono senza dubbio i migliori adattamenti cinematografici di sempre dei romanzi di Dickens. 

Tuttavia, sono le epopee per le quali Lean sarà ricordata, e meritatamente. In  Bridge,  Lawrence,  Zivago e, sì, anche  La figlia di Ryan, ha raffigurato individui in difficoltà contro gli sfondi più grandi immaginabili: un ufficiale britannico solitario che si oppone ai suoi rapitori giapponesi; un eccentrico inglese alla guida della rivoluzione araba contro i padroni turchi; un medico (e un'infermiera) russa che cerca di sopravvivere alla rivoluzione russa; e una coppia irlandese non corrispondente, coinvolta sia nella prima guerra mondiale  che  nella lotta per l'indipendenza dell'Irlanda. In effetti, se dovessi scegliere un solo regista per catturare la maestosità e la turbolenza del 20° secolo, sarebbe sicuramente David Lean. 

 

17. MICHAEL POWELL

È quasi perverso scrivere le parole “Michael Powell” senza aggiungere immediatamente “Emeric Pressburger” perché il britannico e il britannico di origine ungherese sono stati senza dubbio la più grande collaborazione tra regista e sceneggiatore della storia. Ciononostante, Powell è stato di per sé un grande regista.

Powell e Pressburger impiegarono un po' di tempo per andare avanti, realizzando diversi film abbastanza poco sorprendenti prima di entrare nella loro fase imperiale a metà degli anni '40, quando produssero probabilmente la più grande serie di film sull'Inghilterra, l'inglese e l'inglese:  The Life and Death. del colonnello Blimp (1943), un classico triangolo amoroso ambientato sullo sfondo di due guerre mondiali; A Canterbury Tale (1944), che più che un aggiornamento di Chaucer fu un'esplosione di Chaucer e di tanti altri archetipi inglesi nel cinema e nella letteratura; So dove sto andando! (1945), in cui una giovane donna ambiziosa deve fare la scelta definitiva tra felicità e ricchezza; A Matter of Life and Death (1946), in cui un aviatore britannico apparentemente condannato lotta per sopravvivere in modo da poter incontrare l'operatore radiofonico americano che cerca di guidarlo a casa; Black Narcissus (1947), che sta al cinema come  Revolver  o  Pet Sounds  stanno alla musica pop, vale a dire la migliore creazione mai realizzata in studio; e  Scarpette rosse  (1948), il film di danza cinematografico (e psichedelico) per eccellenza. 

 

16. BUSTER KEATON

Sarebbe ovviamente possibile stilare un elenco dei 20 migliori registi dell'era del muto, la fase formativa del cinema che oggi viene così spesso dimenticata. Chaplin, Griffith, Murnau, Von Stroheim e molti altri meriterebbero di essere inclusi in quella lista, ma probabilmente il più grande regista muto di tutti e quello il cui lavoro risuona maggiormente con il pubblico un secolo dopo è Buster Keaton. 

I più grandi film di Keaton sono Sherlock Jr. (1924), in cui il proiezionista cinematografico di Keaton diventa un investigatore dilettante per cercare di conquistare la mano della ragazza che ama; The General (1926), in cui Keaton ruba una serie di locomotive, compreso il treno titolare, durante la guerra civile americana; e  Steamboat Bill, Jr. (1928), in cui Keaton interpreta il capitano di un pedalò a vapore che cerca di resistere all'assalto delle nuove tecnologie. 

Steamboat Bill, Jr. era praticamente l'epitaffio cinematografico di Keaton, poiché anche lui sarebbe diventato una vittima del cambiamento tecnologico quando l'arrivo del suono pose fine all'Era del silenzio di cui era stato il volto (di pietra). Tuttavia, il suo tipico stoicismo di fronte al disastro e soprattutto il suo assoluto impegno e ingegnosità come regista, come perfezionato nell'ancora notevole crollo della casa in  Steamboat Bill, Jr.  (a cui sopravvive grazie a una finestra aperta al piano di sopra), assicurano che Keaton sarà sempre un immortale cinematografico. 

