È ovvio che una serie di emozioni accompagnerebbe la lotta di un personaggio. Frustrazione, incertezza, eccitazione, disperazione, rabbia, determinazione, umiliazione e coraggio, solo per citarne alcuni. Sono queste emozioni che permettono al pubblico di entrare in empatia con il personaggio e di attaccarsi emotivamente alla loro lotta. Senza una tale connessione, il pubblico verificherà mentalmente e invece fantastica su Christoph Waltz (probabilmente).

Troppo spesso, però, gli scrittori non riescono a comunicare come si sentono i loro personaggi riguardo alla loro situazione o lotta. Oppure, se fanno un tentativo, è attraverso un dialogo diretto. “Non posso credere di non aver ottenuto la promozione! Questo mi rende frustrato! Adesso sto piangendo!" Sì, non farlo.

Non c'è dubbio che trasmettere le emozioni dei personaggi in una sceneggiatura sia una sfida; le emozioni vengono vissute internamente e la sceneggiatura si concentra sulla cattura di ciò che accade esternamente. Ma è possibile e necessario. Ecco alcuni consigli su come si può fare.

Usa i verbi d'azione forti

Quando le persone si sentono in un certo modo, tendono a manifestarsi comportamenti e azioni diversi. La loro postura, fisicità, linguaggio ed espressioni facciali ne risentono. Poiché la sceneggiatura consiste nel rappresentare visivamente ciò che sta accadendo , un ottimo modo per dimostrare come si sente un personaggio è usare verbi d'azione che abbiano forti connotazioni emotive. Verbi che comunicano come un personaggio si comporta, parla o si muove nello spazio. Parole come smorfia, arrancare, agitarsi, crollare, smorfia, ambire, raggiare, calpestare, ribollire, rabbrividire, rannicchiarsi, contorcersi, falcare. (Consulta il tuo amichevole thesaurus di quartiere per saperne di più!) Verbi d'azione come questi connotano emozioni specifiche che consentono a lettori, registi, attori e, in definitiva, al pubblico di capire meglio come si sente il personaggio.

Aggiungi sottotesto alle scene

Probabilmente possiamo essere tutti d'accordo sul fatto che le emozioni sono stupide, quindi possono essere difficili da elaborare ed esprimere per le persone. Soprattutto le emozioni che accompagnano gli eventi cruciali e che cambiano la vita di cui i film tendono a parlare: innamorarsi, perdere qualcosa o qualcuno, rivivere la stessa vacanza basata sui roditori più e più volte, ecc. I personaggi potrebbero non far fronte sempre alle proprie emozioni nel modo più efficace o onesto, e il loro comportamento non sempre rappresenta esattamente come si sentono. Ma il sottotesto di come agiscono e di ciò che dicono fa. Come il modo in cui il sottotesto della frase familiare "Sto bene" di solito è "Sono l'esatto opposto di bene".

In Fargo, considera la prima scena in cui Jerry Lundegaard viene interrogato da Marge Gunderson. In superficie, sorride, ride e fa chiacchiere educate. Ma dentro sappiamo che si sta cagando addosso perché schiva le domande, si agita sulla sedia ed esagera le sue risate e i tentativi di chiacchiere. Questo è uno dei tanti esempi di grande sottotesto in questo film. Le persone sono generalmente brave a cogliere il sottotesto e inserirlo nella tua storia indurrà il pubblico a capire come si sente davvero il tuo personaggio riguardo alla sua situazione.

Giustapponi cose contrastanti insieme

Una volta un uomo mi ha chiesto: "Qual è la tua posizione preferita?" Gli ho detto: "Giustapposizione!" Ha prontamente rotto con me. Ad ogni modo, la giustapposizione (accostamento) di cose diverse in una sceneggiatura può enfatizzare come si sente un personaggio. Ad esempio, puoi mostrare un contrasto nel modo in cui due personaggi diversi reagiscono allo stesso evento.

In Il padrino, Michael Corleone ed Enzo il fornaio stanno fuori dall'ospedale per intimidire la folla rivale che intende assassinare il padre di Michael. Enzo è così nervoso e tremante che non riesce ad accendere una sigaretta, ma Michael l'accende con disinvoltura, la mano completamente ferma, a indicare che si sente sicuro di sé e pronto a entrare nell'azienda di famiglia.

Puoi anche mostrare un contrasto tra il modo in cui lo stesso personaggio si comporta all'inizio della storia e il modo in cui si comporta in seguito. All'inizio di Kramer vs. Kramer, il personaggio di Dustin Hoffman ha difficoltà a connettersi con il suo giovane figlio e raramente trova il tempo per lui. Alla fine, suo figlio è la sua prima priorità assoluta, dimostrando che Ted Kramer ha sviluppato un profondo amore e devozione per suo figlio.

Stabilire un contrasto tra un personaggio e il suo ambiente può anche mostrare le emozioni di un personaggio, il classico scenario del “pesce fuor d'acqua”. In Edward mani di forbice, Edward, vestito di nero e con le forbici al posto delle mani, si unisce a una comunità suburbana molto pastello piena di persone piuttosto ordinarie e senza mani di forbice. C'è un netto contrasto tra il personaggio e ciò che lo circonda, e dalle sue azioni e reazioni possiamo percepire che è sopraffatto e impaurito, ma curioso e ispirato.

Il pubblico risponde a scene e storie cariche di emozioni. È nella nostra natura. E mostrare come si sentono i tuoi personaggi riguardo alla loro lotta è uno dei modi migliori per far conoscere i tuoi personaggi al pubblico. Il modo in cui reagiscono agli ostacoli e come si sentono riguardo alle loro circostanze ci mostra la loro prospettiva unica sul mondo. Non tutti i personaggi si sentiranno esattamente allo stesso modo in ogni situazione. Siamo tutti bellissimi fiocchi di neve, o impronte digitali, oi miei tentativi di fare una frittata: non ce ne sono due esattamente uguali. Quindi lascia che il tuo pubblico conosca il tuo personaggio e permettici di entrare in empatia con loro mostrandoci "tutte le sensazioni."

Articolo di Caitlin Durante per screencraft.org