Dieci film tra i più celebri girati negli scorci più spettacolari della Città Eterna

Se uno decide di fare una passeggiata per Roma, non è strano che si imbatta ogni tanto in cartelli che indicano che in quello scorcio è stato girato questo o quel film. La Capitale è infatti una delle città più amate al mondo, anche dai filmmaker, che non esitano a spendere cifre considerevoli pur di girare i propri film tra le sue rovine e le sue vie più caratteristiche. In occasione dell'Oscar a La grande bellezza, film che esalta, appunto, la bellezza di Roma (pur mostrandone la decadenza), ripercorriamo la Città Eterna attraverso i film che l'hanno immortalata al cinema.


La dolce vita
Si tratta della scena più famosa del cinema di Federico Fellini e forse anche la più nota tra quelle girate a Roma: Anita Ekberg che si rivolge a Mastroianni con il celebre “Marcello, come here” e lo invita a raggiungerla tra le acque della Fontana di Trevi. Una scena romantica e sensuale, in un film a cui Sorrentino deve molto.


Ocean's Twelve
Il Pantheon è teatro di una celebre scena di Ocean's Twelve, in cui vediamo Brad Pitt inseguito dalla polizia, che trova il tempo di sorridere a una bella sconosciuta seduta a un caffè, interpretata da Catherine Zeta-Jones. Il giorno dopo entrambi tornano sul luogo del delitto per approfondire la conoscenza...


Vacanze romane
William Wyler dirige Audrey Hepburn e Gregory Peck in questo classico della commedia romantica americana. La location più importante del film è senz'altro Piazza di Spagna, dove avviene il primo incontro tra Joe Bradley e la principessa Anna. Ma la coppia, che gira per la città in Vespa in una scena entrata nella storia, visita anche Piazza Venezia, Piazza Barberini (dove si trova l'ambasciata in cui è alloggiata la principessa) e il Colosseo.

Caro diario
Altro film, altro giro in Vespa. Stavolta, a guidarla attraverso Roma c'è Nanni Moretti, che in Caro diario visita il quartiere Garbatella e i Colli Romani. Nella sua esplorazione, tocca anche Villaggio Olimpico, Tufello, Vigne Nuove e Monteverde. Un omaggio sentito del regista alla bellezza della sua città.


Angeli e demoni
Il sequel de Il codice Da Vinci vede Tom Hanks correre a perdifiato per le strade di Roma, tra Piazza Navona, Piazza del Popolo e il Pantheon. Lì, Tom Hanks fece interrompere le riprese dopo aver notato una coppia di sposi: li scortò attraverso la piazza e si fece anche delle foto con loro. La produzione non ricevette, invece, il permesso di girare in Vaticano: la Reggia di Caserta fece da “controfigura” per gli interni, mentre Piazza San Pietro fu ricreata in studio con l'ausilio del green screen.


Mission: Impossible III
Tom Cruise che solca il Tevere in motoscafo non è una cosa che si vede tutti i giorni, ma è capitato durante le riprese di Mission: Impossible III. Fu la prima scena a essere girata e l'attore chiese al regista J.J. Abrams di sparare il famoso tema della serie da alcuni altoparlanti, per entrare meglio nel personaggio di Ethan Hunt. Una curiosità: Cruise sposò Katie Holmes proprio in quei giorni, nel castello Odescalchi di Bracciano, vicino Roma. Altra curiosità: anche in questo caso, la Reggia di Caserta sostituì l'inaccessibile Vaticano.


Tototruffa '62
Parlando della “grande bellezza” romana, non si può non citare un'altra famosa scena girata nei pressi della Fontana di Trevi. Protagonista, in questo caso, è Totò, che nel film Tototruffa '62 si spaccia per il proprietario della fontana e la vende a un turista italo-americano, con l'aiuto del complice Nino Taranto. Un pezzo di bravura emblematico della “furbizia” italiana, in tempi più innocenti.


L'urlo di Chen terrorizza anche l'occidente
Una delle sequenze di arti marziali più famose della storia del cinema: Bruce Lee contro Chuck Norris nel Colosseo. È il culmine del classico L'urlo di Chen terrorizza anche l'occidente, da Lee anche diretto. In realtà, a parte alcuni totali girati in loco, il resto della scena è ricostruita in studio. Ma quella di ambientare il tutto nell'arena per antonomasia è comunque una trovata geniale, perché dona allo scontro tra i due una dose di epica in più.


To Rome With Love
Nella sua escursione romana, Woody Allen non si è fatto mancare nulla: ha girato in Piazza del Popolo, al laghetto di Villa Borghese (nella foto), a Piazza della Repubblica, Villa dei Quintili, Fontana di Trevi e Piazza di Spagna. Un tour de force che mette in mostra gli scorci più famosi della Città Eterna, anche in maniera furbetta.


L'ultimo uomo della terra
Grande classico dell'horror, L'ultimo uomo della terra di Ubaldo Ragona (e Sidney Salkow) è il primo adattamento di Io sono leggenda di Richard Matheson. Geniale fu l'idea di girarlo interamente a Roma e in buona parte all'EUR: le location, splendide e allo stesso tempo distanti ed eteree, donano al film un'aura di eterna angoscia, specialmente quando sono attraversate dal solitario Vincent Price.

dal sito: www.film.it

Film di genere fantascientifico dagli anni  ’30 ai ‘40

Negli anni '30 e '40, il cinema di genere fantascientifico ha iniziato a prendere piede, anche se la quantità di film prodotti in questo periodo non era così vasta come nelle decadi successive. Tuttavia, ci sono alcuni film significativi e pionieristici che hanno contribuito a plasmare il genere. Ecco alcuni esempi di film di fantascienza degli anni '30 e '40:

Leggi tutto: Film di Genere fantascientifico: come si evolve negli anni

57 secondi completati (2023) | Inglese | Azione/Avventura, Fantascienza, Thriller Azienda: Highland Film Group Lancio: Morgan Freeman, Josh Hutcherson Direttore: Arrugginito Cundieff Tech journalist Franklin Fausti (Josh Hutcherson) lands an interview with visionary entrepreneur Anton Burrell (Morgan Freeman) after saving him from an assassination attempt. On his way out, Franklin finds a mysterious ring that Burrell dropped on the floor and discovers it allows its user to travel 57 seconds back in time. Driven by revenge, Franklin uses this newfound power to dismantle the pharmaceutical company responsible for his sister’s death. As Franklin dives deeper into an unfamiliar world of wealth and technology, he becomes entangled in a chain of events which has more than his own fate at stake.    Il giornalista tecnico Franklin Fausti (Josh Hutcherson) ottiene un'intervista con il visionario imprenditore Anton Burrell (Morgan Freeman) dopo averlo salvato da un tentativo di omicidio. Uscendo, Franklin trova un anello misterioso che Burrell ha fatto...

The Black Demon  Il demone nero completato (2022) | Inglese | Azione avventura Azienda: Highland Film Group Lancio: Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cesar Cedillo Direttore: Adrian Grunberg Oilman Paul Sturges (Josh Lucas) takes his family to Bahia Negra, the site of Paul’s best-performing rig, but the vibrant Mexican coastal town he once knew has mysteriously crumbled as the townsfolk believe the rig has awoken a shark of legend, known as The Black Demon. With his family scared to be left alone, they arrive on the rig only to have their boat ferociously attacked by the massive black shark. Laying claim to the local waters aggressively protecting mother nature against human threats, it destroys everything in its path. Paul and his family are now stranded with the few men who have survived. Under constant attack by the giant monster and with time ticking away, Paul must find a way to get his family back to shore alive.   Il petroliere Paul Sturges (Josh Lucas) porta la sua famiglia a Bahia Negra, il sito dell'impianto di perforazione più performante di Paul, ma la vibrante città costiera messicana che conosceva una volta si è misteriosamente sgretolata poiché i cittadini credono che l'impianto di perforazione abbia svegliato uno squalo di gamba...

Fear The Night Completato (2023) | Inglese | Azione/Avventura, Thriller Azienda: Highland Film Group Lancio: Maggie Q Direttore: Neil LaBute Special Ops veteran Tess (Maggie Q) is out of place at her sister’s bachelorette party until an arrow kills the party stripper with a headshot. As the women realize the house is under siege, Tess immediately shifts into strategic battle mode, and instructs them to block all entries and scavenge for weapons. Sneaking out of the house to evaluate the force they’re up against, Tess quickly realizes that the attackers outside have no interest in letting them out alive. They thought this would be an easy take down, but they didn’t account for Tess, her skills, or the determination of the group. She will fight till dawn.   La veterana delle operazioni speciali Tess (Maggie Q) è fuori posto alla festa di addio al nubilato di sua sorella finché una freccia non uccide la spogliarellista con un colpo alla testa. Quando le donne si rendono conto che la casa è sotto assedio, Tess passa immediatamente alla modalità battaglia strategica...

Girl Unknown  Ragazza sconosciuta completata (2023) | spagnolo | Drammatico, Thriller Azienda: Filmax Lancio: Laia Manzanares, Manolo Solo, Eva Llorach, Blanca Pares Direttore: Pablo Maceda Carolina is a naive, charming, young girl, who meets Leo in a chat room. He is an adult man, who is tricking her by passing himself off as a 16-year-old boy. Now, he’s managed to arrange a date with her at a remote city park. But when Leo meets Carolina, he starts to suspect that she might not be as innocent and harmless as she appears.  Fake identities, police operations, manipulation and dark desires will be the backdrop to this faceto-face encounter, in an ambience somewhere between fairy tale and thriller, in one very hot month of August. Carolina è una giovane ragazza ingenua, affascinante, che incontra Leo in una chat room. È un uomo adulto, che la sta ingannando spacciandosi per un ragazzo di 16 anni. Ora è riuscito a fissare un appuntamento con lei in un remoto parco cittadino. Ma quando Leo m...

Move Me No Mountain Completato (2023) | Inglese | Drammatico, Thriller Azienda: Indie Rights Lancio: Cat Lellie, Nicholas Roylance, Amanda Forstrom, Staci Dickerson, David Mazany Direttore: Deborah Richards When realtor Jenna can no longer deal with the crushing guilt of her daughters death she walks out of society to sleep rough on the streets of Vegas!   Quando l'agente immobiliare Jenna non riesce più ad affrontare il senso di colpa schiacciante per la morte di sua figlia, esce dalla società per dormire all'addiaccio per le strade di Las Vegas!

Sing To Me Sylvie  Canta per me Sylvie completato (2022) | Inglese | Commedia, Romanzo Azienda: Indie Rights Lancio: Jannette Bloom, Christopher Kozak Direttore: Janet Bloom Ten years after a failed music career, Sylvie runs into her former bandmate David, now busking and living on the street, and offers him a place to stay for three days while her husband is away, forcing them to confront their complicated history with music.   Dieci anni dopo una carriera musicale fallita, Sylvie incontra il suo ex compagno di band David, che ora suona per strada e vive per strada, e gli offre un posto dove stare per tre giorni mentre suo marito è via, costringendoli ad affrontare il loro complicato suo...

Time Boys completato (2022) | Inglese | Azione/Avventura, Famiglia Azienda: BMG global Lancio: Johnny McPhail, Susan McPhail, Bill Luckett Direttore: Randall Terry Four teenage musicians from 1908 are hurled into the future. With their street smarts, they defeat bullies and stand up to crazy teachers but have no idea how to get back home until they discover their musical talents might be the ticket!   Quattro musicisti adolescenti del 1908 vengono lanciati nel futuro. Con la loro intelligenza da strada, sconfiggono i bulli e resistono agli insegnanti pazzi, ma non hanno idea di come tornare a casa finché non scoprono che i loro talenti musicali potrebbero essere il biglietto!

Women In The Front Seat  Le donne sul sedile anteriore completate (2023) | Inglese | Documentario Azienda: Indie Rights Lancio: Wendy Crockett, Eva Rupert, Alison DeLapp, Tamale Sepp, Mack Dihle Direttore: Indy Saini Fierce, Bold, Fast, Brave! “Women in the Front Seat” paints a vibrant and diverse picture of women who not only drive their motorcycles but drive their lives. Filmmaker Indy Saini challenges her own fears to capture their inspiring stories.   Feroce, audace, veloce, coraggioso! "Women in the Front Seat" dipinge un'immagine vibrante e diversificata di donne che non solo guidano le loro motociclette, ma guidano le loro vite. La regista Indy Saini sfida le proprie paure per catturare le loro storie ispiratrici.

da The Film Catalogue Weekly

SINOSSI
Johnny è per metà umano e per metà zombie. Nel suo sangue potrebbe esserci solo la cura per l'epidemia di zombie. Tuttavia, dopo essere fuggito da una prigione medica chiamata Nordac, passa sotto la guida del Gran Maestro Jonray e di suo fratello Crisanto. Questo mette Johnny su un percorso usando le sue abilità nelle arti marziali per trovare un dottore che possa creare la cura; aiutando anche il suo padrone a combattere alcuni demoni personali.

VINCITORE DEL FESTIVAL DEL FILM HORROR DI NEW YORK CITY "MIGLIOR FILM D'AZIONE"
VINCITORE DEL FESTIVAL DEL FILM DI BLAST DI GENERE "MIGLIOR EROE"
VINCITORE DEL FESTIVAL DEL FILM DI BLAST DI GENERE "MIGLIOR FX"
SELEZIONE UFFICIALE PHOENIX FILM FESTIVAL 2023

NOMINATO "MIGLIOR LUNGOMETRAGGIO CANADESE DEL 2023" AI CANADIAN SCREEN AWARDS (GLI "OSCAR" CANADESI)

SINOSSI: Ispirato da fatti realmente accaduti. Quando un giovane recluso sociale si imbatte in una serie di casi irrisolti, si ritrova trascinato più a fondo nel lato oscuro della società e deve affrontare i propri demoni per scoprire la verità. Wolves è stato ispirato da una serie di oltre 25 misteriosi omicidi di animali tra il 2015 e il 2017 avvenuti a Londra, nell'Ontario, in Canada. A causa della legalità che circonda la proprietà degli animali e della mancanza di prove, queste storie hanno ricevuto poca copertura giornalistica. Nonostante i timori delle autorità di un'escalation di vittime umane e la richiesta di assistenza pubblica, i casi rimangono irrisolti.