 

15. HOWARD HAWKS

Howard Hawks è stato uno dei più grandi registi di Hollywood di sempre, padroneggiando molti generi diversi e suscitando le migliori interpretazioni della carriera anche da superstar come Humphrey Bogart e Cary Grant. In una carriera durata quasi cinquant'anni – quindi dall'era del muto fino all'inizio degli anni '70 e alla seconda età dell'oro di Hollywood – ha prodotto almeno una mezza dozzina di film classici che si collocano tra i film più belli che Hollywood abbia mai prodotto. 

Il primo dei classici di Hawks fu Scarface (1932) con Paul Muni, uno dei film originali di gangster. Tuttavia, dimostrò presto di essere altrettanto abile nella commedia, in particolare nella commedia demenziale che era probabilmente il genere più bello di Hollywood negli anni '30, con rapide battute sia di uomini che di donne mentre l'emancipazione delle donne occidentali dopo la prima guerra mondiale portò a un processo apparentemente senza fine. “Battaglia dei sessi”. Tra le migliori commedie stravaganti di Hawks c'erano Bringing Up Baby  (1938) e  His Girl Friday  (1940), entrambi classici assoluti del genere.

Hawks ha poi padroneggiato il noir con  To Have and Have Not  (1944) e  The Big Sleep  (1946), presentando Bogart a Bacall e generando probabilmente la chimica sullo schermo più frizzante di tutti i tempi. E per il suo atto finale, verso la fine della sua carriera, produsse uno degli ultimi grandi western in  Rio Bravo (1959), in cui John Wayne, Dean Martin e l'allora adolescente Ricky Nelson si rintanano nella cella di uno sceriffo contro un vero e proprio esercito di cattivi.

 

14. FRANCIS FORD COPPOLA

Quasi tutti i registi di questa lista hanno goduto di fasi imperiali di un tipo o dell'altro in cui quasi tutto ciò che hanno toccato si è trasformato in grandezza, ma probabilmente la fase più imperiale di tutte è stata quella vissuta da Francis Ford Coppola negli anni '70. In quel decennio, la seconda età dell'oro di Hollywood, Coppola scrisse e diresse  Il Padrino (Parti I  e  II)  (1972 e 1974),  La conversazione  (1974) e Apocalypse Now (1979), oltre a scrivere altre due grandi sceneggiature di film. che non ha diretto, Patton  (1970) e  Il grande Gatsby (1975). In breve, Coppola potrebbe confrontare i suoi anni '70 con qualsiasi altro periodo equivalente nella carriera di un grande regista ed essere sicuro di uscirne vincitore. 

Il 2022 è stato il cinquantesimo anniversario dell’uscita dell’originale Il Padrino e l’età non lo ha logorato. Rimane ancora, come disse all'epoca Stanley Kubrick (un altro grande regista in questa lista), forse il più grande film mai realizzato. Eppure, semmai,  Il Padrino II  lo ha migliorato, anche nella sua struttura radicale, per cui è servito sia come prequel che come sequel del primo film. 

 

13. CARL THEODOR DREYER

Dreyer è stato Bergman prima di Bergman, apportando una sensibilità singolarmente scandinava al cinema, contrastando l'oscurità fredda, austera, quasi artica dei soggetti trattati con spettacolari e bellissime manifestazioni di emozione simili all'aurora boreale (o aurora boreale). 

Il film più importante di Dreyer è  La Passion de Jeanne d'Arc (La passione di Giovanna d'Arco)  (1928), uno degli ultimi grandi film muti. Tuttavia, a differenza di tanti altri luminari dell'era del muto, come Buster Keaton, Dreyer riuscì con successo a passare al cinema sonoro e continuò a realizzare capolavori per quasi mezzo secolo dopo  Joan. Tra questi ci sono  Vampyr (1932), uno dei film sui vampiri più realistici e quindi più terrificanti; Ordet (The Word)  (1955), una delle più grandi esplorazioni cinematografiche sulla fede e l'infedeltà; e  Gertrud  (1964), il suo ultimo, il più lento (una ripresa dura più di 10 minuti) e forse il film più straordinariamente bello. 

