Quali sono alcuni degli errori più comuni che gli sceneggiatori commettono quando scrivono scene di dialogo?
Nella maggior parte delle sceneggiature ci sono almeno un paio di battute di dialogo in ogni scena. Ciò significa che gli sceneggiatori sono sempre suscettibili ai molti errori comuni commessi durante la scrittura e la formattazione degli scambi di dialogo e la descrizione della scena nel mezzo.
Qui abbiamo un esempio di una scena ricca di dialoghi, scritta con una serie di errori che presto segnaleremo. Il conteggio delle pagine è di circa uno e tre quarti.
Quindi la scena presenta alcuni momenti divertenti di botta e risposta tra due personaggi nello stesso luogo, insieme a due linee di dialogo di due personaggi che non si trovano direttamente nello stesso luogo.
È una scena breve, il che va bene, composta solo da una pagina e tre quarti. Ma diamo un'occhiata più da vicino a quella che alcuni potrebbero ritenere, per lo meno, una scena passabile.
1. EVITARE L'USO DI PARENTESI COME ISTRUZIONI PER L'AZIONE
Nelle battute iniziali della scena, lo scrittore sceglie di usare la parentesi come un modo per dirigere la performance del potenziale attore inserendo un avverbio per denotare il tipo di emozione con cui dovrebbe essere pronunciata la battuta di dialogo.
Questo tipo di elemento della sceneggiatura dovrebbe essere evitato quando scrivi i tuoi dialoghi. È allettante, lo sappiamo. Tu, lo sceneggiatore, hai un'idea di quali emozioni ci siano dietro le parole perché, si spera, vedi la scena con gli occhi della tua mente e stai cercando di comunicare quell'immagine nel miglior modo possibile.
Tuttavia, il film è un mezzo collaborativo. Un regista e un attore lavorano spesso insieme per valorizzare le parole scritte dallo sceneggiatore. Quindi, in questo caso, il rimorso potrebbe non essere la scelta migliore rispetto alla possibile nota dell'attore di recitare la battuta con un senso di disgusto .
Provare rimorso e provare disgusto per qualcuno sono due emozioni e tipi di battuta molto diversi.
In breve, non limitare il dialogo assegnando uno specifico avverbio e una direzione di esecuzione.
Sì, ci sono momenti in cui un particolare tipo di battuta è appropriato alla storia e deve essere interpretato in un certo modo. Ma usare le parentesi per dirigere l'attore o trasmettere un'emozione specifica dovrebbe essere usato poco e lontano tra loro. Troppi scrittori sovrappopolano i loro dialoghi con quei tipi di direzione tra parentesi. Il più delle volte è uno spreco di immobili per la sceneggiatura di prima qualità.
2. UN BATTITO NON È UNA PAUSA
Lo scrittore sceglie di utilizzare la parentesi per trasmettere una pausa nella consegna della riga utilizzando il termine beat . Questo è un riferimento alla recitazione che ha molti diversi tipi di significati, solo uno dei quali implica una pausa .
Ancora una volta, lo scrittore sta sconfiggendo la natura della collaborazione cinematografica cercando di dettare dove un attore dovrebbe fermarsi nella sua performance. Non è compito dello sceneggiatore.
Gli sceneggiatori devono lasciare quel tipo di interpretazione sia al lettore che legge la loro sceneggiatura sia all'eventuale attore che interpreta il loro dialogo.
Se la storia e la trama richiedono al personaggio di mettere in pausa il dialogo per qualsiasi buona ragione, scrivi (pausa) invece di (battito) . O meglio ancora, inserisci una riga di descrizione della scena che spieghi il motivo della pausa.
3. NON ABUSARE DELL'ELLISSE
L'ellisse (...) può essere usata al posto della pausa di scrittura all'interno di una parentesi, sì. Ma con quella consapevolezza, la maggior parte degli sceneggiatori è tentata di usarli in modo eccessivo per dirigere, ancora una volta, la performance dell'attore della battuta.
Nel nostro esempio, la prima linea di dialogo di Jack utilizza più puntini di sospensione per denotare un comportamento confuso, completo di pause tra le parole mentre cerca cosa dire.
Per aggiungere altro pasticcio, chi scrive ha deciso di inserire anche (confuso) . Questo non solo è ridondante, ma sia la parentesi che l'ellisse sono del tutto inutili.
Al di là del problema della collaborazione, più ellissi interrompono il flusso del dialogo. È una sceneggiatura eccessivamente formattata che fa più male che bene.
