Scopri questa guida essenziale per evitare i riscontri negativi più inosservati! Leggere dettagliatamente l'articolo ed analizzare la propria sceneggiatura: riuscire a rispondere positivamente a tutti questi punti potrà rendere la tua sceneggiatura finale più coesa e piacevole.
Appoggiati al tuo genere
Se stai scrivendo una storia di fantascienza, dovrebbe avere delle scenografie di fantascienza, giusto? Oppure un film d'azione dovrebbe avere delle grandi scenografie d'azione. Questa è la parte facile. Molto spesso, gli scrittori sanno di dover avere i grandi momenti scenografici, ma dimenticano di scavare davvero nei momenti più piccoli.
Cose come il tono della tua prosa, lo stile del dialogo e il mondo, contribuiscono tutti a quanto ti appoggi al tuo genere. Questa è l'area in cui il lettore si rilassa e si gode semplicemente la tua sceneggiatura. Quindi, se stai ricevendo una nota per appoggiarti di più al tuo genere, probabilmente hai una sceneggiatura forte che potrebbe usare qualche ritocco per distinguersi davvero dalle altre sceneggiature del tuo genere.
Qual è il tuo obiettivo?
Il tuo personaggio ha una decisione chiara che lo guida per tutto il secondo atto? Molto spesso, gli scrittori includono ciò che il personaggio desidera fin dall'inizio della sceneggiatura, e poi usano il momento catalizzatore o "incidente scatenante" per indirizzare il protagonista verso ciò che sappiamo già che desidera.
Ma non è un obiettivo forte. Non vogliamo che la scelta di perseguire un obiettivo sia facile. Il protagonista deve essere spinto a fare la scelta difficile.
Pensate a Star Wars: Una nuova speranza. Sappiamo che Luke vuole andare a fare il pilota con i suoi amici. Ma quando Obi-Wan Kenobi gli offre la possibilità di partire per un'avventura, non dice subito di sì, anche se questo incidente scatenante (la scoperta del messaggio della Principessa Leia) colpisce il suo desiderio personale di andarsene.
Solo quando perde la zia e lo zio, e non ha altra scelta, se ne va con il suo nuovo mentore. Luke vuole un'avventura, ha bisogno di imparare di più sul mondo che lo circonda (è molto ingenuo) e il suo obiettivo di far arrivare il messaggio ai ribelli farà entrambe le cose.
Ritmo
Se il tuo obiettivo non è chiaro, allora il tuo secondo atto probabilmente divagherà. Gli scrittori spesso riempiono lo spazio con dialoghi, cercando di trovare la risposta o spiegare cosa sta succedendo nella mente di un personaggio, piuttosto che lasciare che il pubblico apprenda le cose attraverso le azioni dei loro personaggi.
È molto importante bilanciare la quantità di dialogo e azione. Troppo di uno dei due porterà i lettori a scorrere e a perdersi le cose, a meno che ciò che ci metti dentro non muova ancora la trama o non sia abbastanza unico da catturare l'attenzione del lettore.
Per delle ottime sceneggiature ricche di azione, guardate il film Children of Men, che è molto attivo e costantemente teso. La sceneggiatura ha saggiamente delle sacche di calma tra le sequenze in cui i personaggi discutono di argomenti più leggeri, come il nome da dare al bambino non ancora nato di un personaggio, dando al pubblico una tregua da tutta l'azione e mostrandoci anche come i personaggi si stanno avvicinando sempre di più.
Per le sceneggiature ricche di dialoghi, puoi leggere i progetti di Aaron Sorkin e Amy Sherman-Palladino. Tieni presente che quelle sceneggiature sono significativamente più lunghe e hanno una voce specifica per quegli scrittori, cosa che non molti sceneggiatori ottengono il permesso di fare all'inizio della loro carriera.
Un'altra opzione che potrebbe essere più concreta è Quando Harry ti presento Sally, in cui due persone parlano spesso di cose apparentemente insignificanti in vari contesti. Cambiando ambientazione e dando loro diverse attività da fare mentre parlano (come guardare un film e commentarlo), i personaggi e il pubblico imparano a conoscersi mentre rivelano i loro sentimenti più nel modo in cui parlano e reagiscono l'uno all'altro piuttosto che in quello che dicono esattamente.
"When Harry Met Sally / Harry ti presento Sally" (1989)
Non c'è trama
A volte lo vedi anche nelle recensioni di grandi film e ti chiedi: "Cosa vogliono dire? C'erano così tante cose in quel film!" Una "mancanza di trama" significa che stai introducendo un sacco di cose ma non sono collegate tra loro o non si influenzano a vicenda.
Un ottimo esercizio da porsi mentre si esaminano le scene viene dai creatori di South Park, Trey Parker e Matt Stone, chiamato "ma/quindi". In sostanza, esamina le scene e descrivi le azioni principali che si verificano da una all'altra. Tra una scena e l'altra dovresti essere in grado di dire "ma" o "quindi".
