Cosa sono le transizioni della sceneggiatura ed è proprio vero che gli sceneggiatori dovrebbero evitare di scriverle nelle loro sceneggiature?
Prima di tutto, parliamo di cosa sono esattamente le transizioni della sceneggiatura e da dove provengono.
LA NASCITA DEL FORMATO DELLA SCENEGGIATURA
Il cinema è nato nel 1890 durante lo sviluppo della tecnologia in grado di registrare e riprodurre immagini in movimento. Con lo sviluppo di questa tecnologia, i suoi utenti hanno iniziato ad applicarla a storie di fantasia. Tuttavia, il termine sceneggiatura non è nato se non anni dopo. Allora si chiamavano scenari . I film duravano solo un paio di minuti e gli scenari fornivano brevi spiegazioni - scritte da scrittori e registi - utilizzate principalmente per il marketing e come spiegazioni per il pubblico che non era abituato a sperimentare l'intrattenimento in questa tecnologia allora rivoluzionaria.
Man mano che le narrazioni cinematografiche diventavano più complesse, era necessario più di uno "scenario". Il formato della rappresentazione teatrale è stato adattato alle narrazioni cinematografiche, dando vita a quella che oggi chiamiamo la sceneggiatura. Uno dei primi esempi di sceneggiatura moderna è stato tratto dall'iconico film del 1902 di George Melies, A Trip to the Moon. La sceneggiatura aveva una trentina di righe di descrizioni di base che fornivano azione e luoghi.
Man mano che l'industria cinematografica americana cresceva da un solo teatro nel 1905 a diecimila sale solo cinque anni dopo, la necessità di uno sceneggiatore e di una sceneggiatura per le produzioni crebbe vertiginosamente.
Le direzioni della rappresentazione teatrale - palco a destra, palco a sinistra, ecc. - sono state adattate alla terminologia e all'applicazione cinematografica. Sono finite le indicazioni di scena. Nati erano termini tecnici che alla fine si sono evoluti in ciò che vediamo oggi.
LO SCOPO DELLE TRANSIZIONI
Le transizioni della sceneggiatura sono state spunti per il team di montaggio che ha comunicato come dovevano essere gestite le transizioni tra le riprese.
CUT TO era una semplice direzione che prevedeva il taglio letterale da una scena all'altra, di solito, ma non sempre, anche in riferimento a un cambio di location.
Nelle sceneggiature più vecchie, troverai una tale transizione tra ogni nuova scena.
Le variazioni hanno cominciato a manifestarsi, dettando transizioni artistiche ma tecniche che vanno da FADE IN a FADE OUT e soprattutto DISSOLVE TO, che è stata una transizione prevalente poiché film come Citizen Kane hanno spinto i confini dell'arte incontrando la tecnologia del film.
Ben presto furono utilizzate altre transizioni tecniche, ma artistiche: WIPE TO, IRIS IN, IRIS OUT, MATCH CUT TO, ecc.
Il vero scopo delle transizioni con l'evolversi del montaggio cinematografico è sempre stato quello di offrire una transizione artistica tra le scene. A volte queste transizioni venivano utilizzate per collegare in modo creativo due scene insieme, mostrare il passare del tempo, collegare suoni, collegare immagini, ecc.
COSA SIGNIFICANO LE TRANSIZIONI?
Ecco alcune delle principali transizioni che abbiamo visto nelle sceneggiature nell'ultimo secolo.
TAGLIO A:
Questa è la transizione più semplice e comune. Questa transizione è solitamente implicita in un cambio di scena, ma a volte è usata per intensificare i cambiamenti di carattere e i cambiamenti emotivi. Nella definizione più tecnica, CUT TO descrive un cambio di scena nel corso di un fotogramma.
DISSOLVENZA A:
Questa è forse la transizione più contemporanea utilizzata oggi nelle sceneggiature. Mentre una scena svanisce, la scena successiva si dissolve al suo posto. Questo aiuto visivo di solito comunica un passaggio del tempo o viene utilizzato per effetti drammatici per collegare una scena all'altra.
FADE IN/FADE OUT/FADE SU:
DISSOLVE TO ha in qualche modo sostituito qualsiasi menzione di queste transizioni FADE, al punto che FADE IN e FADE OUT sono usate solo all'inizio di una sceneggiatura (FADE IN) e alla fine di una sceneggiatura (FADE OUT).
FLASH TAGLIO A:
Questo denota un'inquadratura estremamente breve - che lampeggia davanti agli occhi del pubblico in un solo fotogramma - offrendo un effetto in qualche modo subliminale.
CONGELAMENTO CORNICE:
Tutto ciò che è sullo schermo si blocca, sostanzialmente diventa una fotografia fissa, e poi rimane per un periodo di tempo.
IRIS IN/IRIS OUT:
Il termine si riferisce a una tendina da un certo punto dell'inquadratura in tutte le direzioni, rispecchiando la visuale dell'iride di un occhio umano che si apre per situazioni scarsamente illuminate.
SALTA TAGLIO A:
Questa transizione suggerisce il montaggio di un film in cui due o più scatti in sequenza dello stesso soggetto sono presi dalla telecamera, dall'attore o da posizioni di scena che variano solo leggermente. Questo dà l'effetto di saltare in avanti nel tempo.