 

12. MARTIN SCORSESE

Se alla fine degli anni '70 si fosse dovuto scommettere su quale dei "Movie Brats è diventato Movie Moguls" – cioè Francis Ford Coppola o Martin Scorsese – avrebbe avuto la carriera più lunga e stellare, la maggior parte dei soldi sarebbe andata su Coppola dopo i suoi spettacolari anni '70. Eppure, alla fine, non c'è stata alcuna competizione, poiché Scorsese ha costruito sui suoi superbi anni '70 (in particolare  Mean Streets  (1973) e  Taxi Driver  (1976)) per continuare a realizzare grandi film fino ai giorni nostri, mentre Coppola, dopo aver dominato il 70, finirono effettivamente per rimanervi bloccati. 

Toro scatenato (1980) ha dimostrato in modo spettacolare che, a differenza di Coppola, Scorsese avrebbe potuto prosperare in un nuovo decennio e, sempre a differenza di Coppola, ha anche dimostrato di poter padroneggiare la commedia in  Il re della commedia  (1982). Poi, alla fine del decennio, arrivò l'equivalente di Scorsese de  Il  Padrino di Coppola,  Quei bravi ragazzi  (1990), che insieme a  Il Padrino  e  I Soprano  in TV costituisce La veramente empia trinità delle grandi storie cinematografiche sui gangster. 

Forse la cosa più impressionante di tutte è che Scorsese ha dimostrato di poter prosperare non solo in un nuovo decennio ma in un intero nuovo millennio, poiché ha vissuto una fase tardiva e grandiosa in cui ha prodotto opere paragonabili ai suoi migliori film di tre o quattro anni. decenni prima. In particolare, The Aviator (2004), il suo film biografico su Howard Hughes, opportunamente bizzarro e meticoloso, e The Wolf of Wall Street (2013), hanno dimostrato che la sua è una delle carriere più grandi e durature di qualsiasi regista.

 

11. YASUJIRO OZU

Come molti altri partecipanti a questa lista, Yasujirō Ozu ha vissuto un lungo apprendistato come regista, dirigendo il suo primo film a soli 24 anni e realizzando molti altri film per un altro quarto di secolo prima di trovare finalmente il soggetto e lo stile perfetti. Tuttavia, alla fine ne è valsa la pena, poiché gli ultimi capolavori di Ozu, in particolare  Tokyo Story (1953), che è probabilmente il più grande film mai realizzato sulla famiglia, sono tra i film più inquietanti e inquietantemente belli mai realizzati. 

Tokyo Story potrebbe essere il film più semplice e davvero eccezionale mai realizzato, almeno in termini di trama, mentre un'anziana coppia giapponese fa visita ai propri figli (e alla nuora, che ora è vedova) a Tokyo. Eppure, come nei  Racconti di Canterbury di Chaucer, tutta la vita umana sembra essere qui in questo racconto di Tokyo, poiché gli inevitabili scontri tra le generazioni sono perfettamente interpretati e fotografati. 

Tokyo Story  è il capolavoro assoluto di Ozu, ma la sua reputazione non si basa solo su di esso, poiché altri suoi ultimi, grandi lavori includono Early Spring  (1956), in cui un impiegato annoiato tenta di ricominciare la sua vita in stallo avendo una relazione con un collega di lavoro, e  An Autumn Afternoon  (1962), il suo ultimo film, in cui un vecchio tenta di trovare un marito per sua figlia prima di morire. 

 

10. ORSON WELLES

Se un film fosse sufficiente per meritare l'inclusione del suo regista in questa lista, sarebbe Quarto potere  (1941), che rivoluzionò la narrazione sullo schermo con il suo approccio al biodramma complesso, obliquo e sconvolto. Tuttavia, contrariamente alla mitologia di Hollywood, non fu l'unico grande film realizzato da Welles, anche se nessuno degli altri suoi capolavori raggiunse mai il successo artistico e commerciale di  Kane. 

