I 5 livelli di ritmo per una sceneggiatura sorprendente

Molti sceneggiatori pensano che un buon ritmo consista nello scrivere un'azione senza fine, suspense, risate o dialoghi vivaci, a seconda del tipo di sceneggiatura che si sta scrivendo. Ma è più di questo.

La sceneggiatura è una questione di strati. Cinque per l'esattezza.

Questi cinque strati sono cose che puoi appianare mentre scrivi (e riscrivi) la tua sceneggiatura. Una volta che sai di cosa sono composti, scoprirai che è piuttosto semplice scrivere una sceneggiatura ben ritmata.

Se la sceneggiatura non è un'esperienza positiva dalla prima pagina in poi, chi la legge non arriverà nemmeno al nocciolo del concetto, della storia e dei personaggi. Questo è un piccolo segreto del grande cinema che non sentirete da molti.

Idealmente, vuoi avere una sceneggiatura ben ritmata con un concept, una storia e un cast di personaggi sorprendenti. È ovvio. Ma hai anche bisogno di quell'estetica della sceneggiatura per offrire la migliore presentazione possibile.

Tenendo presente tutto questo, ti proponiamo cinque semplici elementi su cui puoi concentrarti durante il tuo processo di scrittura per assicurarti di scrivere una sceneggiatura incredibilmente ben ritmata.

1. Descrizione della scena a pennellate larghe

Le descrizioni delle scene della sceneggiatura non dovrebbero avere lunghi paragrafi di testo o descrizioni lunghe. Se vuoi accelerare il ritmo della tua sceneggiatura, è da qui che devi iniziare: dalla descrizione della scena.

Questo è il primo strato su cui devi lavorare.

Eliminate le descrizioni di scene non necessarie e riducete le descrizioni importanti all'essenziale per creare un ritmo più forte. Più "inchiostro" c'è sulla pagina, più tempo ci vuole perché il lettore la legga, quindi tagliate il più possibile.

Se hai difficoltà a ridurre le dimensioni delle descrizioni delle scene, usa questi tre espedienti di sceneggiatura per aiutarti a ridurre le descrizioni all'osso:

1. Frammenti
2. Blocchi di descrizione di frasi singole
3. Pennellate ampie

Frammenti

I frammenti ti offrono la libertà di trasmettere un'immagine al lettore con il minimo sforzo. Meno è davvero di più qui:

• Buio e freddo.
• Freddo e umido.
• Caldo e infelice.

I frammenti sono i migliori amici di uno sceneggiatore. Quindi usali il più spesso possibile.

Blocchi di descrizione della scena composti da una sola frase

Le frasi singole che rappresentano un singolo blocco di descrizione ti aiutano a comunicare un ritmo visivo. Ricorda che le sceneggiature sono in ultima analisi pensate per descrivere un mezzo visivo (film). Quindi ogni blocco di descrizione di scena deve comunicare un singolo potente elemento visivo che scagli al lettore.

• Questo è ciò che voglio che tu veda.
• Ora vedi questo.
• Ora, succede questo.

C'è un ritmo, giusto? Ma guarda cosa succede quando mettiamo quelle tre brevi frasi in un blocco di descrizione più lungo. Guarda come cambia il ritmo mentre lo leggi:

Questo è ciò che voglio che tu veda. Ora vedi questo. Ora, questo accade.

Sono le stesse informazioni, ma si leggono in modo diverso quando le metti insieme su una riga. Sembrano più pesanti. Sembrano anche più lente. Se cambiamo il testo per rappresentare un ritmo musicale, puoi sentire le differenze ritmiche:

• Boom, che schifo!
• Boom, che schifo!
• Boom

C'è un ritmo. Ma quando si combinano quei ritmi togliendo quello spazio bianco, quella pausa , si ottiene un'esperienza ritmica molto diversa:

Boombadaboombadaboom.

Quel secondo esempio fa sì che la tua mente lo legga più come una frase confusa che come una serie di battiti fluidi. Sei costretto a rallentare per assicurarti di leggerlo correttamente. Questo è il ritmo.

Esaminate il vostro copione e distanziate i paragrafi per creare blocchi di descrizione della scena composti da una sola frase. Usate al massimo due frasi, se necessario, e accelererete il ritmo del vostro copione.