Video di Michael Myers su youtube.com

L’unico, l’immenso capolavoro del genio visionario di Kubrick. Un prodotto talmente particolare da non avere eredi. “2001 - Odissea nello spazio” una trama ce l’ha anche, eppure sembra non ne abbia bisogno.

La vicenda della ribellione della macchina perfetta HAL rappresenta il frutto del superuomo positivo, e insieme il suo fallimento. Kubrick ci lascia sicuramente riflettere sulla volontà di destinare attitudini tipicamente umane (quindi imperfette) ad un oggetto che per stessa ammissione della pellicola dovrebbe, invece, essere perfetto. C’è la scelta di caratterizzare una macchina, che altro non è se non un insieme di calcoli matematici, con linguaggi, emozioni, umori e strutture cognitive tipicamente umane.

E infatti, ad un certo punto prova rabbia, si infuria con i suoi stessi creatori perché, intercettandone il labiale, capisce di avere vicina la sua fine. Elabora un piano, vuole giocare d’anticipo, sabota tutta l’operazione.

Da quel momento seguiranno poi le fatiche di Bowman, per tentare di fermare la cospirazione, e riprendere il comando dell’astronave.

Questa è sicuramente la parte più strutturata e canonica del film (in soldoni, la più comprensibile) ma è tutto ciò che viene prima e dopo a rendere grande Odissea nello spazio.

La distruzione della linearità del tempo, la scelta di parlare al subconscio e non all’intelletto dello spettatore (quasi portandolo all’esasperazione causa la lentezza e l’assenza di elementi logici tra loro). Il tema della nascita della civiltà che ha per madre la violenza, l’ormai celebre monolito nero, l’applicazione visiva dell’eterno ritorno (Kubrick prese molto in considerazione la filosofia di Nietzsche), senza dimenticare l’uso dei suoni stereofonici e della luce notoriamente psichedelica, tutti elementi che rendono grande quest’opera.
Insomma, questa pellicola pur nella sua antinarratività, nella destrutturazione del concetto di cinema, nella quasi totale assenza di parlato, nel finale enigmatico che porta in grembo il concetto di rinascita è sicuramente uno dei prodotti più memorabili del panorama artistico post-moderno, un prodotto che non ha paura della sua singolarità.

“Bisogna tramontare per poter rinascere” (F. Nietzsche)

Breve curiosità:

Sembra strano vederlo in un film che è addirittura antecedente lo sbarco dell’uomo sulla luna, ma il genio visionario di Kubrick pare anticipare di qualche annetto casa Apple.

di GiuliaGib per quora.com

1) Podista ritardato diviene eroe di guerra e milionario, poi aspetta il bus e parla in modo logorroico. (Forrest Gump)

2) Donna senza espressioni fa un triangolo con un vampiro ed un licantropo. (Twilight)

3) Ebreo toscano va in un campo di sterminio con la famiglia, lui muore gli altri no. (La Vita è Bella)

4) Vecchio convince dei giovani ad un viaggio avventuroso. (La Compagnia dell'Anello)

5) Industriale in costume combatte il crimine. (Batman)

6) Eroe di guerra entra nel business di famiglia.(Il Padrino)

7) Ragazza vomita e parla in modo osceno. (L'esorcista)

8) La feccia ribelle ha problemi con papà. (Star Wars 4-5-6)

9) Vanno in normandia a prendere un soldato, muoiono tutti (Salvate il soldato Ryan)

10)Orco con asino logorroico salva principessa. (Shrek)

11)Industriale del cioccolato uccide bambini. (La fabbrica di cioccolato)

12)Ragazza in coma sogna delle scarpe rosse. (Il mago di OZ)

13)I ricchi genitori muoiono, il figlio costruisce gadget. (Iron Man)

14)Non ne parlerai con nessuno. (Fight Club).

15)Donna ossessiva compulsiva sfoga la sua ira. (Kill Bill vol.1)

16)Veterano, schiaccia una gang e da la macchina in eredità a un coreano). (Gran Torino)

17) Pilota di F14 gioca a Pallavolo e van in moto. (Top Gun)

18)Una barca inaffondabile affonda. (Titanic)

19)Alieno trova bambino e torna a casa (E.T.)

20) Uomo con un hard disk nel cervello trasporta informazioni. (Johnny Mnemonic)

di Aruspice per quora.com

A Home For The Holidays Completed (2023) | English | Romance Company: 101 Films International Cast: Shannon Elizabeth, Daniel Cudmore Director: Kyle Cooper A local hardware store owner purchases a run-down house in a small Colorado town, only for the heir of the original owner to show up with his 10-year-old son to reclaim it.  Shannon Elizabeth (American Pie) and Daniel Cudmore (X-men 2) star in A Home for the Holidays, a festive romance set in the foothills of the Rocky Mountains.  After years of trying to purchase an old, abandoned house in a small Colorado town, Ella Chandler (Elizabeth), a local hardware store owner, is ecstatic to finally be in possession of the run-down Lewis mansion which no one has come forward to claim in 30 years.  Not long after taking possession, the heir of the original owner, Russell Lewis (Cudmore), and his 10-year-old son Ben (Dreyden Stevens), show up to claim what is rightfully theirs. After a tense few days, it’s settled – they will live in the house together until ownership is resolved. Hammers and sparks fly, but is romance in the air? Il proprietario di un negozio di ferramenta locale acquista una casa fatiscente in una piccola città del Colorado, ma l'erede del proprietario originale si presenta con suo figlio di 10 anni per reclamarla.  Shannon Elizabeth (American Pie) e Daniel Cudmore (X-men 2) recitano in A Home for the Holidays, una festosa storia d'amore ambientata ai piedi delle Montagne Rocciose.  Dopo anni di tentativi di acquistare una vecchia casa abbandonata in una piccola città del Colorado, Ella Chandler (Elizabeth), proprietaria di un negozio di ferramenta locale, è entusiasta di essere finalmente in possesso della fatiscente villa di Lewis che nessuno si è fatto avanti. rivendicare in 30 anni.  Non molto tempo dopo averne preso possesso, l'erede del proprietario originale, Russell Lewis (Cudmore), e suo figlio di 10 anni Ben (Dreyden Stevens), si presentano per reclamare ciò che è loro di diritto. Dopo alcuni giorni di tensione, è deciso: vivranno insieme nella casa fino a quando la proprietà non sarà risolta. Volano martelli e scintille, ma il romanticismo è nell'aria?

Left Behind - Rise Of The Antichrist Completed (2023) | English | Thriller Company: 101 Films International Cast: Kevin Sorbo, Neal McDonagh, Corbin Bernsen Director: Kevin Sorbo After millions of people vanish and the world falls into chaos, the only light is a charismatic new leader who rises to become head of the U.N. But does he bring hope for a better future? Or is it the end of the world?  When millions of people suddenly vanished in the Rapture, the world was plunged into a state of emergency. Financial markets collapsed, governments toppled and a worldwide lockdown ensued. Now, six months later, people are just beginning to recover from the trauma. So when a so-called ‘expert’ claims that a second wave of vanishings is imminent, news anchor Cameron ‘Buck’ Williams (Greg Perrow) sets out to disprove her theory. Against the wishes of his boss, Steve Plank (Corbin Bernsen), and his network, Buck teams up with hacker Dirk Burton (Stafford Perry) and together they stumble onto a conspiracy to take control of the global money supply led by billionaire media magnate Jonathon Stonagal (Neal McDonough). At the same time, Buck’s girlfriend Chloe Steele (Sarah Fisher) and her father, Rayford Steele (Kevin Sorbo), are on a very different journey. Ray believes that his wife’s disappearance was, in fact, the Rapture, but what does that mean? What can he do now, and how can he convince Chloe? Desperate for answers in a world where Biblical Truth has been censored and vilified, Ray finally finds the answers he is looking for in the last place he would have expected to find them.   Dopo che milioni di persone sono scomparse e il mondo è caduto nel caos, l'unica luce è un nuovo leader carismatico che diventa capo delle Nazioni Unite. Ma porta speranza per un futuro migliore? O è la fine del mondo?  Quando milioni di persone sono improvvisamente scomparse nel Rapimento, il mondo è precipitato in uno stato di emergenza. I mercati finanziari sono crollati, i governi sono caduti e ne è seguito un blocco mondiale. Ora, sei mesi dopo, le persone stanno appena iniziando a riprendersi dal trauma. Quindi, quando un cosiddetto "esperto" afferma che una seconda ondata di sparizioni è imminente, il presentatore di notizie Cameron "Buck" Williams (Greg Perrow) si propone di confutare la sua teoria. Contro la volontà del suo capo, Steve Plank (Corbin Bernsen), e della sua rete, Buck fa squadra con l'hacker Dirk Burton (Stafford Perry) e insieme si imbattono in una cospirazione per prendere il controllo dell'offerta di denaro globale guidata dal miliardario magnate dei media Jonathon Stonagal (Neal McDonough). Allo stesso tempo, la fidanzata di Buck, Chloe Steele (Sarah Fisher) e suo padre, Rayford Steele (Kevin Sorbo), intraprendono un viaggio molto diverso. Ray crede che la scomparsa di sua moglie sia stata, in effetti, il rapimento, ma cosa significa? Cosa può fare ora, e come può convincere Chloe? Alla disperata ricerca di risposte in un mondo in cui la verità biblica è stata censurata e diffamata, Ray trova finalmente le risposte che sta cercando nell'ultimo posto in cui si sarebbe aspettato di trovarle.

Miracle at Manchester Completed (2022) | English | Drama, Family Company: BMG Global Cast: Dean Cain, Eddie McClintock, Daniel Roebuck, Kory Getman Director: Eddie McClintock A hopeful story based on actual events of how a community organizes a miracle for a teen battling an aggressive form of brain cancer while two men find their restoration in his healing journey and a father finds his faith again.   Una storia piena di speranza basata su eventi reali di come una comunità organizza un miracolo per un adolescente che combatte contro una forma aggressiva di cancro al cervello mentre due uomini trovano la loro guarigione nel suo viaggio di guarigione e un padre ritrova la sua fede.

Mr. Anderson's Possessed Car Completed (2023) | English | Comedy, Horror Company: Indie Rights Cast: Stephen Thomas, Mark Gratton, Staci Santangelo, Stephen Weser, Marc Matthesson Director: Maria Galindo A Texas Jesus freak buys a possessed car and goes through hell to get rid of it!   Un maniaco del Texas Jesus compra un'auto posseduta e attraversa l'inferno per liberarsene!

One For All: The DJ Chris Villa Story Completed (2023) | English | Documentary Company: Indie Rights Cast: Chris Villa, Terra Villa, Matt Villa, Javin, Espinosa Director: Jeremy A. Lopez Rising star DJ Chris Villa seeks redemption as he competes in the Red Bull 3Style World Championship (the "Olympics of DJ-ing") as one of 6 US Finalists.   L'astro nascente DJ Chris Villa cerca la redenzione mentre gareggia nel Red Bull 3Style World Championship (le "Olimpiadi del DJing") come uno dei 6 finalisti statunitensi.

Pay the Lady Completed (2023) | English | Thriller Company: Indie Rights Cast: Lauryn Ford, Maurice Whitfield, Dushaun Thompson, Robert Dobson, Missira Ross Director: Lina Green Pay the Lady is an urban neo-noir thriller about an abused wife who seeks revenge against her crime-boss husband.   Pay the Lady è un thriller urbano neo-noir su una moglie maltrattata che cerca vendetta contro il marito boss del crimine.

The Toy Soldiers Completed (2023) | English | Drama Company: Indie Rights Cast: Najarra Townsend, Chandler Rylko, Constance Brenneman, Jeanette Steiner Director: Erik Peter Carlson On one evening in a decade of sex, drugs and rock 'n' roll, the innocence of youth and family unravels. Five lives will change forever on this final evening before their hangout, The Toy Soldiers Roller Rink, closes its doors.   In una sera in un decennio di sesso, droga e rock 'n' roll, l'innocenza della giovinezza e della famiglia si dipana. Cinque vite cambieranno per sempre in quest'ultima sera prima che il loro ritrovo, The Toy Soldiers Roller Rink, chiuda i battenti.

Wild Boys Completed (2023) | English | Action/Adventure, Comedy Company: Indie Rights Cast: Kate Frampton Davis, Vincent Catalina, Jordan Laemmlen, Vince Major Director: Morten Forland When her father's last will demands her to undertake a treasure hunt, recluse Kate must venture into the wild to save her home and unexpectedly finds her life changed forever by the strangers she meets along the way.   Quando le ultime volontà di suo padre le chiedono di intraprendere una caccia al tesoro, la reclusa Kate deve avventurarsi nella natura selvaggia per salvare la sua casa e scopre inaspettatamente che la sua vita è cambiata per sempre dagli estranei che incontra lungo la strada.

da The Film Catalogue Weekly

Dorothy è una piccola bambina orfana che abita in Kansas con i suoi zii. Un giorno, un tornado spazza via la loro casa, con Dorothy all’interno, trasportandola nel paese di Oz. Qui, la casa, cadendo per terra, schiaccia la strega malvagia dell’Est. Nel paese di Oz, infatti, esistono quattro streghe: due buone (la strega del Nord e la strega del Sud) e due cattive (la strega dell’Est e la strega dell’Ovest).