I magnifici Amberson  (1942), il film che Welles realizzò subito dopo  Kane  ma che notoriamente perse il controllo a favore dello studio (RKO), è frustrantemente meraviglioso: una storia d'amore intergenerazionale che avrebbe potuto essere  uguale a Kane  se Welles non avesse perso il controllo di e interesse per esso. Ma i suoi due grandi adattamenti di Shakespeare,  Otello (1950) e  Chimes at Midnight (1966), sono tra i migliori film delle opere di Shakespeare. E in  Touch of Evil  (1958), ha realizzato senza dubbio l'ultimo grande noir dell'era originale del noir. 

 

9. AKIRA KUROSAWA

Akira Kurosawa è “L'uomo che ha creato Hollywood”, poiché molti dei suoi più grandi film giapponesi sono stati rifatti in inglese e sono diventati dei classici a pieno titolo: Seven Samurai (1954) è diventato I magnifici sette; La fortezza nascosta (1958) è stata una delle maggiori ispirazioni per  Star Wars; Yojimbo (1961) è stato rifatto come Per  un pugno di dollari. Ancora oggi, è una fonte di ispirazione apparentemente inesauribile per i registi, poiché  Living  (2022), la storia della morte di un burocrate interpretato da Bill Nighy, è un remake di  Ikuru (1952). Tuttavia, gli originali di Kurosawa rimangono insuperati, poiché i suoi film sui samurai creavano un mondo cinematografico alternativo, un “Oriente incontrollabile” rispetto al “Selvaggio West” a cui Hollywood era tradizionalmente interessata. 

Tuttavia, in Kurosawa c'era molto di più oltre ai soli film sui samurai che hanno fatto il suo nome. Per prima cosa, c'era  Rashomon (1950), che potrebbe essere nominalmente un film sui samurai ma in realtà è un'analisi della memoria e dell'identità. E come Welles, Kurosawa ha filmato Shakespeare in modo brillante, anche se ha abbandonato i versi di Shakespeare per le riprese itineranti e la creazione di atmosfere davvero inquietanti. Il Trono di Sangue (1957) era virtualmente Shakespeare come teatro Noh (o meglio cinema Noh), catturando l'essenza di Macbeth senza effettivamente citarlo, e  Ran (1985) era ancora migliore, un adattamento di Re Lear che catturava la follia dell'originale e gioca e lo migliora con alcune delle più grandi scene della prima guerra moderna (con spade contrapposte a cannoni) mai catturate sullo schermo. 

 

8. ALFRED HITCHCOCK

È ironico che Alfred Hitchcock fosse universalmente conosciuto come “Hitch” perché all'inizio del 21° secolo ci sono vari “intoppo” (o problemi) legati a qualsiasi adorazione di Hitchcock. Il voyeurismo (dentro e fuori dallo schermo), l'ossessione per le sue protagoniste (che ha portato la più importante di loro, Grace Kelly, a trasferirsi in Europa), e persino quegli sfondi spaventosi, quasi amatoriali, per le auto in movimento che rendono molti film del 21esimo secolo che fanno rabbrividire gli spettatori, se non addirittura sorridenti. 

Eppure non ci sono ancora dubbi sul fatto che Hitchcock sia uno dei più grandi registi di sempre e in diverse epoche del cinema. La sua svolta fu un classico muto, The Lodger (1927), che era un ritornello brillantemente malevolo di Jack The Ripper; realizzò i primi classici del suono in The 39 Steps (1935) e The Lady Vanishes (1938), che praticamente stabilirono il modello per ogni thriller o "film d'azione" che seguì; e dopo che Rebecca (1940) attirò l'attenzione di Hollywood, divenne uno dei più grandi registi stranieri a lavorare in America. 

Hitchcock rappresentava virtualmente gli anni '50 in America, poiché la sua serie di classici della “suspense”, da La finestra sul cortile (1954) a Vertigo (1958) e  North by Northwest  (1959), erano la migliore espressione cinematografica della paura esistenziale che attanagliava l'umanità negli anni '50, il decennio dopo Hiroshima. E in Psycho (1960), ha effettivamente evitato la suspense e ha creato il genere horror. 