Ad esempio, nel film uscito di recente Saturday Night, il personaggio principale Lorne Michael sta cercando di produrre il primo episodio di Saturday Night Live (prima che ottenesse ufficialmente quel titolo). In una scena, le luci cadono e si infrangono nel bel mezzo delle prove, così Lorne litiga con il suo direttore delle luci, che lo costringe a dimettersi. PERTANTO, devono trovare un nuovo direttore delle luci.
MA l'unico disponibile sta lavorando a un altro show molto famoso. QUINDI Lorne deve conquistarlo, MA... e così via... Guardando la tua storia in questo modo, la tua sceneggiatura avrà una linea d'azione chiara che mantiene la storia in movimento e i personaggi che lottano per superare le battute d'arresto.
Quali sono le poste in gioco?
Quindi hai l'obiettivo del tuo personaggio e la tua trama si sta muovendo. Ma cosa succederà se il tuo personaggio non ottiene ciò che sta cercando?
Man mano che la tua storia procede, vuoi aumentare costantemente la posta in gioco in modo che il pubblico sappia perché il personaggio non può girarsi e tornare a casa. Dovrebbe essere radicato nel viaggio emotivo che sta vivendo, quindi se il personaggio è ossessionato dall'essere perfetto, la cosa peggiore sarebbe che tutti sapessero che pasticcio è.
Ma come lo dimostri fisicamente? Come stabilisci attraverso le loro azioni perché è molto più importante per loro rispetto alla persona media?
Oltre alle poste in gioco emotive interne, dovrebbero esserci anche quelle tangibili. Potrebbero perdere soldi, relazioni, un lavoro che amano, ecc.? Puoi continuare a fare pressione su di loro con le finanze (c'è una quantità specifica di denaro che devono ottenere?) e il tempo (raggiungere l'obiettivo entro un determinato giorno/ora od altro). Più pressione viene esercitata sui tuoi personaggi, più il tuo lettore/pubblico sarà coinvolto.
Come cambiano?
Se senti dire che la tua sceneggiatura non ha un obiettivo abbastanza forte, c'è la possibilità che ti chiedano anche come o perché il tuo protagonista cambia durante la tua sceneggiatura. Non devono cambiare in meglio, ma la narrazione consiste nel portare il tuo personaggio in un viaggio affinché attraversi una sorta di trasformazione, grande o piccola.
Quindi, se ti viene posta una domanda sul tuo protagonista, guarda se il tuo obiettivo è abbastanza forte o meno e come la tua sceneggiatura si muove attraverso la trama. Ogni volta che colpisci un "quindi" nelle tue scene (tornando alla domanda sulla "trama"), è una battuta d'arresto per il tuo personaggio, e il modo in cui lo supera dirà al lettore come sta cambiando o crescendo.
Una cosa da notare è che potresti avere un personaggio che è "passivo". Questi protagonisti potrebbero essere i più difficili da scrivere perché non vogliono essere attivi in una storia. Devi spingerli ad agire, non dare loro la scelta mostrandoci cosa stanno affrontando e cosa è in gioco, con un obiettivo chiaro.
Il film Saturday Night è una buona versione di questo, in quanto Lorne Michaels (il personaggio) trascorre la maggior parte della sceneggiatura evitando i problemi, non prendendo decisioni, che è ciò che serve per mandare avanti uno spettacolo.
'Saturday Night / Sabato sera' (2024)
Qual è il tuo tema?
Qualunque sia il tuo tema, sarà direttamente collegato al modo in cui il tuo protagonista cambia nel corso della sceneggiatura. È la lezione che deve imparare e che il pubblico deve imparare insieme a lui. Quindi, anche se il tuo protagonista non sceglie di essere una "persona migliore" alla fine, c'è una ragione, e anche questa è parte della lezione.
Senza svelare la trama, il film The Conversation con Gene Hackman è un fantastico esempio di una storia con un "antieroe" (probabilmente passivo) che impara una lezione ma forse non fa la scelta che il pubblico desidera. Ma per la maggior parte dei film, il tema porrà al protagonista una domanda tematica centrale, come "Cosa significa essere un leader? In cosa credi?"
E proseguendo nella trama/nel viaggio, usciranno dall'altra parte con una risposta diversa da quella in cui credevano all'inizio.
La cosa di tutte o della maggior parte di queste domande è che sono tutte collegate tra loro. Se una di queste domande viene posta, la sua soluzione avrà ripercussioni su molte altre. E più guardi queste grandi aree della tua sceneggiatura e vedi come si collegano tra loro, più la tua sceneggiatura finale sarà coesa e piacevole.
Articolo di Emily J per screencraft.org