Leggi tutto: “IL MAGO DI OZ” che spunti puoi prendere per il tuo cortometraggio?

Ecco una cosa che non è semplice ma efficace, provateci anche voi.

1. Un americano impasticcato diventa intelligente QUASI quanto un'europeo (Limitless)
2. La Brexit vista dal vivo (V per Vendetta)
3. Feticisti della pelle che leggono codici sorgente (Matrix)
4. Un tizio che mostra i deltoidi (Conan il Barbaro)
5. Alieni hippie "in fondo al mar" (The Abyss)
6. Cose grosse che si menano ignorante (Pacific Rim)
7. Simpatici idioti allo sbaraglio (Una notte da Leoni)
8. Steroidi, fonte di ogni potere (Capitan America - Il Primo vendicatore)
9. Tizi che si menano con gente a caso (i primi due Avengers…)
10. Un uomo/donna si trasforma in altro(un film di Cronenberg)
11. Tom Cruise che fa jogging (qualsiasi capitolo di Mission: Impossible)
12. Ancora???? (Edge of Tomorrow)
13. Dovete salvarmi di nuovo! (The Martian)
14. Un tizio viola una sistema alieno con un Mac (Independence Day)
15. Gamberoni venuti dallo spazio. Dannati immigrati! (District 9)

di Giovanni Dal Mas per quora.com

De Gaulle è un film del 2020 di genere Storico/Drammatico, diretto da Gabriel Le Bomin, con Lambert Wilson, Isabelle Carré, Olivier Gourmet, Laurent Stocker, Gilles Cohen, Philippe Laudenbach. Durata 108 minuti.

De Gaulle nel maggio 1940 era a capo di una divisione blindata e condusse diversi contrattacchi durante la battaglia di Francia; per questo motivo  fu promosso generale di brigata a titolo temporaneo e vuole cambiare il corso degli eventi. Successivamente venne nominato Sottosegretario di Stato alla Difesa nazionale e alla Guerra nel governo Reynaud, durante l'esodo del 1940.

Rifiutò l’armistizio chiesto da Pétain alla Germania nazista. La coppia De Gaulle si trova di fronte al collasso militare e politico della Francia.

Charles De Gaulle raggiunge Londra per negoziare con Churchill mentre Yvonne, sua moglie, si ritrova con i suoi tre figli sulla via dell’esodo.
Da Londra lanciò l'appello al popolo francese alla resistenza e a raggiungerlo nelle Forze francesi libere. Condannato a morte e privato della nazionalità francese dal regime di Vichy, volle incarnare la legittimità della Francia libera e di essere riconosciuto come tale degli Alleati.

Il film ha ottenuto 3 candidature al premio Cesar

Bel film storico, ma romanzato. Uno spaccato di storia che ci racconta le decisioni che queste persone autorevoli dovettero prendere durante l'inizio della seconda guerra mondiale. Toccante storia delle sfaccettature umane del militare; concentrarsi sulla sua famiglia, compresa sua figlia con la sindrome di Down Anne. Da vedere se ti piacciono i film più umani che reali.

Da oggi c’è una nuova stella italiana nel firmamento della Walk of Fame di Hollywood. Quella di Giancarlo Giannini: l’interprete di "Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d'agosto", "Pasqualino sette bellezze", o dei più recenti Casino Royale e Quantum of Solace della saga 007, inaugurerà la sua stella di granito rosso a pochi passi dal mitico incrocio tra Hollywood Boulevard e Vine street, vicino a quella di Gina Lollobrigida. Giannini è il secondo attore italiano ad avere una stella sul marciapiede davanti al Dolby Theatre, dove ogni anno si tiene la cerimonia degli Oscar.

da U.S. Embassy to Italy - Ambasciata Americana a Roma

Nel corso della sua lunga carriera, Giannini ha lavorato con molti dei migliori registi del panorama italiano, tra cui figurano Luchino Visconti (L'innocente, 1976), Mario Monicelli (Viaggio con Anita, 1979; I picari, 1988; Il male oscuro, 1990), Nanni Loy (Mi manda Picone, 1984, David di Donatello come miglior attore protagonista), Tinto Brass (Snack Bar Budapest, 1988) e Franco Brusati (Lo zio indegno, 1989). Fondamentale  è anche l'incontro con la regista italiana Lina Wertmüller, con lei nascono alcuni dei più celebri personaggi da lui interpretati, grotteschi e ironici: Mimì metallurgico ferito nell'onore (1972, Nastro d'argento come miglior attore), Tunin in Film d'amore e d'anarchia - Ovvero "Stamattina alle 10 in via dei Fiori nella nota casa di tolleranza..." (1973, premio come miglior attore al Festival di Cannes), il marinaio Gennarino Carunchio in Travolti da un insolito destino nell'azzurro mare d'agosto (1974) - tutti questi interpretati insieme con Mariangela Melato - Pasqualino Settebellezze (1975, candidatura all'Oscar come miglior attore protagonista), Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova. Si sospettano moventi politici (1978). (da wikipedia.org)

Sapevi che il maestro della suspense Alfred Hitchcock ha spesso collaborato sia con scrittrici che con sceneggiatrici? In effetti, ci sono molti film che potresti essere sorpreso di apprendere che sono stati scritti da donne, che si tratti di titoli classici, storicamente significativi, candidati e vincitori dell'Oscar o film che hanno ricevuto dal pubblico una valutazione al top.

In onore della Giornata internazionale della donna, vogliamo onorare le sceneggiatrici che non solo hanno dato voce a personaggi femminili forti, ma che hanno anche scritto alcuni dei migliori film di tutti i tempi.

Di seguito è riportato un elenco dei nostri film preferiti che hanno beneficiato dal punto di vista di una donna. Abbiamo separato l'elenco in tre categorie: storicamente significativo, vincitore/nominato all'Oscar e il più votato su Rotten Tomatoes. Ti consigliamo di prendere un sacchetto di popcorn, invitare un amico e organizzare una festa incredibile!

CLASSICI E FILM STORICAMENTE SIGNIFICATIVI

Ecco un elenco di film considerati storicamente significativi a causa di quanto ognuno di essi abbia influenzato Hollywood nel suo insieme e ispirato altri registi. Questi film hanno definito il cinema e mostrato a tutti ciò che è possibile.

Riesci a immaginare Hollywood senza il glorioso Technicolor o la performance iconica di Judy Garland nei panni di Dorothy in  Il mago di Oz ? O senza il film classico  Il grande sonno, un film che si è basato sulle radici europee del film noir e ha stabilito che il genere fosse unicamente americano? Goditi questo elenco di film influenti con scrittrici elencate per anno di uscita. 

CORAZZATA POTËMKIN (1925)

Diretto da Sergei Eisenstein | Sceneggiatura di Nina Agadzhanova, Sergei Eisenstein e Grigoriy Aleksandrov

METROPOLIS (1927)

Diretto da Fritz Lang | Sceneggiatura di Fritz Lang e Thea von Harbou

KING KONG  (1933)

Diretto da Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack | Sceneggiatura di James Creelman e Ruth Rose

BIANCANEVE E I SETTE NANI  (1937)

Diretto da David mano | Sceneggiatura di Ted Sears, Richard Creedon, Otto Englander, Dick Rickard, Earl Hurd, Merrill De Maris, Dorothy Ann Blank e Webb Smith

'Biancaneve e i sette nani'

IL MAGO DI OZ  (1939)

Diretto da Victor Fleming | Sceneggiatura di Noel Langley, Florence Ryerson e Edgar Allan Woolf

FOREIGN CORRESPONDENT   (1940)

Diretto da Alfred Hitchcock | Sceneggiatura di Joan Harrison e James Hilton

IL GRANDE SONNO  (1945)

Diretto da Howard Hawks | Sceneggiatura di William Faulkner, Leigh Brackett e Jules Furthman.

LADRI DI BICICLETTE  (1948)

Regia di Vittorio De Sica | Sceneggiatura di Oreste Biancoli, Suso D'Amico, Vittorio De Sica, Adolfo Franci, Gherardo Gherardi e Cesare Zavattini

"Ladri di biciclette"

RIO BRAVO (1959)

Diretto da Howard Hawks | Sceneggiatura di Leigh Brackett, basata su un racconto di BH McCampbell

GRAFFITI AMERICANI  (1973)

Diretto da George Lucas | Sceneggiatura di George Lucas, Gloria Katz e Willard Huyck

HALLOWEEN  (1978)

Diretto da John Carpenter | Sceneggiatura di Debra Hill

ET L'EXTRATERRESTRE (1982)

Diretto da Steven Spielberg | Sceneggiatura di Melissa Mathison

"ET l'extraterrestre"

FILM VINCITORI DI OSCAR / NOMINATI

Questi film di scrittrici donne sono stati nominati o hanno vinto l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale o la migliore sceneggiatura adattata. Abbiamo anche incluso i vincitori del miglior film e le nomination per i film scritti e diretti dalla stessa persona. Ogni film in questa lista è emotivamente potente con personaggi che senza dubbio ispireranno i cineasti per molto tempo nel prossimo secolo. I film selezionati sono elencati per anno di uscita.

TESTIMONE  (1985)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Peter Weir | Sceneggiatura di Pamela Wallace, Earl W. Wallace e William Kelley

HARRY TI PRESENTO SALLY  (1989)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Rob Reiner | Sceneggiatura di Nora Ephron

THELMA E LUISA  (1991)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Ridley Scott | Sceneggiatura di Callie Khouri

LA FINE DI HOWARD (1992)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Diretto da James Ivory | Sceneggiatura di Ruth Prawer Jhabvala basata sull'omonimo libro di EM Forster

IL PIANOFORTE  (1993)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Scritto e diretto da Jane Campion

'Il piano'

RAGIONE E SENTIMENTO  (1995)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Diretto da Ang Lee | Sceneggiatura di Emma Thompson, basata sull'omonimo libro di Jane Austen

LOST IN TRANSLATION   (2003)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Scritto e diretto da Sofia Coppola

I SEGRETI DI BROKEBACK  (2005)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Diretto da Ang Lee | Sceneggiatura di Larry McMurtry e Diana Ossana basata sul racconto “Brokeback Mountain” di Annie Proulx

GIUNONE  (2007)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Jason Reitman | Sceneggiatura di Diablo Cody

PERSEPOLI  (2007)

NOMINATO PER IL MIGLIOR LUNGOMETRAGGIO D'ANIMAZIONE

Scritto e diretto da Vincent Paronaud e Marjane Satrapi

'Persepoli'

FIUME GHIACCIATO (2008)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Scritto e diretto da Courtney Hunt

I BAMBINI STANNO BENE  (2010)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Lisa Cholodenko | Sceneggiatura di Lisa Cholodenko e Stuart Blumberg

DAMIGELLE D'ONORE  (2011)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Paul Feig | Sceneggiatura di Annie Mumolo e Kristen Wiig

PRIMA DI MEZZANOTTE  (2013)

NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Direttore: Richard Linklater | Sceneggiatura di Richard Linklater, Julie Delpy e Ethan Hawke

DENTRO E FUORI  (2015)

NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE | VINCITORE DEL MIGLIOR LUNGOMETRAGGIO D'ANIMAZIONE

Diretto da Pete Docter e Ronnie Del Carmen | Sceneggiatura di Meg LeFauve, Pete Docter, Josh Cooley e Ronnie Del Carmen

'Alla rovescia'

LADY BIRD  (2017)

NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE | NOMINATO PER IL MIGLIOR FILM

Regia: Greta Gerwig | Sceneggiatura di Greta Gerwig

IL GRANDE MALATO  (2017)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Michael Showalter | Sceneggiatura di Emily V. Gordon e Kumail Nanjiani

THE SHAPE OF WATER  (2017)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Guillermo del Toro | Sceneggiatura di Guillermo del Toro e Vanessa Taylor

MUDBOUND  (2017)

NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Diretto da Dee Rees | Sceneggiatura di Dee Rees e Virgil Williams

IL PREFERITO  (2018)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Yorgos Lanthimos | Sceneggiatura di Deborah Davis e Tony McNamara

"Il preferito"

1917  (2019)

CANDIDATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Diretto da Sam Mendes | Sceneggiatura di Sam Mendes e Krysty Wilson-Cairns

GIOVANE PROMESSA  (2020)

VINCITORE DELLA MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE

Scritto e diretto da Emerald Fennell

NOMADLAND  (2020)

VINCITORE DEL MIGLIOR FILM | NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Scritto e diretto da Chloé Zhao

CODA  (2021)

NOMINATO PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA ADATTATA

Scritto e diretto da Sian Heder, basato sul film francese  La Famille Belier di Victoria Bedos, Eric Lartigau e Stanislas Carré de Malberg

'CODA'

IL PUNTEGGIO PIÙ ALTO SUL SITO ROTTEN TOMATOES

Mentre i premi sono davvero entusiasmanti e aiutano a portare attenzione e prestigio a un film, l'accoglienza da parte della critica e del pubblico è ciò che fa o distrugge davvero un film e gli conferisce longevità.

Ecco le 20 sceneggiature più votate scritte da donne dal sito web di aggregazione di recensioni Rotten Tomatoes. Alcune delle voci potrebbero sorprenderti! 