L'interpretazione della scena da parte del lettore non ha bisogno di essere scandita da pause ed esitazioni. La natura del personaggio e la situazione in cui si trovano informeranno il lettore su come viene pronunciata la battuta.
4. UN'ELLISSE NON VIENE UTILIZZATA PER LE INTERRUZIONI
Gli sceneggiatori commettono anche l'errore di terminare le battute di dialogo con un'ellisse, cercando di comunicare che il personaggio è stato interrotto da un altro. Usano anche una parentesi (vedi sotto) per comunicarlo anche sotto.
Le interruzioni in quanto tali dovrebbero essere formattate utilizzando due trattini alla fine di una frase (--) e due trattini all'inizio del dialogo di interruzione.
Quando finisci una linea di dialogo con un'ellisse, il vero scopo è indicare che il personaggio si sta esaurendo nelle sue parole o sta aspettando che qualcuno finisca quello che sta dicendo.
5. SE HAI INTENZIONE DI FAR GIURARE I PERSONAGGI, FALLI GIURARE
Lo scrittore sceglie di utilizzare i simboli per ritrarre quella che sarebbe una bomba atomica all'interno del dialogo (vedi immagine sopra).
Non preoccuparti. Non offenderai il lettore, il produttore, il dirigente, il regista o l'attore. Hanno letto e detto un sacco di linguaggio forte in questo settore. E se non ti senti a tuo agio a scriverlo, forse la parola non è necessaria.
Dal punto di vista della caratterizzazione, a volte è necessario. Non essere timido e non rendere difficile per il lettore decifrare quale parolaccia scegliere. Ci sono così tanti.
6. ELIMINA LE RIGHE SOTTOLINEATE E IN MAIUSCOLO
Comprendiamo il significato dietro la sottolineatura delle linee di dialogo e il loro inserimento in maiuscolo: vuoi comunicare che la linea deve essere pronunciata con forza o dovrebbe essere accentuata in qualche modo, forma o forma. Quando gli sceneggiatori usano MAIUSCOLO nei dialoghi, stanno cercando di assicurarsi che sappiamo che il personaggio sta urlando.
Come sempre, il problema è che troppi scrittori usano eccessivamente questo tipo di formattazione. Ogni volta che un personaggio dice qualcosa di importante, viene sottolineato. Ogni volta che un personaggio dovrebbe urlare, è in MAIUSCOLO.
Sbagliato. È una formattazione eccessivamente occupata e utilizzata eccessivamente, il che interrompe il flusso del dialogo e, in una nota minore, ferisce gli occhi del lettore (specialmente il MAIUSCOLO).
Puoi usare i punti esclamativi per stabilire se un personaggio sta urlando o meno. Questo è un po' il punto del punto esclamativo: stanno esclamando qualcosa, che è definito come un grido improvviso, specialmente per la sorpresa, la rabbia o il dolore .
7. MA NON ABUSARE DI PUNTI ESCLAMATIVI E ALTRI SEGNI DI PUNTEGGIATURA
Basta un punto esclamativo o interrogativo. A volte te ne daremo anche due se vuoi trasmettere ulteriore enfasi. Ma quando gli sceneggiatori ne scaricano quantità ridicole dopo una battuta di dialogo, sta diventando troppo e sembra molto poco professionale.
8. CONOSCI LA DIFFERENZA TRA "VOCE FUORI CAMPO" E "FUORI CAMPO"
Ora, qui c'è un'area grigia perché alcuni lettori hanno definizioni diverse e usi preferiti dei due.
Voice Over (VO) dovrebbe essere utilizzato principalmente per la narrazione, il che significa che il dialogo Voice Over è attribuito a un personaggio che non solo non è sullo schermo ma non è nemmeno direttamente coinvolto nella scena attuale. Stanno letteralmente narrando la scena.
Off Screen (OS) dovrebbe essere utilizzato principalmente per chiunque non sia letteralmente presente sullo schermo ma sia tecnicamente vicino ai personaggi che lo sono. Ciò potrebbe significare che sono appena fuori dalla telecamera (puoi anche usare l'OC più specifico per questo), nascosti o nascosti dietro qualcosa o che si trovano in una posizione adiacente a quella vista sullo schermo.
L'area grigia si trova all'interno del regno cinematografico di telefonate, radio e altri dispositivi che possono portare i personaggi fuori campo nella scena presente sullo schermo attraverso la loro voce.
