Alla fine, ogni storia cinematografica ha una struttura in tre atti: un inizio, una parte centrale e una fine. Questa è stata la struttura narrativa seguita dall'umanità sin dai tempi in cui si raccontavano storie attorno al fuoco del villaggio o si incidevano pitture rupestri su muri di pietra raffiguranti storie degne di caccia alla preda (inizio), confronto con la preda (centro) e sconfitta della preda (fine ).
La struttura in tre atti nel cinema è la struttura più elementare e pura che la maggior parte dei film segue, indipendentemente da ciò che dicono guru ed esperti.
C'è l'impostazione, il confronto e la risoluzione. Le strutture in quattro atti, le strutture in cinque atti e le strutture in sette atti per i film per la televisione - così come molte altre variazioni - sono solo aggiunte alla struttura centrale in tre atti.
Anche le sceneggiature che utilizzano strutture uniche e originali possono solitamente essere suddivise in tre atti.
Ed ecco il punto: quando abbracci la struttura di base in tre atti per la tua sceneggiatura, stai offrendo forse il design della storia più accessibile per il pubblico.
- Ogni scena è importante.
- Ogni scena passa direttamente alla successiva, portando avanti lo slancio della storia in una progressione naturale, priva di eccessi.
- C'è la configurazione del personaggio e il loro mondo. (Inizio)
- Si presenta un conflitto che i personaggi sono costretti ad affrontare o scelgono di affrontare - e lo fanno proprio mentre falliscono e imparano dai loro errori (Medio).
- E poi siamo portati alla risoluzione in cui superano il conflitto o soccombono ad esso. (FINE)
Film come Star Wars, The Fugitive, Witness, Raiders of the Lost Ark e Die Hard sono esempi perfetti della struttura in tre atti. Chiunque, in retrospettiva, può applicare vari gradi di filosofia del guru e battere fogli a ciascuno di essi. Tuttavia, alla fine, quei tipi di storie mostrano veri inizi, fasi intermedie e finali con costanti progressi in avanti mentre ogni scena si sviluppa verso il finale.
Ma l'aspetto più impegnativo della struttura in tre atti è la parte centrale (secondo atto).
PERCHÉ LA PARTE CENTRALE DI UNA SCENEGGIATURA È COSÌ DIFFICILE DA SCRIVERE?
Gli inizi e le finali sono facili e i più divertenti da evocare e scrivere.
Gli sceneggiatori sono stati addestrati a concentrarsi sulla creazione di agganci, momenti, scene e sequenze di apertura entusiasmanti nelle prime pagine delle sceneggiature. È divertente concettualizzare modi coinvolgenti per catturare l'attenzione dei lettori della sceneggiatura e del pubblico.
Gli è stato anche consigliato di creare finali magistrali che scioccano e sorprendono anche le persone - o, per lo meno, danno conclusioni convincenti.
Ma quasi nessuno parla della parte più impegnativa: il Medio.
La parte centrale della sceneggiatura è dove la maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi vacilla. Perché?
- Il personaggio e gli archi narrativi si concentrano maggiormente nel secondo atto dopo l'introduzione del conflitto.
- È necessario realizzare una trama più creativa per arrivare alla fine.
- Gli sceneggiatori devono creare colpi di scena, svolte e deviazioni per coinvolgere il pubblico (vedi sotto).
La maggior parte degli script delle specifiche soffre nel mezzo perché i concetti mancano di sostanza (e alcuni sono espedienti piuttosto che concetti), e il lavoro di front-end della storia e dello sviluppo del personaggio non è stato fatto.
Le parti centrali degli script delle specifiche sono spesso noiose e di una nota, che sembrano affrettare le cose verso finali altrimenti eccitanti. Oppure gli scrittori languiscono nel mezzo mentre le cose rallentano con una cattiva esposizione al posto della storia e dello sviluppo del personaggio.
Gli inizi e le finali sono considerati gli elementi divertenti della scrittura di una sceneggiatura, mentre la parte centrale è considerata ciò che gli sceneggiatori temono di più.