ESTATE 1993  (2017)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Carla Simón

REBECCA (1940)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Alfred Hitchcock | Sceneggiatura di Joan Harrison e Robert E. Sherwood | Adattamento del romanzo di Daphne Du Maurier

QUO VADIS, AIDA?  (2021) 

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Jasmila Žbanić

LAURA (1944)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Otto Preminger | Sceneggiatura di Jay Dratler, Samuel Hoffenstein ed Elizabeth Reinhardt

CANTANDO SOTTO LA PIOGGIA (1952)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Stanley Donen e Gene Kelly | Sceneggiatura di Betty Comden e Adolph Green

"Cantando sotto la pioggia"

SLALOM  (2021)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Regia di Charlène Favier | Sceneggiatura di Charlène Favier e Marie Talon

TRE COLORI: ROSSO  (1994)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Krzysztof Kieslowski | Sceneggiatura di Krzysztof Kieslowski, Krysztof Piesiewicz e Agnieszka Holland

L'OMBRA DEL DUBBIO  (1943) 

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Alfred Hitchcock | Sceneggiatura di Gordon McDonell, Thornton Wilder, Sally Benson e Alma Reville

CORAZZATA POTËMKIN  (1926)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Sergei M. Eisenstein | Sceneggiatura di Nina Agadzhanova, Nikokay Aseev, Sergei M. Eisensten e Sergei Tretyakov

PRIMA DELL'ALBA  (1995)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Richard Linklater | Sceneggiatura di Richard Linklater e Kim Krizan

'Prima dell'alba'

ALVEARE  (2021)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Blerta Basholli

TOPOLINO E L'ORSO  (2019) 

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Annabella Attanasio

RAGNI DI CARTA  (2021)

100% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Inon Shampanier | Sceneggiatura di Natalie Shampanier

LADY BIRD  (2017)

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Greta Gerwig

MAI RARAMENTE A VOLTE SEMPRE  (2020)

 CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Eliza Hittman

"Mai Raramente A volte Sempre"

LE COSE A VENIRE  (2017)

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Mia Hansen-Løve

LA MIA VITA DA ZUCCHINA  (2016)

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Diretto da Claude Barras | Sceneggiatura di Celine Sciamma

ET L'EXTRATERRESTRE (1982 )

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Direttore: Steven Spielberg | Sceneggiatura di Melissa Mathison

WADJDA (2013)

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Haifaa Al-Mansour

MISS JUNETEENTH  (2020) 

CERTIFICATO AL 99% SU Rotten Tomatoes

 Scritto e diretto da Channing Godfrey Peoples

"Miss Juneteenth"

SCONOSCIUTI SU UN TRENO (1951)

98% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Alfred Hitchcock | Sceneggiatura di Czenzi Ormonde e Raymond Chandler | Adattato dal romanzo di Patricia Highsmith

LA VERSIONE QUARANTENNALE  (2020)

98% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Radha Blank

IL BABADOOK  (2014)

98% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Jennifer Kent

TOY STORY 4  (2019)

97% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Josh Cooley | Sceneggiatura di Stephany Folsom e Andrew Stanton

L'ADDIO  (2019)

97% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

 Scritto e diretto da Lulu Wang

'L'addio'

IL CAVALIERE  (2017)

97% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Scritto e diretto da Chloé Zhao

COSA C'ENTRA L'AMORE  (2003)

96% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Brian Gibson | Sceneggiatura di Tina Turner, Kurt Loder e Kate Lanier

BOOKSMART  (2019)

96% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Olivia Wilde | Sceneggiatura di Katie Silberman, Emily Halpern, Sarah Haskins e Susanna Fogel

LA PRIMA MUCCA  (2019)

96% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

Diretto da Kelly Reichardt | Sceneggiatura di Kelly Reichardt | Adattato dal romanzo di Jonathan Raymond

UNA RAGAZZA TORNA A CASA DA SOLA DI NOTTE (2014)

96% CERTIFICATO Rotten Tomatoes

 Scritto e diretto da Ana Lily Amirpour

"Una ragazza torna a casa da sola di notte"

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Scrittrici che identificano le donne che trovano più successo sul grande schermo (oltre che in TV). Hollywood ha ancora molta strada da fare per raggiungere la parità di genere nel mondo del cinema, ma un nuovo rapporto di Re-Frame e IMDb afferma che nel 2021 un totale di 31 film sono stati scritti da donne, con un aumento del 47,6% rispetto al 21 film scritti da donne nel 2020!

Questo è il progresso.

di Shanee Edwards  per screencraft.org

Maddalena Cecconi (Anna Magnani) è una popolana romana che sogna per la sua bambina  un avvenire da star, e per ottenerlo è disposta a ogni sacrificio, anche a mettere in crisi il matrimonio. L'impatto col mondo dello spettacolo, dove un trafficone (Walter Chiari) con la scusa di aiutarla le ruba tutti i risparmi, le farà cambiare idea.

Prima di realizzare "Bellissima" (1951) Visconti dovrà attendere oltre tre anni. L'opera segna il suo incontro, con quasi dieci anni di ritardo, con Anna Magnani (che avrebbe voluto nella parte di Giovanna in "Ossessione") e con Cesare Zavattini, e soprattutto consente al regista di ritornare a un'idea di cinema e di regia più aderente alla sua poetica, basata sull'esaltazione della professionalità e sulla massima riduzione dell'improvvisazione. La componente più chiaramente neorealista la vediamo comunque (Visconti aveva un suo stile diverso da Zavattini ma in comune un clima generale e una sensibilità che oggi vediamo più chiaramente) alle spalle di Anna Magnani, Visconti dispone tutto un coro di voci popolari che si muovono e si intrecciano di continuo consentendo uno sguardo lucido su condizioni croniche di miseria e di fame di un'Italia appena uscita dalla fase della ricostruzione e pronta a guardare appena al di là dell'orizzonte dei bisogni immediati. A questo italiano popolare il cinema si offre in tutta la sua capacità fascinatrice non solo di fabbrica di sogni, ma di luogo privilegiato entro il quale si può realizzare il desiderio di mutamento improvviso dello status sociale. 
Visconti smonta con crudeltà la macchina cinematografica, cerca di spingere lo sguardo alle spalle della macchina da presa mostrando l'assoluta inconsistenza ideale e morale del mondo del cinema. Ci troviamo quindi di fronte ad un film che parla di cinema.
Ancora una volta Anna Magnani, la cui figlia è stata selezionata per divenire la protagonista del film, mostra il senso di una sconfitta dinanzi al rifiuto del grande regista (Alessandro Blasetti), che è il rifiuto della grande occasione della vita. 

La bimba viene ammessa al provino. Ma quando Maddalena vede l'immagine della piccola Maria impacciata e piangente tra le risate del regista e degli aiutanti, s'infiamma di sdegno e dopo aver fatto una violenta scenata, porta via la bambina.
Indignata e avvilita la madre si rende conto delle sue aspirazioni sbagliate e rinuncia al fruttuoso contratto che le viene effettivamente proposto dal regista, che aveva visto in quella bimba, in un secondo momento, qualità espressive non comuni.

Questa sconfitta non è tanto e solo del personaggio popolare rispetto alla macchina dei sogni rappresentata dal cinema di Cinecittà, ci si trova di fronte a molti più significati, è anche un modo di leggere con pessimismo l'utopia sempre presente, di dare al cinema dei significati culturali e politici spesso delusi, utopia che in parte attraversò lo stesso Visconti, ricordiamo ancora che fu proprio il Neorealismo che spesso o in parte diede l'illusione di poter far recitare tutti con facilità, in una ottica ovviamente diversa da come la  proponevano al pubblico allora, nello stesso tempo il film ribadisce ancora una volta la capacità di chi credeva in quella utopia di riproporre comunque un discorso critico su di un certo modo di vivere e fare cinema. Da ricordare la sequenza ove la Magnani incontra una ex attrice ora segretaria a cinecittà che le smonta tutta la falsità del sogno in celluloide, pur nello stile di Visconti, il film rientra pienamente nel clima neorealista e a distanza di anni continua ad avere su nuovi spettatori un impatto ancora di rottura, oggi come allora i sogni facili fabbricati ad arte sono alla base dei nostri discorsi sulla verità e la finzione nello spettacolo.

Ricordiamo la collaborazione alla lavorazione del film del regista Francesco Rosi e la sceneggiatura di Suso Cecchi D'amico, sceneggiatrice di molti film di Visconti.

 Anno: 1951
 Durata: 113'
 Origine: Italia
 Colore: Bianco E Nero
 Genere: Drammatico
 Regia: Luchino Visconti
 Soggetto: Cesare Zavattini
 Fotografia: Piero Portalupi
 Montaggio: Mario Serandrei
 Sceneggiatura: Suso Cecchi D'amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti
 Musiche: Franco Mannino
 Scenografia: Gianni Polidori
 Produzione: Salvo D'angelo per la Bellissima Film Srl

Vittorio De Sica nacque in Ciociaria (Sora) nel 1902, da una famiglia di modeste condizioni economiche; ma la sua vera patria fu Napoli, dove crebbe e cominciò a bazzicare l'ambiente dello spettacolo, si trasferisce a Roma dove più tardi si diploma ragioniere. 

Regista di fama internazionale famoso come attore e anche come cantante già negli anni trenta, confluiscono in lui componenti tipiche dello spettacolo italiano in una perfetta sintesi: Teatro ''leggero'' canzone, cinema, avanspettacolo, teatro colto, recitazione, non ultima l'influenza di una città come Napoli ricca di fermenti teatrali e non solo, grande sensibilità umana, regista e attore tra i più popolari un personaggio completo tutto ancora da scoprire, la sua stessa popolarità rappresenta bene un intreccio tra livelli alti e cultura popolare mai appiattiti in un grossolano consumismo televisivo è commerciale, il pubblico sapeva chi era De Sica sia quando lo vedeva in tv, sia nei film ove compariva solo per esigenze economiche.... era il regista di Ladri di biciclette

Da Sottolineare anche la sua capacità di rinnovarsi. Sua la voce della famosa canzone ''Parlami d'amore Mariù'' ma anche suo un canovaccio tipico dell'avanspettacolo il ritornello ''Ludovico sei proprio un vero amico....''. Un uomo di spettacolo Italiano, insomma, che appena poteva cercava di mettere in cantiere un film di ''impegno'', ma non sempre, in specialmodo negli ultimi anni riuscì a concretizzare le sue idee, nel cinema non sempre bastano.

Il Grande regista spagnolo-francese L. Bunuel lo voleva nel  un suo ultimo film: ''L'oscuro oggetto del desiderio'', la cosa non si realizzò per la avvenuta morte di De Sica, stA comunque a significare la portata internazionale del nostro.  

A Roma,  nel 1924, De Sica ottenne una scrittura nella compagna di Tatjana Pavlova, la discepola di Stanislovski da poco emigrata in Italia (è Gastone nella Signora delle Camelie). Tre anni dopo recita Pirandello con Sergio Tofano, e nel giro di altri tre anni diventa "primo attore". 

E' l'epoca degli attori dal colletto ''intostato" che cantano con sussiego e vanità ("Ludovico sei bello come un fico" la sua sigla). Da Pirandello De Sica approda così al teatro leggero, sotto la guida del regista Mario Mattoli (poi regista di film con Totò) allora specializzato in spettacoli comico-brillanti. La maschera galante di quell'attore giovane conquista presto anche i cineasti; ma soltanto al quinto tentativo, alle dipendenze di Camerini, i produttori si convincono che De Sica è il protagonista ideale della commedia amorosa borghese. La sua prima apparizione in un film risale al 1912, quando ancora bambino recita una parte in "Il processo Clémenceau", nascono così: "Gli uomini che mascalzoni" (1932) di Mario Camerini, La segretaria per tutti (1933) di Palermi, Darò un milione (1936), "Il signor Max" (1937), "Grandi magazzini" (1939) ancora di Camerini, Napoli d'altri tempi (1938) di Palermi, Tempo massimo (1934) di Mattoli e altri ancora. Nel 1940 è l'attore più amato dal pubblico femminile insieme con Amedeo Nazzari. 

Ma De Sica, grazie alla grande, ma misconosciuta spesso dalla critica, scuola del varietà, è già qualcosa di più; nella sua tecnica di recitazione confluiscono le migliori espressioni della rivista italiana nel suo massimo splendore: il macchiettismo cinico e levigato, da cafe' chantant, di Petrolini e del teatro popolare napoletano, l'accorata mimica di Angelo Musco, le pantomime parodistiche di Fregoli. Da questo patrimonio popolare De Sica apprese gli elementi di una recitazione semplice e comunicativa, ma al tempo stesso profonda e acuta, di un rigore quasi classico, e sempre fedele a un concetto chiaro e preciso di serietà professionale.

Nel filone comico-sentimentale De Sica esordisce anche alla regia. Rose scarlatte (1940)  una timida analisi della tentazione all'adulterio, "Maddalena zero in condotta" (1941), una commedia degli equivoci di ambiente collegiale, "Teresa venerdì" (1941), il melodramma della conversione di un "mascalzone" (la cui amante, Anna Magnani, è una canzonettista) ad opera dell'orfana che fa la sguattera nel suo orfanotrofio. De Sica mostra subito una propensione alla satira contro gli ambienti repressivi, contro i tutori ottusi, contro l'ipocrisia di classe, e una naturale simpatia per le sognatrici, che violano le convenzioni e sono vittime di persecuzioni. Benchè dominino i dettami della commedia "cameriniana"(del regista M.Camerini, importante regista degli anni trenta) (il mascalzone, il collegio) e della rivista (la canzonettista, gli equivoci), De Sica si avvicina già ad un mondo fino allora trascurato dal cinema, il mondo dell'infanzia (gli orfanelli).