Pennellate ampie

I dettagli sono per i romanzi. Se la descrizione della scena che stai scrivendo non è essenziale per la storia, non includerla. Concentrati sempre sulle linee generali. Rivedi la tua sceneggiatura e vedi dove hai esagerato con i dettagli, quindi condensa quella sezione o rimuovila completamente.

Ecco un rapido esempio di come ridurre le descrizioni delle scene a tratti generali:

Scena sovrascritta:

Scena riscritta:

La riscrittura abbraccia frammenti, include un singolo blocco di frasi (in questo caso, accompagnato da due frammenti di una sola parola) e si concentra sulle linee generali dell'immagine che lo sceneggiatore vuole che il lettore immagini. E si legge come un sogno. Tutte le informazioni di cui hai bisogno sono lì, e non ti sei nemmeno accorto di averle lette.

'Forrest Gump' (1994)

2. Ogni parola del dialogo deve contare

La prima chiave per svelare i misteri della scrittura di grandi dialoghi è la mancanza di dialoghi.

Non sto dicendo che devi scrivere una sceneggiatura senza dialoghi per superare il test del livello di ritmo del dialogo. Non è di questo che stiamo parlando. Invece, stiamo parlando di assicurarci che ogni singola parola del dialogo conti, per quanto riguarda lo spostamento della scena, della storia e dei personaggi in avanti.

Scrivere azioni e reazioni nella descrizione della scena (seguendo le linee guida per la descrizione della scena menzionate sopra) ti aiuterà effettivamente a scrivere dialoghi migliori.

Lasciatemi spiegare.

Le azioni parlano più delle parole. Eppure, ironicamente, quando ci viene detto di cercare nel mondo intorno a noi un dialogo realistico, ci rendiamo conto rapidamente che se vogliamo davvero trasmettere una comunicazione realistica, dobbiamo renderci conto che impariamo le emozioni degli altri non tramite lo scambio diretto di parole, ma tramite le nostre azioni e reazioni esteriori.

Se qualcuno è arrabbiato, dice:

"Sono arrabbiato ed è per questo..."

No. Si imbronciano. Distolgono lo sguardo, scuotono la testa, si ritirano o si infuriano.

Se qualcuno è triste, dice:

"Sono triste ed è per questo..."

No. Si imbronciano. Fissano il terreno, in silenzio. Hanno le lacrime agli occhi, piangono, singhiozzano o scappano via.

Non c'è niente di peggio che leggere o ascoltare dialoghi scontati che inculcano il significato nelle orecchie del pubblico.

Spesso la soluzione migliore è la mancanza di dialogo.

Per lo sceneggiatore che cerca di condire la sua sceneggiatura con  dialoghi eccellenti , la cosa migliore da fare è meno iniettare battute e discorsi straordinari e più tagliare e tagliare e tagliare ogni riga di dialogo possibile finché non si trova quella battuta, quel frammento o quella frase straordinari nascosti tra il rumore, quel diamante grezzo che racchiude il momento al centro.

"Mi fai desiderare di essere un uomo migliore."

"Gli farò un'offerta che non potrà rifiutare."

"Mi chiamano signor Tibbs!"

"Fammi vedere i soldi!"

Fai in modo che ogni parola conti.

Cancella il resto.

Utilizza la descrizione abbreviata della scena per condividere azioni e reazioni che riempiono gli spazi vuoti senza usare il dialogo come stampella.

"Jerry Maguire" (1996)

3. Durata e pertinenza della scena

Questo è abbastanza semplice.

• Entra rapidamente nelle scene.
• Uscire rapidamente dalle scene.
• Assicuratevi che ogni scena faccia progredire la storia.

Questo è tutto.

Lunghezza della scena

Dobbiamo vedere il personaggio/i che camminano nella location? A volte sì. Nella maggior parte dei casi no.

Dobbiamo vedere il personaggio/i che escono dalla location? A volte sì. Nella maggior parte dei casi no.

Abbiamo bisogno che i personaggi parlino per più pagine di argomenti e temi che non sono rilevanti per la storia o per gli archi narrativi dei personaggi? No.

Pertinenza della scena

Abbiamo bisogno di scene di riempimento che esistono solo per offrire una risata, uno spavento o un po' di azione? No. Ogni scena dovrebbe far progredire la storia.

O il personaggio (o i personaggi) impara qualcosa, o il pubblico impara qualcosa. Possono imparare i punti della trama o i punti dei personaggi, ma il personaggio (o i personaggi) o il pubblico devono imparare qualcosa che faccia andare avanti la storia.