 

7. BILLY WILDER

Con tutto il rispetto per Fritz Lang, Max Ophüls e persino per l'eroe cinematografico di Billy Wilder, Ernst Lubitsch, l'austriaco Billy Wilder è l'unico regista nato all'estero che può rivaleggiare e persino superare l'inglese Alfred Hitchcock come più grande cronista “alieno” d'America. E sebbene Wilder abbia realizzato meno capolavori di Hitch e di molti altri registi in questa lista, i suoi cinque film migliori rivaleggiano con la manciata di classici più raffinati di qualsiasi altro regista. 

Wilder ha vissuto due grandi fasi come regista, divise da circa un decennio. Il primo avvenne negli anni Quaranta e all'inizio degli anni Cinquanta, quando realizzò uno dei più grandi noir,  Double Indemnity (1945), il più grande film su Hollywood,  Sunset Boulevard  (1950), e il più grande film sull'informazione,  Ace In The Hole ( 1951). 

Ma fu il “doppio conto” di Wilder alla fine degli anni Cinquanta a garantirgli la reputazione di maestro del cinema. A qualcuno piace caldo (1959) potrebbe non essere stato realizzato negli anni '30, ma è comunque la più grande commedia demenziale mai realizzata, mentre  The Apartment (1960) è senza dubbio la migliore commedia drammatica mai realizzata. Certamente nessun altro regista ha mai realizzato due capolavori così completamente diversi uno dopo l’altro e nello stesso anno. 

 

6. ROBERT BRESSON

Jean-Luc Godard (che, non sorprende, appare lui stesso in questo elenco) ha scritto di Bresson: "Lui è il cinema francese, come Dostoevskij è il romanzo russo e Mozart è la musica tedesca". Eppure Bresson è spesso l’uomo dimenticato del cinema francese, stretto com’è tra le meraviglie di Renoir negli anni ’30 e la Nouvelle Vague (New Wave) di Godard, Truffaut e altri negli anni ’60. Tuttavia, i film di Bresson stessi, una volta visti, raramente, se non mai, vengono dimenticati. 

In molti sensi, Bresson è stato per il cinema ciò che compositori come John Adams e La Monte Young sono stati per la musica: un maestro del minimalismo. Era come se, dopo gli eccessi osceni e quasi mondiali della Seconda Guerra Mondiale, Bresson volesse eliminare tutto il resto per tornare alle basi della narrazione sullo schermo. E lo fece in modo spettacolare in diversi capolavori, tra cui  Un condamné à mort s'est échappé (Un uomo scappato)  (1956), che raffigurava il tentativo di un membro della resistenza francese di fuggire dalla prigione nazista in cui era detenuto; Pickpocket  (1959), che era quasi un film Nouvelle Vague (New Wave) prima che esistesse il termine; e  Au Hasard Balthazar (1966), che, sorprendentemente, è un film su un asino, il cui trattamento crudele da parte dei suoi proprietari suscita più pietà della maggior parte dei film sugli esseri umani. 

 

5. STANLEY KUBRICK

Kubrick è stato chiamato “Lo Shakespeare del cinema” e se c’è qualcuno che merita un simile tributo è proprio l’americano diventato britannico, perché proprio come Shakespeare padroneggiava quelli che erano considerati i tre generi del teatro elisabettiano (commedia, storia e tragedia), così Kubrick si è dimostrato un maestro di quasi tutti i generi cinematografici, dal noir alla fantascienza al dramma in costume. 

In effetti, la maggior parte dei film di Kubrick sono i migliori o tra i migliori nel loro genere particolare: The Killing  (1956) è uno dei film noir più grandi e oscuri; Orizzonti di gloria (1957) è uno dei più grandi film di guerra di sempre e sicuramente il più grande film sulla prima guerra mondiale; Spartacus (1960) potrebbe essere stato rinnegato da Kubrick, ma rimane probabilmente il più grande film epico (o “spade e sandali”); Barry Lyndon (1975) è uno dei migliori drammi d'epoca mai girati; Shining (1980) è un grande film horror, e sicuramente il più grande film horror mai realizzato da un grande regista. 