"Un garibaldino al convento" (1942) è ambientato fra le educande di un convento, due delle quali provengono da famiglie rivali, l'una è di carattere mite e tranquilla, ma l'altra, invidiosa dei suoi modi aristocratici, la detesta e una loro maligna compagna attizza i contrasti; ma quando un giovane garibaldino ferito e braccato chiede loro aiuto si danno da fare per soccorrerlo e per trovargli un rifugio nella casetta del giardiniere il quale si rivela un ammiratore del generale; entrambe si innamorarono del giovane, ma lui ricambia la prima ed all'altra non rimane che soffocare stoicamente i singhiozzi; ed è proprio lei a correre da Bixio quando gli altri tre, barricati nella casetta devono fare fronte all'assedio dei borbonici. Con questo film, che peraltro rientra smaccatamente nel genere nazionalistico conseguente all'entrata in guerra dell'Italia che imita goffamente gli stereotipi di Hollywood ("Arrivano i nostri"), e che rimane fedele al film d'ambiente collegiale, De Sica compie un importante passo avanti poichè si stacca dalla recitazione solita, rinuncia alla replica scontata dal proprio personaggio, si rinnova.

In piena guerra De Sica si associò a Zavattini. Per il regista l'incontro segnò una svolta: abbandonando i temi della commedia rosa e dedicandosi interamente alla regia. De Sica e Zavattini affrontano l'altra faccia della vita piccolo-borghese e popolare, quella cupa e drammatica. Il clima bellico d'altronde respingeva come anacronistico il sentimentalismo degli anni trenta, e incombeva con tutto il suo immane orrore sull'animo della gente. ''I Bambini ci Guardano" (1943) ha per protagonista un bambino, che è a sua volta spettatore: spettatore di una violenta crisi familiare. Sua madre abbandona suo padre per vivere con l'amante, e il padre si arrabatta per sistemarlo prima in una sartoria, (la cui proprietaria se la fa con un commendatore e le cui commesse si confidano sottovoce le loro avventure), poi dalla nonna in campagna (la cui servetta ha una relazione con il farmacista) e infine a casa di nuovo perchè la mamma è tornata. Ma durante una vacanza al mare (dove la spiaggia pullula di corteggiatori) l'amante viene a trovare la donna; il bambino fugge via in lacrime e quando i carabinieri lo riaccompagnano dalla mamma, lei lo riporta a casa, ma non vi rimane. Il bambino osserva senza capire tanti episodi che rimandano tutti alla stessa immagine, quella dell'incontro iniziale ai giardini fra la madre e l'amante. Negli occhi del bambino passano ambienti squallidi, dal condominio di casa sua (le pettegole che commentano la separazione o il suicidio) alla spiaggia, dalla sartoria al casolare della nonna. I turbamenti del bambino nascono dal contrasto fra un mondo magico che lo affascina e il crudele distacco della madre che questo mondo provoca. L'attenzione all'infanzia sarà una caratteristica del Neorealismo ed anche  F. Trauffaut ebbe la stessa sensibilità.

Nelle mani di De Sica il bambino è soprattutto uno strumento potentissimo per riprendere la realtà: un occhio che guarda. Il clima fatale del film, lo squallido quadro sociale l'incombente senso di catastrofe, il retroscena da film noir, si fondono con un senso chapliniano (molto presente nel nostro persoanggio l'influenza di Chaplin) dell'infanzia vittima della società repressiva. Non a caso il film termina ancora una volta in un collegio, in una prigione per bambini.

Durante l'occupazione De Sica e Zavattini producono in Vaticano: "La parte del cielo" (1944), resoconto di un viaggio in treno compiuto da operai, contadini, e altri umili, che per le precarie condizioni di realizzazione, costituisce il primo esempio di cinema neorealista, fra un coprifuoco e l'altro, lavorando nella basilica o in qualche scantinato, e facendo recitare i rifugiati, riusciranno a scampare ai tedeschi che volevano portarli al nord con la scusa di essere già impegnati con il Vaticano. La sensibilità di De Sica sceglie chiaramente, in quei momenti tragici, la solidarietà e il rifiuto della ottusità Nazista.

"Sciuscià" (1946) fu il film che propagandò meglio di ogni altro l'immagine di un paese, devastato eppure poetico, quale era l'Italia del dopoguerra. Il film nasceva dall'impegno morale di denunciare il fenomeno dei bambini abbandonati e il sistema carcerario che li opprime; cioè da una maturazione in chiave sociale del prediletto tema "collegiale" (presente nel film ''I bambini ci guardano'').

Gli interpreti furono assoldati in riformatorio e le riprese avvennero per le strade di Roma. Sugli schermi di tutto il mondo si potevano così vedere i vicoli squallidi e soffocanti dei quartieri popolari e le precarie condizioni di vita dei loro abitanti. L'immagine internazionale del neo-realismo era completata dall'accorata partecipazione del regista alle disavventure dei bambini, dalla poesia che egli riusciva a far scaturire da tanta maceria di civiltà, e dall'insolito ritmo narrativo, al tempo stesso sobrio e preciso, acuto e lineare. Due bambini lustra-scarpe (shoe-shire) spendono i soldi ricavati dal loro lavoro nell'acquisto di un cavallo bianco (simbolo Zavattiniano del desiderio di riscatto dalla condizione di schiavitù e della laida miseria), ma coinvolti in un furto, vengono internati in un riformatorio dove devono subire le prepotenze dei giovinastri violenti e amorali nonchè dei sorveglianti disumani: la loro amicizia viene infatti spezzata dalla crudele separazione, che propone loro nuove conoscenze in due celle diverse. Il più piccolo evade seguendo un suo nuovo amico durante un incendio. Il più grande, sentendosi tradito, lo insegue deciso a vendicarsi, ma causa involontariamente la sua morte e, mentre il bambino agonizza ai suoi piedi vede passare nella notte il cavallo bianco. Attorno ai due bambini (e visti attraverso i loro occhi) si muovono le macchiette all'italiana del rigattiere, della chiromante, delle famiglie accatastate in ricoveri di fortuna, tutta gente maestra nell'arte di arrangiarsi e ridotta alla più totale miseria. Il realismo fiabesco e il moralismo di Zavattini si intrecciano al tocco del regista, in quell'umano tenero indugiare sull'amicizia dei due bambini e sulle brutalità del mondo. L'arte di De Sica nasce in effetti da una sua ''carenza'': uno sguardo non politicizzato ma non per questo povero o superficiale e una documentazione cinematografica non tecnicamente alta e proprio per questo più realista. Una autenticità non mediata da nessuna ideologia preconfezionata, un ''provincialismo'' autonomo da facili esterofilie caratterizza il meglio del Neorelismo (Fenoglio) di quegli anni e non solo a cinema, lo conferma il succeso internazionale del film.

Analogo mondiale successo ottenne "Ladri di biciclette" (1948), storia di un disoccupato che, trovato lavoro come attacchino, riscatta la bicicletta, lo strumento indispensabile del suo nuovo lavoro, impegnando le lenzuola; ma mentre è intento a incollare un manifesto qualcuno gliela ruba e il disgraziato, poco fiducioso nella polizia, comincia una disperata ricerca in compagnia del figlioletto.
Girato per le strade di Roma con un vero disoccupato, il film aveva qualche debito con ''The crand'' (La Folla) di K. Vidor per la solitudine dell'individuo in balia di una folla indifferente se non ostile del suo dramma, e soprattutto The Kid (il Monello) di Chaplin per la solidale complicità fra i due vagabondi: un uomo e un  bambino.

Pur dispiegando al massimo grado il suo sentimentalismo, De Sica riuscì a costruire un reportage fedele; e ciò grazie in primo luogo alle sue magistrali doti di direttore di attori. De Sica ripete in effetti  il capolavoro di  ''Sciuscià'', ricalcando anche il leitmotiv della coppia di amici; ma questa volta li immerge in un viaggio infernale di tono morale e sociale.

L'umanitarismo generico di De Sica disegna l'inferno dei poveri a grandi tinte emotive indicando fra le righe che in quell'inferno si annidano tanti piccoli paradisi, costituiti da nuclei familiari e dalle amicizie. Il merito più grande di De Sica sta nella disinvoltura con cui tratta quest'inferno e questi paradisi, nell'amore con cui li ritrae, nella capacità di renderne l'essenza fatta di rassegnazione e fierezza.

Il paradiso dei poveri agognato da De Sica è quello di "Miracolo a Milano" (1950), una fiaba scaturita dalla mente surreale di Zavattini e dalla censura imposta dal ''regime'' democristiano: erano film attaccati dalla censura perchè di denuncia, fu un compromesso d'alta classe, uno dei vertici poetici del regista, anche se "ricco" dal punto di vista della realizzazione. 

Stupenda l'utopia finale di ''un altro mondo è... impossibile'': in pieno centro a Milano, i miracolati morti di fame si liberano volando; esauditi i desideri dei miserabili, il ragazzo (Totò, tratto da un romanzo di Zavattini ''Totò il buono'') invoca l'ultimo miracolo ed una legione di barboni a cavallo di scope sottratte agli spazzini si leva in volo sulla città, lasciando la terra ai ricchi e lanciandosi verso il paradiso dei poveri.

I temi tipici di De Sica / Zavattini fioccano a ripetizione: l'infanzia, l'orfanotrofio, la solitudine nella folla, la solidarietà, la miseria, il paradiso dei poveri.

I matti cari a Zavattini. Il film si ispira indubbiamente alla favolistica, tanto quella occidentale (fate, streghe) quanto a quella orientale (la colomba magica), ma anche ai vangeli: il ragazzo è una sorta di Cristo comparso in un buffo presepe, a realizzare la profezia degli umili e del Regno di Dio. Ma soprattutto il lieto fine è drammatico: in questo mondo non può esserci giustizia.

L'impianto favolistico nulla toglie al taglio neorealista della macchina da presa, non vi è contrapposizione con i film precedenti.

De Sica fa sempre fare alle autorità e ai tutori dell'ordine la figura dei cattivi: è questo un sintomo del suo anarchismo naïf, che si unisce con la simpatia riposta nei bambini, fortunati cittadini di un mondo senza leggi, di uno stato di natura che l'orfanotrofio o il collegio (lo Stato in ogni caso) vuol sopprimere. Totò ha il potere dell'immaginazione, è il messia di un'utopia non violenta anche se i suoi poveri capiscono ben poche delle sue idee, paurosi, superstiziosi, egoisti ed avidi; un'utopia che si conclude con una specie di suicidio collettivo. Il film è  intriso di commozione: il funerale della buona ed umile vecchietta per le strade senza un cane che l'accompagni; il ragazzo che augura una buona giornata a tutte le persone che incontra e che lo prendono per pazzo; la lotteria dell'inaugurazione con in palio un pollo.

Al di là della carica emotiva sono scene di una profonda amarezza, che riflettono la paurosa solitudine a cui ogni uomo sembra destinato. E' questo il secondo significato dell'apologo surreale, ben più profondo del primo (la fantasia dei poveri può battere la forza dei ricchi).

Ed è su questo tema che De Sica costruisce il suo capolavoro ''Umberto D'' (1952), dove tutti i suoi temi preferiti sono trasfigurati nella parabola del povero pensionato, confortato soltanto dalla compagnia di un cagnolino bastardo. Presa la decisione di uccidersi, vaga per la città; alla fine prende in braccio il cagnolino (Chaplin) per buttarsi sotto un treno, (sequenza stupenda) ma all'ultimo momento il cane, spaventato, gli scappa; e il vecchio lo rincorre, ... lo abbraccia, ... lo stringe al petto piangendo: il cane lo ha salvato!

Umberto D è un groppo in gola, un graffio nell'animo. Il più limpido e serio anti-spettacolare studio sociale di De Sica e Zavattini divenne, per la forza della poesia, anche il loro più commovente pamphlet di critica sociale. La totale solitudine di un uomo che ha passato la vita a lavorare, e l'ingratitudine della società che egli con quel lavoro ha contribuito a costruire, sono resi con pathos shakespeariano degno del Re Lear. 
Il suicidio del vecchio che nessuno vuole più e che non sa più dove andare è gia un pensiero spaventoso; ma che egli vi rinuncia per dedicarsi a un cagnolino, equivale a un suicidio più grande, al suicidio della dignità del vecchio e al suicidio della intera civiltà umana. Il film rotola di abisso in abisso, ed alla fine... che pena quel paradiso dei poveri! Ecco dove volavano i barboni di Milano!

Tutto il film poggia sulla regia attenta di De Sica, sulla interpretazione pacata e solenne del protagonista, che deve disegnare un uomo onesto, discreto e dignitoso (forse Totò da vecchio) che accetta con rassegnazione i rovesci del destino; ma che a un certo punto, per continuare ad essere onesto discreto e dignitoso, dovrebbe suicidarsi, e invece si ribella. Il cagnolino è il simbolo della rivolta contro la società che lo ha condannato a morte. Ma il cagnolino è anche il sostituto ideale del bambino di Ladri di biciclette; ed il viaggio incontro alla morte del vecchio, rassomiglia quello alla ricerca della bicicletta; così alla fine il vecchio e il cagnolino si prendono per mano e si perdono nella folla. Al culmine dell'ispirazione, De Sica riesce a far fruttare anche gli elementi più ''equivoci'' della sua arte come il sentimentalismo e l'umanitarismo. 

Il violento attacco delle autorità bigotte contro Umberto D costrinsero De Sica a riparare in America, dove ricevette i complimenti di Chaplin in persona, ma dovette anche cedere alla logica commerciale di Hollywood. "Stazione Termini" (1953) è una storia d'amore tutta vissuta in una stazione fra una americana sposata e un italiano; il film risente pesantemente dei collaboratori amici americani.