Tutto questo lo puoi ottenere leggendo la sceneggiatura e chiedendoti: "Questa parte della scena, o la scena nel suo complesso, deve essere presente in questa sceneggiatura per raccontare la storia?"

Resterai sorpreso da quante delle tue scene (e momenti all'interno della scena) non hanno bisogno di essere nella sceneggiatura. Toglile.

'Aliens' (1986)

4. Posizionamento e modifica della scena

Vai al cinema e guarda qualche film questo weekend o trovane alcuni sui tuoi dispositivi di streaming. Per prima cosa, scegli quelli che sono simili nel tono a ciò che stai scrivendo. Poi, mentre li guardi, presta particolare attenzione al ritmo durante il montaggio e a come quel montaggio ti fa sentire come spettatore.

Guarda un film horror e osserva come il montatore gioca con le tue emozioni in ogni scena, quindi imitalo nelle tue sceneggiature per far sì che il lettore provi le stesse cose.

Guarda una commedia esilarante e scopri come l'editor trasmette varie piante e playoff per l'umorismo che ti fa ridere. Poi, fai ridere anche il lettore con la tua stessa risata.

Guarda un film d'azione e osserva come il montatore riesce a creare un climax da brivido, tenendoti con il fiato sospeso, e poi crea le tue sequenze d'azione che porteranno il lettore sempre più con il fiato sospeso a ogni pagina.

Alcuni film sono stati salvati da  un ottimo montaggio, mentre altri sono stati distrutti da un pessimo montaggio .

Le scelte che fa un montatore sono vitali per raccontare una storia cinematografica. E non si tratta certo solo di ciò che resta sul pavimento della sala di montaggio. Si tratta invece di scelte vitali ma semplici come:

1. Quando entrare e uscire da una scena
2. Quanto o quanto poco dialogo viene utilizzato
3. Quali emozioni vengono mostrate
4. Quali punti di vista vengono utilizzati
5. Quali transizioni avvengono da una scena all'altra e cosa ci dicono queste transizioni

Gli sceneggiatori devono pensare come i montatori cinematografici

Non diversamente dal taglio di un film, una bozza di una sceneggiatura può decretare il successo o il fallimento di quel materiale, indipendentemente da quanto siano grandi la storia e il concetto. Gli sceneggiatori devono pensare come i montatori e creare un'esperienza cinematografica. Solo perché scrivi solo parole, invece di tagliare un film prodotto, non significa che non stai offrendo un'esperienza cinematografica. Lo stai facendo.

Quando i lettori leggono le tue sceneggiature, il tuo compito è permettere loro di vedere la tua storia attraverso l'occhio della mente, con la stessa rapidità con cui una pellicola viene proiettata sullo schermo di un cinema.

Pertanto, è necessario creare per loro un'esperienza cinematografica autentica e per riuscirci è necessario scrivere come un montatore.

Scrivi visivamente.

Gli sceneggiatori alle prime armi spesso si preoccupano troppo della trama anziché comunicarla cinematograficamente. Invece, delineano le scene, si assicurano che i punti della trama siano posizionati qua e là, e poi scrivono scene che portano avanti la trama, spesso con dialoghi che raccontano  piuttosto che  mostrare. Ciò non crea un ritmo coinvolgente.

Questa è la descrizione del 98% delle sceneggiature che circolano attualmente tra le agenzie di Hollywood, le società di gestione e gli uffici di sviluppo.

L'1% dei migliori riesce a offrire un mix di grandi concetti, grandi storie, grandi personaggi e grandi letture cinematografiche.

Interseca diverse scene insieme per suddividere le scene più lunghe

Se devi presentare una scena più lunga, pensa come un montatore e pensa a come puoi suddividerla inserendola in altre scene, saltando da una location all'altra, da un personaggio all'altro, ecc.

Passare dall'uno all'altro, avanti e indietro, piuttosto che offrire semplicemente una collezione insipida di scene costruite l'una sull'altra. Ma, sfortunatamente, non è così che la maggior parte dei grandi film si percepisce quando siamo al cinema. Perché? Perché sono stati modificati per trasmettere una certa energia, fluidità e stile.