Tuttavia, è per la sua "Trilogia della follia" -  Il dottor Stranamore (o come imparai a smettere di preoccuparmi e ad amare la bomba) (1964),  2001: Odissea nello spazio (1968) e  Arancia meccanica (1971) - che Kubrick sarà celebrato per sempre. Ogni film esaminava un aspetto particolare della follia intrinseca dell'uomo: la MAD (distruzione reciprocamente assicurata) della guerra atomica (in  Stranamore); la follia della predisposizione dell'umanità alla violenza e alla fiducia nelle macchine (nel  2001); e la follia della violenza sanzionata dallo stato utilizzata per cercare di controllare la violenza individuale (in  Orange). E il fulcro, ovviamente, è  2001: Odissea nello spazio, che non è solo il più grande film di fantascienza mai realizzato, ma contende il titolo di più grande film mai realizzato in qualsiasi genere. 

 

4. FEDERICO FELLINI

E così arriviamo alle doppie ispirazioni di Woody Allen e di tanti altri registi della fine del XX secolo, vale a dire i due poli (sud e nord) del cinema europeo del dopoguerra: Federico Fellini e Ingmar Bergman. Entrambi gli uomini erano praticamente un'industria cinematografica individuale che ha prodotto una serie di classici che non solo hanno ottenuto il plauso della critica e il successo commerciale, ma hanno alterato i parametri di ciò che era possibile nel cinema. 

Fellini emerse per la prima volta dal neorealismo italiano immediatamente successivo alla Seconda Guerra Mondiale. Tuttavia, emerse pienamente formato negli anni '50 con  I Vitelloni (1953), che fu il film preferito di Kubrick e di grande ispirazione nella sua decisione di diventare un regista, e  La Strada (1954), che raffigurava una delle storie d'amore più strane di tutto il cinema, tra un uomo forzuto del circo e la piccola clown donna su cui fa il prepotente.  

Ma Fellini era appena agli inizi, mentre continuava a documentare il nuovo mondo che emergeva in Italia (e nel resto del mondo occidentale) dopo la devastazione della Seconda Guerra Mondiale. In  Le notti di Cabiria (1957), ha spezzato nuovamente il cuore del pubblico cinematografico con la sua storia di una prostituta che cerca di sfuggire alla sua miserabile esistenza; in La Dolce Vita (1960), ha presentato al mondo i paparazzi e l'intrusione della stampa che portavano con sé; e in  Otto e mezzo (8 ½)  ha realizzato quello che rimane probabilmente il più grande film mai realizzato sul cinema stesso. 

 

3. INGMAR BERGMAN

Bergman è stato così spesso accostato a Fellini, non solo da Woody Allen ma da quasi ogni serio studioso del cinema del dopoguerra, proprio perché apparivano così diversi: Fellini, il cineasta italiano caloroso e sensuale, che appare in opposizione all'austero, quasi freddo analisi sincera di Bergman e dei suoi film. Eppure, proprio come in tanti film di Fellini era all'opera una mente logica e analitica, così in molte opere di Bergman c'erano umorismo, passione e persino risate. 

Come Fellini, Bergman fece irruzione, dopo una serie di film precedenti infruttuosi, a metà degli anni Cinquanta, con  Sommarnattens leende (Sorrisi di una notte d'estate)  (1955), una commedia romantica che finì per essere in netto contrasto con gran parte dei suoi film con output più tardivo e più scuro. E proprio come Fellini, una volta raggiunto il riconoscimento nazionale e poi internazionale, più nulla lo ha fermato. Det sjunde inseglet (Il settimo sigillo) (1957), Smultronstället (Le fragole selvatiche) (sempre 1957), The Virgin Spring (1960) e Through A Glass Darkly  (1961) furono tutti capolavori magnifici e malinconici che virtualmente inventarono “Scandi-Noir”, quarant'anni prima di  Forbrydelsen (The Killing)  e  The Bridge. 