Dopo la breve e insoddisfacente parentesi americana, De Sica gira "L'oro di Napoli" (1954) film a episodi che intende dare un ritratto pittoresco del mondo napoletano (guappi, pizzaioli, nobili, mantenute e imbroglioni) e che sogna il ritorno di De Sica alla recitazione in un proprio film, oltre che confermare la sua formidabile capacità di dirigere gli altri, dal comico dirompente Totò alla diva popolana Loren (la pizzaiola) e al grande Eduardo De Filippo. La spettacolarità teatrale e questa rassegna di divi colloca il film ben al di fuori del neo-realismo e persino al di fuori delle tematiche classiche del regista stesso. L'unico episodio ancora neorealista, sul funerale di un bambino, venne tagliato dalla produzione. 
In compenso la parte recitata da lui in persona, quella del conte rovinato dal gioco, è l'atto di nascita ufficiale del nuovo De Sica attore, che, smessa la maschera del mascalzone galante, si cala nei panni del gentiluomo maturo, arguto e affascinante, amante del decoro, che cammina sempre a testa alta, già collaudato l'anno precedente in "Pane amore e fantasia" (di Comencini), e riproposto nella nutrita serie di interpretazioni  da "Pane amore e gelosia" alla dozzina di film ad episodi e commedie all'italiana proliferata nel 1954 e 55 (compresi gli ottimi film con Totò).

Dopo Il tetto (1956), altra commedia popolare, De Sica che ha sancito la fine del neo-realismo, si ritira dalla regia e si dedica al  cinema come attore. Lavora  in un'altra manciata di film, quasi tutti commediole comunque simpatiche;  fino al 1961 la sua attività di attore si mantiene frenetica e un po' corriva, fatto salvo ovviamente "Il generale Della Rovere" (1959) di Rossellini. Questa ritirata artistica è dovuta a fenomeni concomitanti: l'insuccesso degli ultimi film, le ambizioni solistiche di Zavattini, il bisogno di soldi (De Sica era assiduo giocatore al casinò di Montecarlo).

Nel 1961 ritorna alla regia con "La ciociara" (da Moravia) caricando l'interpretazione della Loren nella parte della madre. Qua e là traspare di nuovo la mano del maestro: le macchiette della borgata, il sentimentalismo tragico dello stupro, l'infanzia devastata dalla guerra. In seguito  De Sica gira ''Il giudizio universale'' (1962) più che altro un pretesto per mettere assieme una dozzina di divi internazionali, un falso film ad episodi costruito sulla gag di un altoparlante che annuncia il giudizio universale. Lo spunto magico surreale alla Miracolo a Milano serve soltanto come occasione per Sordi (che contrabbanda bambini per l'America), Manfredi, Gassman, Fernandel, e tanti altri, per dare un saggio della loro bravura. La gente aspetta terrorizzata, ma alla fine il giudizio si risolve in un acquazzone e tutti possono andare al gran ballo dove coronano il loro amore: gli unici ad essere rimasti indifferenti, due giovani innamorati preoccupati soltanto all'idea del loro incontro. Il film pullula di macchiette: ladri, disoccupati, stranieri, camerieri, avvocati, cantanti; e squarcia uno dei rioni più poveri di Napoli, un palazzo fatiscente affollato di comari petulanti e di bambini seminudi.

Ricordiamo anche I sequestrati di Altona (1963) tratto da Sartre. Il boom (1963) dove un arrivista fallito (Sordi) abbandonato dalla moglie vende un occhio a un commendatore cinico e volgare per pagare i debiti e continuare la sua vita agiata. "Ieri oggi e domani" (1963), 3 Premio Oscar, è un trittico di episodi napoletani interpretati dalla Loren.

"Matrimonio all'italiana"(1965) è la riduzione di Filomena Marturano di Eduardo ma affidata nuovamente al temperamento partenopeo della Loren, di nuovo in coppia con Mastroianni, ed è anche uno dei maggiori successi di pubblico dell'epoca.

Il connubio fra due animi chapliniani come De Sica e De Filippo non può che sortire un risultato emozionante, dove pianto e riso si fondono in un unico appassionato canto di vita. Ma De Sica si strugge dal desiderio di realizzare un altro Umberto D e deve lottare quotidianamente con i produttori. 

Per quattro anni De Sica, trasferitosi a Parigi e divenuto cittadino francese, gira Caccia alla volpe (1966), con Peter Sellers nei panni di un ladro inafferrabile che, parodiando le riprese di un film neorealista, riesce a mimetizzare lo sbarco clandestino di un carico d'oro.

Amanti (1968), melodramma cosmopolita basato su un amore impossibile fra un italiano e un'americana afflitta da male incurabile, e "I girasoli" (1970) rievocazione dello sbandamento del dopoguerra centrato sulla ricerca che una napoletana (Loren) conduce in Russia per ritrovare il marito (Mastroianni) dato per disperso. 

Nel 1971 "Il giardino dei Finzi Contini" dal romanzo di Bassani è l'occasione per una poetica rievocazione del clima bellico. De Sica  ritrova la sensibilità umanitaria e il decoro magico dei suoi capolavori nelle scene d'amore pudico di due giovani ebrei condannati dalla loro nascita, e in quelle strazianti della deportazione che sradica la giovane dalla casa in cui è cresciuta. Siamo al quarto Oscar del regista.

Una rinnovata intensa attività di attore accompagna l'ultima produzione del regista che gira Lo chiameremo Andrea una surreale appendice alla periferia di Miracolo a Milano aggiornata al movimento ecologico e alla satira goliardica della commedia all'italiana);  Una buona vacanza (1973) e Il viaggio (1974). Il primo è un film-denuncia della condizione operaia: la protagonista è un'operaia che rinasce a nuova vita dopo essere stata ricoverata in ospedale per la tubercolosi ma che ripiomba nello squallore appena viene dimessa e deve tornare in fabbrica. Il secondo di impostazione melodrammatica.

De Sica muore quell'anno. Talento naturale, attore e regista nella vita prima ancora che sul set, De Sica ha impersonato gli ideali positivi di una parte del popolo italiano durante e dopo il fascismo e, grazie all'innato senso dello spettacolo, è riuscito ad inventare uno stile imitato in tutto il mondo.

In ultimo ricordiamo ancora una volta che i suoi film Sciuscià, Ladri di biciclette, Ieri, oggi, domani e Il giardino dei Finzi Contini hanno vinto l'Oscar al miglior film in lingua straniera, premio al quale fu candidato anche Matrimonio all'italiana.

dal sito di Cicciotti

Riso amaro è un film drammatico del 1949 diretto da Giuseppe De Santis. Fu presentato in concorso al 3º Festival di Cannes e ricevette una candidatura ai Premi Oscar del 1951 per il miglior soggetto. 
Il Film si apre con una voce fuori campo radiofonica, da cronaca, con tono solenne descrive il mondo delle mondine, la macchina da presa entra quindi nella cronaca mediatica, anzi in competizione con essa

(immagine di Francesca e Walter)

Siamo nel Torinese Francesca istigata dal suo fidanzato (Walter-Gassman) ruba una collana ad un cliente di un albergo dove la ragazza lavora in qualità di cameriera (intrigo poliziesco). La collana indica molto bene il rapporto realtà finzione, sogno, realtà.

Per far perdere le proprie tracce i due si inseriscono nella folla delle Mondine (ragazze che lavorano nelle risaie) impiegate come stagionali nel Vercellese.

Nel dormitorio delle Mondine, Silvana (Silvana Mangano) deruba Francesca della collana (l'oggetto del desiderio si sposta), la Mangano si presenta con tratti di grande erotismo, la sua immagine ha un grande impatto visivo di vitalità, sogno e ingenuità. Walter sospettando che la bella figliola molto probabilmente ha preso la collana (Francesca scopre il furto e lo dice a Walter) comincia a girarle intorno e a farle la corte, alla presenza fisica della Mangano fa coppia adesso la prestanza fisica del giovane Gassman che nel film è terribilmente cattivo, ma ovviamente piace alle donne.

 (immagine del ballo di Silvana)

Sublime a questo punto il ballo a ritmo di Boogie dei due attori - Le mondine non ballano i ritmi americani e soprattutto è un ballo licenzioso perche Gassman quando balla sbircia con libidine sulle tette e le gambe della Mangano (un critico disse che De Santis nei suoi film ci metteva sempre gambe femminili) che risponde con sguardi troppo licenziosi. Questa vicenda del ballo che ha, ripetiamo, un grande impatto visivo-fotografico oltre che simbolico e ci sembra una sintesi di grande cinema, si scontra sostanzialmente con un Paese bacchettone, non ci si riferisce tanto al pubblico, un Paese che censurava i film di Totò o addirittura li vietava ai minori di 14 anni! Ma attenzione il regista in tutto il film filtra questa dimensione dello spettacolo che più colpisce il pubblico, con altre dimensioni che non si soffermano alla descrizione puramente decorativa fine a se stessa e che arriveranno alla tragedia finale ... insomma il ballo è la sintesi visiva di un discorso più ricco.

Tra le persone presenti nel campo non a caso ad iniziare il ballo con passione sono Silvana e Walter, quest'ultimo subito risponde al desiderio della ragazza, di muoversi, percepire un sentimento di libertà, modernità che però poi condurrà ambedue alla tragedia. 

Francesca pentita si è legata ad un giovane (Raf Vallone) in precedenza attratto da Silvana, che viene presentato dal regista come opposto a Gassman: senso del reale, cosciente delle illusioni un passato pieno di esperienze vere e significative, il giovane, in occasione del famoso ballo (in realtà ve ne sono due) vedendo la ragazza indossare la collana fa a pugni con Walter-Gassman e dice alla ragazza di stare lontana dalla collana perchè rubata, (la ragazza la indossa durante il ballo) ma ormai la bella Silvana è nelle mani di Walter.

(immagine di Raf Vallone con la Mangano)

L'Intrigo si intreccia con maestria con i sentimenti dei protagonisti (abile il regista in un gioco di inquadrature sui volti dei quattro contendenti), il pubblico è attratto, guidato abilmente dal grande Regista che con questa tecnica fa da contrappunto passo passo e in modo critico alla cultura popolare femminile dell'epoca senza ignorarla. Ma soprattutto dopo il ballo immaginate il pubblico nel cinema invece di alzarsi (un film neorealista non lo deve vedere nessuno ) continua a seguirlo ...

Walter scopre dai giornali che la collana è fasulla ma non lo dice a Silvana, più cattivo di così, anzi rimbambisce così tanto la povera Mangano che le propone una rapina.

Ad un certo punto la Mangano chiede a Walter: "ma quando fai il ladro ti metti la Calzamagia (dice grosso modo) sul viso?" roba da fotoromanzi dicevano i critici (invece di prendere la tessera del sindacato o andare in chiesa). Il regista ciociaro individuava molto bene tra Boogie e Fotoromanzi la cultura di massa di tantissime ragazze, un insieme di segni che poi confluirono nel boom economico degli anni successivi.

La ''Rapina'' proposta  da Walter ha del canagliesco, rubare il riso appena lavorato dalle compagne di Silvana.

Non a caso la Mangano sin dal principio si è differenziata dalle sue povere amiche che sembrano accettare senza riserve il lavoro duro che toglie ogni sogno.

Il regista poi non tralascia la condizione del lavoro delle ragazze.

Una delle sequenze di grande impatto scenografico, è data quando il regista riprende le mondine che cantano secondo la migliore tradizione dei canti di lavoro (uso della tecnica Botta e Risposta, Chiamo e Richiamo) attaccando un gruppo di ragazze "clandestine" colpevoli di aumentare il ritmo, unico modo forse di essere assunte. Raf Vallone (il buono) poi suggerisce alle mondine di non scontrarsi tra di loro ma di essere unite così alla fine riescono comunque a lavorare tutte.

La pioggia poi per giorni impedisce alle lavoratrici di continuare il lavoro, in una sequenza tragica le mondine decidono di lavorare lo stesso aiutandosi ancora con il canto, ma non tutte ci riescono una ragazza crolla perchè incinta, in parallelo Walter-Gassman violenta la povera Silvana  completamente in mano ormai del delinquente, un momento fondamentale questo del film, Silvana paga il primo grave prezzo al suo sogno proprio mentre le Mondine che ''non sognano'' lavorano sotto la pioggia, il tutto in un turbine di canti e grida che ha del religioso.

Walter così mette in atto il suo piano illudendo completamente la ragazza, mentre le Mondine festeggiano il raccolto, Gassman convince Silvana ad immettere  acqua nelle risaie per distrarre l'attenzione, nel frattempo Francesca e il suo amico Raf Vallone intuiscono il tutto e beccano il ladro sul fatto. L'intrigo con sentimento, come un Western (altra parolaccia) giunge quasi al termine, la situazione è seria, non è proprio un drammone e forse il pubblico lo capisce.

Nella macelleria del posto abbiamo lo scontro finale tra la ''coppia di ladri'' e la coppia che ha compreso il gioco di Walter e che in fondo vuole salvare Silvana ritenendola ingenua. Silvana viene a sapere che la collana è fasulla che Walter è un imbroglione e nella colluttazione gli spara, poi come se avesse percepito tutto il dramma vissuto, lo spessore del tradimento fatto alle povere compagne, corre sulla torre del campo e si uccide, e nessuno riesce a fermarla .

Il sogno da fotoromanzo  si rivela per quello che è.

Nel film ci sono anche echi della letteratura americana (Furore) ma soprattutto un linguaggio di grande impatto e spessore, la parabola della ragazza che ingenua, tradisce le proprie compagne per un sogno fittizio viene descritta con grande maestria. Il Film aggrappa il pubblico ad una trama e ad una scenografia sino alla tragedia finale. Le amare risaie delle Mondine per lo spettatore non sono facili da dimenticare. Un film Nazional-popolare ci sembra nelle intenzioni dell'autore, che più di altri cerca di confrontarsi con grane rigore con il concetto di Antonio Gramsci.