Ma non deve essere così. Se conosci e capisci come puoi padroneggiare la parte centrale della tua sceneggiatura, vedrai che la parte centrale è in realtà dove avviene veramente la magia e dove il divertimento della scrittura viene fuori di più.
COME PADRONEGGIARE LA METÀ DELLA TUA SCENEGGIATURA
Qui presentiamo alcuni semplici elementi che puoi inserire nel mezzo della tua sceneggiatura per mantenere le cose in movimento per i lettori e il pubblico della sceneggiatura. Che tu ci creda o no, scrivere secondi atti avvincenti e coinvolgenti è più facile di quanto pensi.
1. INIZIA PRESTO IL SECONDO ATTO
Se stai terminando il primo atto del tuo lungometraggio a pagina 30, stai già iniziando a perdere il lettore di copione. Gli script a masterizzazione lenta non hanno davvero un posto nel mercato degli script delle specifiche. Salva quelli per quando ti sei affermato con alcuni successi (o sei un autore di talento).
Mentre il secondo atto è considerato da molti la parte temuta della tua sceneggiatura, è tempo di riprogrammare te stesso per ripensarci. E il primo passo che fai in quella direzione è uscire dal primo atto il più rapidamente possibile.
- Catturaci con un'immagine, una scena o una sequenza coinvolgenti nelle prime pagine (da qualche parte tra 1 e 3).
- Presenta il tuo protagonista nel suo mondo ordinario in quelle prime pagine in modo che possiamo avere un'idea delle loro zone di comfort e da dove provengono, cosa che ti aiuterà nel secondo atto.
- E poi chiedi loro di affrontare il conflitto centrale del concetto entro le prime dieci pagine, se possibile.
Nota: ancora una volta, le sceneggiature delle specifiche differiscono da ciò che vediamo dai maestri sceneggiatori e registi nei cinema. Devi catturare presto il lettore di script. E devi invogliarli a continuare a girare le pagine. Quindi, anche se queste direttive potrebbero non combaciare con alcuni dei tuoi film preferiti, devi guardarle dal contesto di te, uno sceneggiatore sconosciuto, che cerchi di sfondare attraverso una pila infinita di sceneggiature che i lettori di script (stagisti, assistenti, agenti, manager, lettori di sceneggiature, dirigenti dello sviluppo, produttori, registi, ecc.) affrontano ogni settimana.
Una volta che il protagonista si rende conto del conflitto a portata di mano e ha deciso (o è stato costretto) ad affrontarlo (consapevolmente o inconsapevolmente), il secondo atto è in pieno movimento e sei nel bel mezzo della tua sceneggiatura.
2. ALZA LA POSTA IN GIOCO OGNI POCHE PAGINE DEL SECONDO ATTO
In Jaws, non era sufficiente che uno squalo stesse terrorizzando una comunità locale dell'isola. Quel conflitto iniziale sarebbe invecchiato. La sceneggiatura richiedeva di alzare la posta ancor più della minaccia di un attacco di squalo.
'Jaws / Lo squalo'
- Il capo della polizia che cercava di fermarlo aveva paura dell'acqua.
- La minaccia si stava verificando durante la stagione turistica, il che significava che il capo doveva proteggerne altre centinaia e centinaia.
- Il sindaco della comunità non voleva che il capo chiudesse le spiagge.
- Quando uno squalo è stato catturato, la speranza è andata perduta: non era lo squalo che stavano cercando.
- Il capo che aveva paura dell'acqua dovette dirigersi verso l'oceano per dare la caccia allo squalo.
- La barca che avevano non era abbastanza grande e iniziò ad affondare dopo essere stata attaccata dallo squalo.
Devi iniettare continuamente sempre più posta in gioco e conflitto nel secondo atto ogni poche pagine. Ciò crea una costante sensazione di anticipazione. Coinvolge il lettore della sceneggiatura e li fa domandare come sopravviveranno, conquisteranno o supereranno i tuoi personaggi. Questo è anche ciò che rende la tua sceneggiatura un vero giradischi.