Non modificare dalla trama, modifica dall'istinto

Come detto prima, troppi sceneggiatori si concentrano sulla stesura della sceneggiatura mentre scrivono e modificano. Invece, fidati del tuo istinto per creare quel "taglio" cinematografico della tua sceneggiatura. Quali ritieni siano le migliori scelte cinematografiche quando si passa da una scena all'altra? Cosa funziona meglio visivamente?

Il problema con le presunte "formule per il successo" della sceneggiatura, Save the Cat , ecc., è che generano sceneggiature stereotipate . Ti insegnano a scrivere e modificare in base alla trama piuttosto che all'istinto. Hai guardato film e programmi televisivi per tutta la vita. Fidati di questo istinto narrativo visivo ormai radicato per offrire risposte alla sola domanda: "Cosa vediamo dopo?"

Cosa ci  aspetta ora?

Non si tratta di andare allo schema per vedere cosa succede dopo nella storia. Non si tratta di seguire una formula o una struttura. Scrivere come un editor modifica tutto ciò che vediamo dopo e  perché .

Non aver paura di concludere una scena con un personaggio che osserva l'acqua torbida  e poi aprire la scena successiva con un primo piano dello stesso o di un altro personaggio che si lava le mani insanguinate nel lavandino.

Non aver paura di concludere una scena con un personaggio che minaccia un altro in preda a un'ira violenta  e poi  aprire la scena successiva con la vittima ritrovata come cadavere che galleggia in un lago.

Entrambi gli esempi, che altrimenti rappresenterebbero scelte di montaggio semplici ma efficaci, sono tipologie di elementi visivi che gli sceneggiatori dovrebbero includere in ogni pagina della loro sceneggiatura e in ogni transizione tra le scene.

È tutta una questione di ritmo 

Il grande montatore Walter Murch ( Apocalypse Now ) lo ha detto meglio di chiunque altro quando parlava di editing: "È tutta una questione di ritmo".

Alcuni diranno che un ottimo montaggio è fluido e impercettibile. Quando parliamo di ritmo, questo suona vero. Per la sceneggiatura, vale lo stesso. Tuttavia, a volte seguire il ritmo di un momento emotivo ci costringe a fare transizioni tra le scene in modo creativo.

Alcune scene emozionanti risultano più accattivanti se si passa bruscamente alla scena successiva.

Se qualcuno è agitato dopo una discussione con un altro personaggio, la scena successiva potrebbe aprirsi con lui a casa, che distrugge il suo appartamento. Non dobbiamo vederlo lasciare la posizione precedente, tornare a casa, entrare e poi iniziare a scatenare il caos. Invece, passiamo dall'emozione della discussione all'emozione della sua reazione qualche tempo dopo.

Gli sceneggiatori possono seguire il ritmo emotivo della storia e del personaggio da una scena all'altra, facendo le scelte giuste che offrono transizioni cinematografiche facilmente comprensibili per il lettore.

'Apocalypse Now' (1979)

5. Conflitto, conflitto, conflitto

Il conflitto è tutto in una sceneggiatura avvincente, coinvolgente e dal ritmo sostenuto.

E il conflitto deve essere centrale per gli altri quattro elementi fondamentali di cui abbiamo discusso sopra. Deve esserci:

• Nella descrizione della scena è presente un conflitto costante.
• Nei dialoghi tra i personaggi è presente un conflitto costante.
• In ogni scena che scrivi è presente un conflitto costante.
• Il modo in cui si monta una scena genera un conflitto costante.

Questo è l'ultimo strato che devi distribuire in tutta la sceneggiatura. Quando guardi la descrizione della scena, il dialogo, le scene e come modifichi le scene, devi inserire il conflitto di costruzione che i tuoi personaggi devono affrontare.

E questo conflitto può manifestarsi in diverse forme:

• Personaggi che affrontano un conflitto esterno.
• Personaggi che affrontano un conflitto interiore.
• Conflitto tra personaggi (fisico o tramite dialogo).
• Sempre più ostacoli che i personaggi devono superare.

Assicurati che tutte le descrizioni delle scene, i dialoghi, le scene e il modo in cui le monti mettono in risalto un conflitto che cresce sempre di più fino al momento culminante, emozionante, drammatico, orribile o esilarante della tua sceneggiatura.

Questi cinque elementi fondamentali sono i cinque livelli della tua sceneggiatura su cui puoi lavorare per creare un ritmo eccezionale. Se scrivi sceneggiature ben ritmate, sarai molto più avanti degli altri. Fidati di me.

Articolo di Ken Miyamoto  per screencraft.org