La recitazione della Mangano è più che convincente nel delineare una ragazza dell'epoca e rimane come un segno indelebile  dei film ed al di là di tante legittime chiacchiere rimangono alcune immagini, pochissime le battute, e per questo Riso Amaro è insuperabile e modernissimo.

L'attrice divenne una diva internazionale, il film ebbe un successo in tutto il mondo. Anche V.Gassman deve molto a questo film, la parte di mascalzone viene recitata al meglio, priva ovviamente degli elementi da commedia che lo caratterizzeranno in seguito.
La bella e brava Silvana Mangano, venne scelta dal regista in modo fortuito a causa di alcuni fiori che aveva in mano durante una candida e chiara domanda di poter recitare fatta a De Santis per strada; i fiori in mano alla ragazza sollecitarono nella memoria del regista un film di Chaplin: la Mangano fece centro e venne ammessa al provino.

Nota: nella Mangano l'uso della gomma da masticare simbolo, moda e sogno di una modernità prossima anticipata con spavalderia.

(immagine  Silvana durante la lavorazione del film)

Riso Amaro è un film fondamentale in una ricostruzione  che vuole leggere la nostra Storia attraverso il cinema, in prossimità di quello  che poi sarà chiamato Boom Economico.

Note a margine: 
La condizione precaria del lavoro è delineata con nettezza dal regista, l'assenza di sicurezza, il dramma della ragazza che deve partorire, della mondina anziana che  in modo perentorio spiega che con la pioggia c'e il rischio della fame, perchè si è schiavi della Natura! Nella Storia del Movimento operaio sin dalla prima descrizione di Engels è questo un motivo costante  e continuo, il timore della precarietà, avere una protezione anche nel caso di impedimenti non previsti, crisi del mercato temporanea, pioggia nel caso degli edili o delle mondine ecc.

Infine  per quanto riguarda il film: Collabora alla Regia Gianni Puccini mentre alla sceneggiatura troviamo Carlo Lizzani, lo scrittore Corrado Alvaro e lo stesso regista, la musica vede l'intervento oltre che del maestro Trovaioli di un grande musicista come Goffredo Petrassi esponente di primo piano della musica contemporanea.

G. De Santis

RISO AMARO
(Italia 1949, bianco e nero, 108m); regia: Giuseppe De Santis; produzione: Dino De Laurentiis per Lux Film; soggetto: Giuseppe De Santis, Carlo Lizzani, Gianni Puccini; sceneggiatura: Corrado Alvaro, Giuseppe De Santis, Carlo Lizzani, Carlo Musso, Ivo Perilli, Gianni Puccini; fotografia: Otello Martelli; montaggio Gabriele Variale; scenografia: Carlo Egidi; costumi: Anna Gobbi; musica: Goffredo Petrassi, Roman Batrov [Armando Trovajoli].

I maniaci è un film a episodi del 1964, diretto da Lucio Fulci, interpretato tra gli altri da Walter Chiari, Enrico Maria Salerno e Barbara Steele.

I magnifici tre è un film del 1961 diretto da Giorgio Simonelli. Con Vianello, Chiari e Tognazzi.

Io, io, io... e gli altri è un film del 1966 diretto da Alessandro Blasetti.

Stasera niente di nuovo è un film del 1942 diretto da Mario Mattoli. Si tratta del quarto ed ultimo film della serie I film che parlano al vostro cuore, tutti diretti da Mattoli.

Retroscena è un film del 1939, diretto da Alessandro Blasetti.

L'attore scomparso è un film del 1941 diretto da Luigi Zampa, che costituisce la prima prova registica della sua più che quarantennale carriera cinematografica.

Se permettete parliamo di donne è un film a episodi del 1964 diretto da Ettore Scola, qui al suo esordio alla regia. Il film segna anche l'esordio cinematografico di Luigi Proietti.

Amore all'italiana è un film del 1966 diretto da Steno. Il film è conosciuto anche con il titolo I Superdiabolici. Strutturato in 10 episodi, il film racconta gli usi, le consuetudini e i vizi dell'Italia in quell'epoca.

La rimpatriata è un film del 1963 diretto da Damiano Damiani. La pellicola è stata presentata in concorso al Festival di Berlino 1963.

L'ultima carrozzella è un film del 1943 diretto da Mario Mattoli. Con Anna Magnani e Aldo Fabrizi.

Gli onorevoli è un film comico italiano del 1963, diretto da Sergio Corbucci e interpretato da Totò, Peppino de Filippo, Gino Cervi, Walter Chiari, Franca Valeri, Stelvio Rosi e Aroldo Tieri.

 Due contro tutti è un film parodia del 1962 diretto da Alberto De Martino e Antonio Momplet. È una parodia dei film western statunitensi, girato in Spagna.

 Qui altri Manifesti degli anni d'oro del Cinema 

Non solo televisione, ma anche musica e cinema. Maurizio Costanzo, morto a Roma il 24 febbraio 2023, era poliedrico. E ha lasciato la sua impronta anche nel cinema. Il giornalista ha sceneggiato e cosceneggiato circa 25 film, tra cui l'indimenticabile "Una giornata particolare" diretto nel 1977 da Ettore Scola. La sceneggiatura era firmata dallo stesso Scola con Maurizio Costanzo e Ruggero Maccari.

E il film, interpretato da Sophia Loren e Marcello Mastroianni, divenne una pietra miliare della storia del cinema italiano. Presentata in concorso al Festival di Cannes, la pellicola ottenne vari riconoscimenti internazionali vincendo, tra gli altri, il Golden Globe quale miglior film straniero e ricevendo anche due candidature al Premio Oscar, per il miglior film straniero e per il miglior attore, a Marcello Mastroianni.

Una giornata particolare, la trama

Il film è ambientato a Roma, a Palazzo Federici (zona piazza Bologna, Municipio II) blocco residenziale di enormi dimensioni vicino al centro della città e si svolge interamente nell'arco di alcune ore di una singola giornata. Perché è una giornata particolare?

I protagonisti sono Antonietta, madre di sei figli e casalinga sposata con un impiegato ministeriale, convinto fascista, e Gabriele, un ex radiocronista dell'EIAR in aspettativa omosessuale. La giornata particolare è il 6 maggio 1938, data della storica visita di Adolf Hitler a Roma, quando Antonietta è costretta a rimanere a casa mentre tutti gli abitanti del palazzo accorrono alla parata in onore del Führer. Antonietta non è completamente sola. Nel palazzo c'è anche Gabriele, che sta meditando il suicidio ma incontra la donna. 

Maurizio Costanzo fu anche regista

Costanzo si cimentò, proprio nel 1977, anche nella sua unica regia cinematografica, dirigendo "Melodrammore", un film di metacinema, interpretato da Enrico Montesano nei panni dell'attore Raffaele Calone che, dovendo interpretare un melodramma decide di chiedere consiglio a un divo degli anni cinquanta ormai ritiratosi: il grande Amedeo Nazzari, che recitò nei panni di se stesso.

In diverse occasioni, Costanzo si cimentò anche nella recitazione. Fu nel cast di "FF.SS. che mi hai portato a fare sopra a Posillipo se non mi vuoi più bene?" di Renzo Arbore (1983). Poi divenne protagonista della fortunata sitcom di Canale 5 "Orazio" (1984-1986) e della successiva "Ovidio" (1989).

Tornò a recitare in 'Anni 90 - Parte IÌ di Enrico Oldoini (1993), in "Bodyguards - Guardie del corpo" di Neri Parenti (2000) e in "Caterina va in città" di Paolo Virzì (2003).

Articolo de IlMessaggero.it

Mixed By Erry è un film di genere commedia del 2023, diretto da Sydney Sibilia, con Luigi D’Oriano e Giuseppe Arena. Uscita al cinema il 02 marzo 2023. Durata 110 minuti. Distribuito da 01 Distribution.

E scusate se è poco.... da un ragazzo che ha iniziato girando cortometraggi come Iris Blu e Noemi e partecipando a concorsi come il nostro! (nota della redazione)

... dall'articolo di comingsoon.it

Ci sono diversi film, sia di genere horror sia di altro tipo, che utilizzano i cimiteri come sfondo principale o come location chiave per alcune delle loro scene più memorabili. Questa scelta è spesso dovuta al fascino misterioso e all'atmosfera inquietante che i cimiteri possono evocare, rendendoli perfetti per storie di fantasmi, horror, ma anche per narrazioni che esplorano temi di lutto, morte e oltre.

Leggi tutto: Quali film si svolgono in un cimitero

Ci sono quartieri che vivono in disparte, zone della città dimenticate.

E poi c’è Ferzan Özpetek, il turco di Roma, che fa della sua arte una serenata alla nostra città. La Roma che ritrae è poetica, antica e melanconica, è la città di tutti i giorni, attenta testimone dei nostri umori e delle nostre fragilità.

Non ci credete? Andate al cinema in questi giorni e lo scoprirete. Dopo alcuni film girati in trasferta, Ferzan torna a casa e ambienta gran parte della sua Dea Fortuna a Roma. I due protagonisti, Edoardo Leo e Stefano Accorsi, vivono in via della Lega Lombarda, nel quartiere Nomentano, poco distante dal Cinema Jolly.

la danza sotto la pioggia sulla terrazza affacciata su Roma in una scena de La Dea Fortuna di Özpetek | screenshot dal film originale

Capire perché Özpetek abbia scelto questa Roma è davvero semplice: nel palazzo-location troviamo terrazze spioventi di un mondo scomparso che collega e intreccia vite e vicinato. E segna una cifra stilistica inconfondibile.

Volevo un quartiere come quello delle Fate ignoranti, dove vivo da anni, ma che non ha più il carattere che aveva una volta. Appena siamo entrati in casa ho detto subito che andava bene, senza nemmeno vedere le altre proposte. Era stupendo, l’ideale… Io stesso vorrei una casa cosi nella mia vita.

Ferzan Özpetek

Tra i siti scelti nella pellicola una menzione speciale spetta al Tempio della Fortuna Primigenia a Palestrina, che dà il titolo al film. Il luogo viene introdotto con una preghiera da Sandro, il figlio minore di Jasmine Trinca, durante un picnic a Villa Pamphili, e trova la sua massima espressione nella cavea teatrale.

Il santuario fu costruito alla fine del II secolo a.C. sulle pendici del monte Ginestro e si articola su sei terrazze artificiali, collegate tra loro da rampe e scalinate di accesso. Sopra il portico di fondo e la nostra cavea troviamo il palazzo Colonna Barberini, ricostruito nelle forme attuali da Taddeo Barberini nel 1640 e dal 1956 sede del museo archeologico prenestino.

La Dea Fortuna è solo l’ultimo tassello di una lunga storia d’amore tra il regista e la sua città d’azione. Quindi prendete posto e mettetevi comodi: lo spettacolo di Roma sta per iniziare!

la Roma di Ferzan Özpetek

uno sguardo diverso: il quartiere Ostiense tra archeologia industriale e pranzi corali

Sono stati fatti talmente tanti film su questa città, che sento forte l’esigenza di posarvi uno sguardo diverso da quello degli altri.

Il suo sguardo diverso è rivolto a Ostiense, un quartiere corale e di antica solidarietà, ripreso sul filo di un’intima dolcezza. Un quartiere che il suo cinema ha contribuito a salvare.

Tutto ha inizio nel 2001 con le riprese de Le fate ignoranti. Nel suo primo film made in Italy, Özpetek racconta luoghi, suoni e profumi familiari, caseggiati brutti e scheletri di vecchie fabbriche rimasti in piedi come occasioni perdute.

dettaglio di un macchinario della Centrale Montemartini, set de Le fate ignoranti di Özpetek

Il film si apre con Margherita Buy in abito da sera mentre passeggia per le sale della Centrale Montemartini. Straordinario esempio di archeologia industriale, la Centrale nasce come impianto pubblico per la produzione di energia elettrica.

Oggi è il secondo polo espositivo dei Musei Capitolini e ospita una considerevole parte delle sculture classiche rinvenute durante gli scavi di fine Ottocento. I grandiosi ambienti della Centrale e la Sala Macchine conservano gli arredi Liberty, le vecchie turbine, i motori diesel e la colossale caldaia a vapore. Una scenografia unica di surreale eleganza per tutti i marmi antichi che qui trovano casa.

Moltissime scene del film sono girate in interni, ma Özpetek non rinuncia a mostrare il suo quartiere imperfetto e lo spia da una terrazza, confine di un mondo ideale, libero e colorato. Dove? Al civico 35 in via del Porto Fluviale, accolta da una struttura fatiscente vestita per l’occasione come spazio esterno all’appartamento.

la terrazza de Le fate ignoranti, oggi parte degli spazi del centro culturale Industrie Fluviali 

Oggi su questa terrazza visitabile (ebbene sì!) trova spazio il centro culturale Industrie Fluviali, una combinazione di ambienti lavorativi condivisi, sale expo, eventi, bistrot a km zero e orti urbani. Il centro, sintesi perfetta di accessibilità, integrazione, rigenerazione urbana e sostenibilità, fa parte dell’ex Lavatoio Sonnino, costruito agli inizi del ‘900 come sito di lavorazione della lana. Un luogo senza muri, dove tutto è accessibile in nome del fare cultura e dell’inclusione.

Inclusione? Nessun posto unisce e riunisce come la tavola, Özpetek lo sa bene: come nella vita reale, qui il regista fa confrontare i suoi personaggi, li sovrappone, li mescola. Tutto sullo sfondo del Gazometro. Credetemi, non c’è ragazza cresciuta a pane&Accorsi che non sospiri vedendo il profilo di questo Colosseo d’acciaio!