3. INIETTARE COLPI DI SCENA, SVOLTE E DEVIAZIONI
Il tuo lavoro come sceneggiatore è portare il pubblico a fare un giro. Può essere un giro emozionante o divertente, preferibilmente entrambi. E per raggiungere questo obiettivo ad alto livello, devi essere in grado di bilanciare la condivisione e il rifiuto delle informazioni. È così che fai indovinare il pubblico.
Nel mezzo della tua sceneggiatura, porta il lettore della sceneggiatura lungo percorsi familiari e trasforma quella storia in una direzione completamente diversa.
Guardare film è spesso uno sport per gli amanti del cinema. Ed è lo stesso tipo di sport per i lettori di sceneggiature (la maggior parte dei quali sono amanti del cinema). Si sfidano a capire la fine prima ancora che la fine sia vicina.
Ma quando li porti in posti inaspettati, quella destinazione finale diventa nebbiosa. Questo è ciò che li mette sul bordo dei loro posti. Uno degli esempi più grandi e sottovalutati di questo è il thriller di Paul Haggis The Next Three Days, con Russell Crowe.
Se guardi il trailer, pensi di sapere cosa aspettarti, che probabilmente è stato il motivo per cui poche persone si sono presentate nei cinema per guardarlo.
Tuttavia, quasi ogni singola impostazione prevedibile nel film ti porta da qualche parte che non avresti mai pensato che sarebbero andati. La sceneggiatura ti trascina avanti e indietro fino al punto in cui senti crescere questa ansia perché hai bisogno di sapere cosa verrà rivelato dopo.
Questo tipo di sceneggiatura crea attesa per il terzo atto e l'eventuale conclusione della storia.
Puoi farlo anche in tutti i generi:
- Thriller
- Orrore
- Commedia
- Dramma
4. CREA CONFLITTO INTERNO E POSTA IN GIOCO PER IL PROTAGONISTA
La catarsi è una parte vitale dell'esperienza cinematografica. I lettori della sceneggiatura e il pubblico devono connettersi emotivamente con i personaggi per andarsene sentendosi in qualche modo cambiati dall'esperienza di guardare i tuoi personaggi affrontare il conflitto che gli viene lanciato. E questo gioca un ruolo importante nel rendere coinvolgente la parte centrale della tua sceneggiatura.
È fantastico avere eccellenti conflitti esterni che possiamo vedere.
- Bombe da disinnescare
- Cattivi da uccidere
- Disastri naturali da superare
Ma ci deve essere di più.
Non è sufficiente che John McClane sconfigga i cattivi e salvi gli ostaggi in Die Hard. Avevamo bisogno di vedere il conflitto interiore che ha mentre lotta per salvare non solo gli ostaggi e se stesso, ma anche sua moglie e il suo matrimonio.
'Die Hard / Duro a morire'
Se esamini i nostri modi per esplorare l'arco interiore del tuo personaggio , vedrai che l'arco interno del tuo protagonista è fondamentalmente una struttura emotiva in tre atti.
Mostra loro che accettano il loro destino e la situazione attuale (Atto 1), costringili a venire a una rivelazione sui loro sentimenti ed emozioni interiori (Atto 2), e poi lascia che siano contenti, sapendo che hanno capito qualcosa sulla loro vita.
Segui quella struttura con il tuo protagonista mentre aggiungi un arco esterno che lo aiuti a raggiungere conclusioni interiori su se stesso. Creerai una connessione empatica e catartica con il pubblico.
5. CONOSCI IL TUO FINALE
Quando scrivi romanzi, hai la libertà di lasciare che il finale arrivi a te. Non hai i vincoli di tempo, pagina e finestra della storia che hanno le sceneggiature.
Quando scrivi una sceneggiatura, è un progetto per un film che richiederà centinaia di persone perché prenda vita e venga consumato da altri. Per questo motivo, devi rispettare le linee guida e le aspettative generali relative alla struttura, al numero di pagine e all'ambito della tua storia.
Quando conosci il tuo finale, puoi usarlo come una bussola per guidarti attraverso il tuo secondo atto.
Il tuo finale detterà la posta in gioco, gli elementi di conflitto, gli archi interiori dei tuoi personaggi, i colpi di scena, le svolte e le deviazioni necessarie per creare un magistrale secondo atto.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