 

2. JEAN-LUC GODARD

La recente morte di Jean-Luc Godard ha ricordato al cinema, e in particolare agli spettatori del 21° secolo, la sua importanza centrale, anzi seminale, per il cinema. Martin Scorsese ha definito À bout de souffle (Senza fiato) (1960) "l'asse della storia del cinema", letteralmente il cardine su cui il cinema ruotava, dal vecchio cinema del passato legato agli studios al cinema di strada infinitamente più veloce e audace che lo seguì. 

Senza fiato  è il più grande debutto nella storia del cinema (un equivalente cinematografico degli altrettanto radicali  The Velvet Underground e Nico  nella musica pop), ma molti dei film che lo seguirono erano anche meravigliosamente inventivi e sempre assolutamente cinematografici, nel senso che potevano solo essere film e non opere teatrali, libri o qualsiasi altra cosa. Le Mepris (Contempt) (1963) era quasi una versione francese di 8½; Bande à part (Band of Outsiders)  (1964) era un'estensione o un seguito di  Breathless; Alphaville  (1964) era un film di fantascienza ambientato nel presente e per questo molto strano; Pierrot le Fou (Pierrot The Fool) (1965) riunì Godard con Jean-Paul Belmondo di  Breathless, solo che questa volta Belmondo era l'inseguitore di un criminale piuttosto che l'inseguito; e  Week-End  (1967) era un road movie apocalittico o, per essere più precisi, un ingorgo apocalittico.  

 

1. JEAN RENOIR

È stato il grande critico cinematografico britannico David Thomson a contribuire davvero ad aumentare la fama di Renoir nel mondo anglofono negli anni '90, quando lo dichiarò "il più grande regista di sempre". Se la reputazione di Renoir era sempre stata alta, soprattutto nella sua nativa Francia, Thomson contribuì a presentarlo a una generazione più giovane (me compreso), che invariabilmente finiva per essere d'accordo con la sua valutazione del maestro francese. 

Boudu sauvé des eaux (Boudu salvato dall'annegamento) (1932), Il crimine di Monsieur Lange  (1936),  Partie de campagne (Una giornata in campagna) (1936) e  La Bête Humaine (La bestia umana) (1938) sono tutti superbi, ma alla fine anche questi ottimi lavori impallidiscono in confronto ai due capolavori (per coniare un'espressione) che collettivamente costituiscono la coppia di film più bella mai realizzata da un singolo regista:  La Grande Illusion (1937); e  La règle du jeu (Le regole del gioco) (1939). 

In effetti, questi due film guardano indietro alla Prima Guerra Mondiale (La Grande Illusion) e proiettano in avanti la Seconda Guerra Mondiale (La règle du jeu), proprio alla vigilia di essa. In  Grand Illusion, i vecchi costumi e le usanze del mondo vittoriano vengono smascherati come ridondanti nella nuova era della guerra tecnologica, mentre in  La règle du jeu  l'opprimente coscienza di classe dell'aristocrazia francese e di tutta Europa viene esposta come l'ultima, morente risata di una classe sul punto di essere spazzata via per sempre dal nazismo. In entrambi i casi Renoir perfezionò il cinema così come il suo illustre padre Auguste aveva perfezionato la pittura. 

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Sarebbe sciocco non riconoscere alcuni altri avvertimenti molto importanti. Tutti i direttori di questa lista sono uomini; la stragrande maggioranza di loro sono bianchi; e tutti hanno lavorato in alcune delle più grandi industrie cinematografiche del mondo, soprattutto Hollywood ma anche nelle affermate industrie cinematografiche nazionali di Europa e Giappone. Di conseguenza, hanno avuto accesso a risorse che per gran parte del XX secolo sono state negate alle loro coetanee, BIPOC e LGBTQ+.

Come società, abbiamo fatto passi da gigante verso l’inclusione e la diversità nell’industria cinematografica, e molte grandi registe donne, BIPOC e LGBTQ+ che lavorano oggi stanno diventando nomi familiari e stanno cambiando il mezzo come lo conosciamo. Il cinema sarebbe stato completamente diverso (e migliore) se avessero avuto le stesse opportunità durante gli anni più formativi del cinema delle origini fino ad oggi.