ABBINAMENTO TAGLIO A:
Una transizione che taglia da un'inquadratura all'altra in cui le due inquadrature sono abbinate dall'azione o dal soggetto e dall'argomento. Caso in questione, la scena iconica del 2001: Odissea nello spazio in cui le scimmie hanno usato un osso come arma per raccogliere cibo e guardiamo mentre una scimmia lancia l'osso in aria - abbiniamo il taglio a un'astronave nello spazio.
ABBINAMENTO DISSOLVENZA A:
Molto simile a MATCH CUT, tuttavia, c'è una chiara transizione in entrata e in uscita tra i due, piuttosto che un taglio completo da un fotogramma all'altro.
TAGLIO FANTASTICO A:
Questa tecnica di montaggio ha una scena che taglia bruscamente un'altra per scopi estetici, narrativi o emotivi. Il taglio Smash è solitamente inaspettato per l'effetto drammatico. Puoi usarlo nei film dell'orrore per tagliare improvvisamente da un momento orribile a uno calmo, creando così un effetto stridente da un estremo all'altro. Puoi anche usarlo nei thriller e in qualsiasi altro genere per lasciare dietro di te un mistero sull'esito di un'azione o migliorare quel momento lasciando il resto all'immaginazione del pubblico.
Ecco un esempio da Vanilla Sky.
Lo SMASH CUT costringe il pubblico ad essere in qualche modo scioccato nel vedere il personaggio principale con una maschera: questa è la prima volta che viene visto come tale nel film. È un cambiamento improvviso dalla sequenza di flashback a lui ora in primo piano, con l'inaspettato del pubblico di lui in una maschera - questo è ciò che rende questa transizione un SMASH CUT.
STOCK SHOT:
Questo è un termine più vecchio usato per passare da una scena all'uso di filmati d'archivio, spesso visti nei film storici del passato.
TEMPO RIDOTTO:
Questa transizione è apparsa in scene che si svolgono nello stesso luogo - spesso, ma non sempre, con gli stessi personaggi presenti in quel luogo - ma in momenti diversi. Ad esempio, se un uomo è bloccato su un'isola e seduto su una spiaggia mentre cerca navi di passaggio, puoi utilizzare TIME CUT per comunicare diversi momenti all'interno dello stesso luogo e periodo di tempo del naufrago che cammina avanti e indietro, dorme, si sveglia improvvisamente, e poi essere inzuppato d'acqua dalla marea crescente.
CANCELLARE A:
Proprio come IRIS IN e IRIS OUT, WIPE TO offre una tendina da qualsiasi parte del fotogramma a un'altra. George Lucas ha usato spesso questa transizione di montaggio nei film di Star Wars che ha diretto e prodotto.
COME NON USARLI
Il più grande errore che gli sceneggiatori alle prime armi commettono con le transizioni è usare CUT TO tra ogni singola scena all'interno della loro sceneggiatura.
Questa pratica era ampiamente utilizzata già cinquanta fa. Dall'avvento del software di sceneggiatura, il formato è stato semplificato al punto in cui è automaticamente implicito che tra le scene, l'editor dovrà "tagliare su" un'altra scena, quindi, CUT TO tra le scene non è necessario.
QUANDO USARLI, QUANDO NON USARLI
Le transizioni della sceneggiatura fanno parte di un lungo dibattito in corso tra esperti, sceneggiatori e addetti ai lavori. Esperti e guru spesso dichiarano che gli sceneggiatori dovrebbero evitare le transizioni - o qualsiasi direzione della telecamera - nelle loro sceneggiature, senza eccezioni.
Tuttavia, la verità è che esiste una via di mezzo. Gli sceneggiatori che scrivono su specifiche dovrebbero scrivere sceneggiature cinematografiche che offrano ai lettori un'esperienza cinematografica.
Allo stesso tempo, gli sceneggiatori non dovrebbero impantanare le loro sceneggiature con troppo gergo tecnico e formati troppo saturi.
Quindi la direttiva della via di mezzo è usare le transizioni con parsimonia.
Mentre WIPE TO, IRIS IN, IRIS OUT e FADE TO sono transizioni datate raramente utilizzate nelle sceneggiature odierne, ci sono transizioni giustificabili come SMASH CUT, DISSOLVE TO e MATCH CUT che gli sceneggiatori possono utilizzare di tanto in tanto, purché i momenti all'interno la sceneggiatura a cui sono collegati è parte integrante della storia.
Esperti e guru sosterranno che l'eventuale regista non li apprezzerà e probabilmente utilizzerà comunque le proprie scelte tecniche e artistiche. Mancano il punto.
La scrittura cinematografica è molto importante per lo sceneggiatore delle specifiche. La maggior parte dei lettori cerca solo un'ottima lettura, chiara e semplice.
L'uso di alcune transizioni che hanno uno scopo artistico, cinematografico e narrativo può spesso migliorare la lettura della tua sceneggiatura offrendo una visuale che intensifica il momento implicito.
Quindi, in breve, puoi usarli, ma assicurati di usarli con saggezza e con parsimonia.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