Nel nostro esempio, la mamma di Jack è al piano di sopra e sta urlando il suo dialogo da una stanza adiacente. The Eighth Grader (Timmy) è collegato alla scena tramite le cuffie da gioco di Jack. (VO) è il modo improprio di incorporarli nel visto perché Voice Over denota la narrazione.
Questo è un elemento molto comune e frainteso del formato della sceneggiatura che persino gli scrittori esperti dimenticano o non capiscono. Ma dal punto di vista del lettore, Voice Over è narrazione e Off Screen significa che il personaggio è ancora connesso alla scena, ma non è fisicamente presente al suo interno.
9. NON C'È BISOGNO DI AFFERMARE L'OVVIO
Sia che tu stia usando le parentesi o una riga di descrizione della scena, non c'è assolutamente alcun motivo per affermare ciò che è evidente al lettore.
Nell'esempio originale, (lei non riesce a crederci) non è necessario. È ovvio dal dialogo che "non riesce a crederci".
Quando Jack sta urlando a sua madre, ciò viene comunicato attraverso i punti esclamativi. Lo scrittore non ha bisogno di includere (urlare) .
Nella descrizione della scena, la scrittrice afferma l'ovvio specificando che si sta rendendo conto del fatto che sta uscendo con un uomo-bambino o qualcosa di peggio . Le precedenti righe di dialogo lo indicano già.
Gli scrittori spesso sentono il bisogno di spiegare troppo le cose al lettore. I lettori leggono dozzine di sceneggiature al mese, così come agenti, manager, produttori, dirigenti, registi e attori. Lo capiranno. E se non glielo spieghi una volta (figuriamoci due), molto probabilmente lo presumeranno.
10. EVITA TUTTI I DIALOGHI E LE DESCRIZIONI SUL NASO
On-the-Nose è spesso definito in termini di scrittura come parole prive di sottotesto, troppo ovvie e/o che non hanno né sottigliezza né raffinatezza .
Se un personaggio si sente arrabbiato, questo non dovrebbe essere accompagnato da un'ovvia linea di dialogo che affermi proprio questo. "Sono così arrabbiato con te in questo momento!" Questo è un pessimo dialogo.
Nel nostro esempio sopra, Kate offre un dialogo diretto che semplicemente non è necessario. Il lettore coglierà il sottotesto della scena che comunica chiaramente che ha finalmente capito in cosa si è cacciata con questa relazione.
Lo scrittore usa anche la descrizione della scena per questa stessa informazione.
Ecco una versione riscritta della scena che aderisce meglio ai dieci punti che abbiamo trattato finora. Arriva a una pagina e un quarto, mezza pagina in meno rispetto alla versione originale. Anche se potrebbe non sembrare così tanto, considera quelle pessime abitudini di scrittura diffuse in tutta la sceneggiatura.
Abbiamo eliminato la direzione dell'attore, le battute, i puntini di sospensione non necessari, i puntini di sospensione utilizzati in modo errato, i dialoghi sottolineati inutilmente, le MAIUSCOLE non necessarie, la punteggiatura abusata, la voce fuori campo utilizzata in modo improprio, le parentesi e le righe di descrizione della scena troppo ovvie e tutte le descrizione della scena e dialogo.
Abbiamo anche mostrato alcuni esempi di quando puoi usare le parentesi.
La versione riscritta usa le parentesi per sottolineare che il dialogo di Timmy proviene da un luogo specifico. Ciò evita la confusione iniziale che un lettore potrebbe avere mentre cerca di individuare da dove proviene quel dialogo invisibile del personaggio. Facciamo lo stesso anche per la mamma di Jack per indicare che sta chiamando dal piano di sopra, che è una stanza adiacente all'attuale posizione della scena.
E infine, usiamo le parentesi per comunicare che Jack sta dicendo l'ultima riga a se stesso. Un perfetto esempio di una scelta che puoi fare che non significa necessariamente che stai dirigendo la performance. Invece, stai dettagliando il contesto della linea e verso chi è diretta.
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Eliminare questi dieci elementi di sceneggiatura non necessari dalle tue sceneggiature può farti risparmiare più pagine a lungo termine. Può anche aiutare con la lettura della tua sceneggiatura, creando una sceneggiatura dal ritmo migliore e un'esperienza cinematografica per il lettore. E le tue scene di dialogo scorreranno così bene.
Non si tratta di essere pignoli. Si tratta di portarti al tiraggio più stretto possibile.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