Simbolo di un quartiere a metà tra antichità e modernità, la struttura in via del Commercio fa parte di una vecchia centrale del gas in disuso. Fino agli anni ’60 i gasometri venivano usati per accumulare il gas di città, una miscela di monossido di carbonio, idrogeno, metano e anidride carbonica sfruttata sia per usi domestici, che per l’illuminazione pubblica. La diffusione del gas metano ha condannato all’oblio i gasometri di Roma e i loro scheletri d’acciaio.

Fino all’arrivo delle nostre Fate e di un invito a cena, s’intende.

cornetti impastati alla Pasticceria Andreotti 

A tal proposito, per la serie anche questa è arte, nella nostra to do list non può mancare una tappa fondamentale dell’Ostiense ozpetekiana. La storica Pasticceria Andreotti, che per fortuna è rimasta com’era, in via Ostiense 54: da qui provengono i cornetti impastati da Elio Germano in Magnifica presenza e le torte artigianali di Giovanna Mezzogiorno ne La finestra di fronte.

una finestra aperta sul centro di Roma

Giovanna Mezzogiorno e Raoul Bova in una scena de La finestra di fronte girata nel parco di Monte Caprino a Roma | screenshot dal film originale

Nonostante l’amore dichiarato e contraccambiato per il suo quartiere d’adozione, lo sguardo di Özpetek su Roma non si ferma alla periferia, ma con La finestra di fronte del 2003 procede verso il centro. A influenzare l’ambientazione e la scenografia del film sono le pareti della città, impregnate di ricordi e di energia.

Da una parte il Ghetto Ebraico, che si estende da via Arenula fino alla rive del Tevere, da via del Portico d’Ottavia a Piazza delle Cinque Scole; dall’altra Piazza dell’Emporio e le case popolari A.T.E.R. di via di Donna Olimpia a Monteverde, quartiere già noto alla romanità per i Grattacieli dei Ragazzi di vita di Pasolini.

Due facce della stessa medaglia, due anime di Roma che si sovrappongono come le vite clandestine dei protagonisti: lì qualcuno si è amato, qualcun altro è stato ammazzato.

Sono gocce di memoria, per dirla tutta.

Mentre Roma è ancora stordita per la scomparsa di Alberto Sordi, arriva un film che è una specie di lettera d’amore alla nostra città, ‘La finestra di fronte’. È una lettera esigente, come ogni vero messaggio d’amore, perché non solo dichiara i propri sentimenti ma chiarisce l’origine, la portata e le condizioni grazie alle quali quei sentimenti potranno crescere e fiorire oppure spegnersi e appassire.

Fabio Ferzetti su Il Messaggero, 28 febbraio 2008

Se il Gazometro è il simbolo de Le Fate Ignoranti, la fontana del parco di Monte Caprino è il luogo chiave de La Finestra di Fronte. Proprio qui, tra le fessure del marmo, Simone e Davide nascondono biglietti d’amore, mentre Giovanna e Lorenzo scambiano pensieri, ricordi e un bacio appassionato.

il giorno perfetto di Özpetek a Roma

Melania G. Mazzucco, Un giorno perfetto, edito da Einaudi, 2017 | qui un estratto

Il viaggio romano più lungo e articolato di Özpetek si svolge in Un giorno perfetto. Il film, tratto dal romanzo di Melania Mazzucco, racconta la Roma bene del centro storico e la Roma popolare con le periferie di ultima generazione.

La grande, la tanto amata Roma si risvegliava alla realtà nuda del primo
mattino, tutta di strade, piazze, chiese, così come appare ai passeggeri del
primo autobus, ubriachi di sonno, e ai nottambuli, ubriachi di musica, che
escono dalle discoteche – la città dopo la battaglia che affiora dalla marea
della notte.

Melania Mazzucco

In Un giorno perfetto troviamo una Roma caotica e contraddittoria, capace di togliere il fiato con le sue dimore e di trasmettere angoscia tra i canneti del Tevere. Fra le immagini proposte riconosciamo l’Isola Tiberina con l’ospedale Fatebenefratelli, palazzo Sacchetti, ponte Duca d’Aosta, piazza Colonna e i vecchi Mercati Generali dove ritorna l’inconfondibile sagoma del Gazometro (sospirone).

Per gli interni abbiamo girato in case e ville private mai utilizzate dal cinema, i cui proprietari ci hanno aperto la porta solo perché amanti e appassionati del cinema di Özpetek.

Giancarlo Basili, scenografo

Tre le case protagoniste: l’appartamento di Antonio al numero 17 di piazza Vittorio, quella di Adriana nel quartiere di Torrevecchia e quella centralissima dell’onorevole Fioravanti, che si affaccia sulla chiesa di Sant’Andrea della Valle.

La facciata che domina le inquadrature fu realizzata da Carlo Rainaldi nella seconda metà del XVII secolo. Costruita in travertino, presenta due ordini di colonne, nicchie con statue, cornici in aggetto e un finestrone centrale. Il fasto degli interni lascia a bocca aperta! Ma aspettate di vedere la cupola! Seconda solo al Cupolone di San Pietro per grandezza, è affrescata da Giovanni Lanfranco che realizza un capolavoro d’illusionismo barocco: il cielo in una chiesa.

un’ultima magnifica replica: il Teatro Valle

Vittoria Puccini ed Elio Germano in una scena di Magnifica presenza al Teatro Valle | screenshot dal film originale

Nel 2012 Özpetek ritorna a Monteverde per Magnifica presenza: a via Cavalcanti, Elio Germano trova il suo posto nel mondo e la sua nuova casa, antica e misteriosa, diventa il centro di tutta la narrazione. Solo nel finale c’è un cambio di scena: il tram numero 8 attraversa Trastevere e conduce i protagonisti al Teatro Valle per l’ultima pièce.

Trecento anni di storia fanno del Valle il più antico teatro moderno di Roma. Il suo palcoscenico ha visto passare i più grandi, da Goldoni a Rossini, Totò, Anna Magnani, Eduardo de Filippo e Pirandello, che qui ha messo in scena la prima assoluta di Sei personaggi in cerca d’autore.

Costruito da Tommaso Morelli e Mauro Fontana, il Teatro è stato oggetto di restauri e migliorie,come la splendida facciata neoclassica a opera del Valadier. Dal 2011 al 2014, un gruppo di attori, attivisti e liberi cittadini hanno occupato il teatro per impedirne la vendita, ma l’11 agosto 2014 è stato pacificamente riconsegnato alle autorità comunali.

Che i luoghi parlino è cosa risaputa e a Roma le voci del passato riecheggiano nel presente. Ci sono luoghi che urlano e luoghi che sussurrano col rumore antico dei tacchi sui sanpietrini, il suono dei calici a festa, il ciak a fine riprese. Roma è tutto questo e molto di più, Ferzan Özpetek lo sa e regala ai suoi spettatori uno sguardo diverso, il suo sguardo diverso.

Non resta che dire buona visione a tutti!

dall'articolo di  Veronica Verzella  per https://www.design-outfit.it

Testaccio continua a mantenere una forte identità e quella genuina romanità che è da sempre tratto distintivo dei quartieri popolari. La sua veracità e i suoi scorci differenti ed innumerevoli hanno fatto sì che il rione Testaccio sia stato utilizzato spessissimo dal cinema nostrano.

Qui raccontiamo le 10 location cinematografiche più famose.

1. I soliti ignoti (1958) di Mario Monicelli

Candidato ai premi Oscar 1959 come miglior film straniero, questo film sancisce l’esordio ufficiale di un nuovo genere cinematografico, in seguito ribattezzato Commedia all’italiana che segnerà la fortuna del cinema italiano degli Anni Sessanta. La Commedia all’Italiana racconta la gente comune, la periferia degradata, il sottoproletariato urbano, ma – a differenza del neorealismo – lo fa con toni comici, divertenti, ironici tagliati sottilmente da una vena drammatica, amara, lo fa con un sorriso un po’ triste. “I soliti ignoti” racconta le gesta della miserabile banda del buco, dipingendo con maestria un mondo di povertà urbana che resiste nei suoi valori tradizionali all’attacco della nuova società di massa della quale però sente un’attrazione sempre più forte.
Cosimo, interpretato da Memmo Carotenuto, apprende da un altro detenuto un piano per un colpo di facile realizzazione presso il Monte di Pietà, piano che gli viene letteralmente scippato da Vittorio Gassman. Nel frattempo Cosimo, uscito dal carcere grazie a un’amnistia, raggiunge la banda per vendicarsi, ma viene tramortito da un pugno di Peppe che gli offre di partecipare al furto alla pari con gli altri. Cosimo rifiuta per orgoglio e da solo tenta di rapinare il Monte di Pietà, dove l’impiegato allo sportello gli toglie di mano la vecchia pistola con cui era minacciato e, poiché crede che Cosimo la voglia impegnare, dopo averla esaminata offre allo sbalordito rapinatore 1.000 lire. Andata fallita la rapina, Cosimo ormai terribilmente affranto, per racimolare qualche soldo si ritrova in bici a girovagare proprio nel rione Testaccio, tra via Benjamin Franklin e via Manuzio finchè adocchia la sua vittima, una donna con una borsetta. Lo scippo andrà malissimo, con tragico finale sotto un tram di passaggio: il tram viene da via Galvani e lo schianto avviene all’angolo con via Franklin. La zona non è facilmente riconoscibile perchè sulla sinistra c’è tutta una zona di caseggiati, i cosiddetti “villinetti”, che è stata abbattuta ed è sparita da decenni. Tuttavia, l’indizio ce lo fornisce in fondo la scritta “Da Checchino”: si tratta del famoso ristorante storico, ai piedi del Monte Testaccio, che contribuì alla nascita della cucina popolare romana e che esiste tuttora.

2.Accattone (1961) di Pier Paolo Pasolini
Anche in questo film si scorgono i cosiddetti “villinetti” di Via Benjamin Franklin. Primo film diretto da Pier Paolo Pasolini, e può essere considerato la trasposizione cinematografica dei suoi precedenti lavori letterari. Accattone è il soprannome di Vittorio, interpretato da Franco Citti, un “ragazzo di vita” romano il cui stile di vita è improntato al vivere alla giornata, al sopravvivere. Il film è una metafora di quella parte di Italia costituita dal sottoproletariato che vive nelle periferie delle grandi città senza alcuna speranza per un miglioramento della propria condizione. Come anche in tutti gli altri film che seguiranno, quest’umanità reietta, disperata, tenta un riscatto sociale, un salto in avanti, ma ogni soluzione sembra concretizzarsi solo con la morta. Anche Accattone morirà, e morirà proprio nel rione Testaccio.
E’ la scena finale che chiude la pellicola, che comincia inquadrando via Gian Battista Bodoni, poi si passa a via Benjamin Franklin con Accattone e i suoi compagni di furti, Balilla e Cartagine, che si preparano al furto dei salumi nascosti in un carretto di fiori, l’ultimo furto del protagonista.
La scena, poi, ci mostra i carabinieri che stanno per salire sulla loro Seicento con la quale andranno ad intercettare Accattone. Sullo sfondo, dietro al motociclista di passaggio, Pasolini inquadra i “villinetti” di via Aldo Manuzio, in cui si nota un caseggiato che oggi non esiste più. Infine, durante la corsa in moto di Accattone che cerca di fuggire, si inquadra nuovamente via Benjamin Franklin.

Da via Franklin c’è un salto, una di quei giochi tipiche del cinema, ed Accattone si ritrova magicamente al Ponte Testaccio, che in realtà è più distante, su cui troverà la morte, compiendo così il destino che pesa su di lui sin dall’inizio. Guarda l’intera scena.

3. Così parlo Bellavista (1984) di Luciano De Crescenzo
Sempre in Via Franklin, ma con i “villinetti” ormai scomparsi, è girata una famosa scena di un film in realtà ambientato a Napoli, “Così parlo Bellavista” di Luciano De Crescenzo. Ebbene si, la magia del cinema fa anche questo: un film che esalta la napoletanità è stato girato per gran parte nella Capitale. Nello specifico nel rione Testaccio è stato girato l’episodio iniziale, quello famosissimo dell’ingorgo a croce uncinata.
La strada del bar dove il milanese Cazzaniga, interpretato da Renato Scarpa, sceso dal taxi a seguito ingorgo del traffico, trova prima il vigile intento beatamente a sorseggiare un caffè e successivamente deve scappare perchè assalito da una ressa di persone che gli chiedono un’assunzione in quanto incautamente gli è scappato che è il nuovo capo del personale dell’Alfa Sud è via Beniamino Franklin a Roma.

4. “Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto” (1970) di Elio Petri

Oscar per miglior film straniero nel 1971. Nato con all’origine l’idea dostoevskiana dell’assassino che sfida la giustizia, il film risente del clima politico dell’epoca: Gian Maria Volontè, promosso da capo della Sezione Omicidi a capo della Sezione Politica, uccide, sgozzandola, l’amante con cui aveva un rapporto sadomasochistico e che lo tradiva con uno studente appartenente alla contestazione attiva. Invece di cercare di occultare le prove le rende sempre più evidenti, convinto che il potere in suo possesso gli possa consentire di continuare ad essere al di sopra di ogni sospetto. Il poliziotto assassino, in virtù della vittoria dell’ordine costituito, finisce per agognare la propria punizione, cadendo in un groviglio di psicosi che sfocia in un finale kafkiano: il protagonista oramai deciso sulla sua posizione autopunitiva, consegna una lettera di confessione ai suoi colleghi. L’ufficio postale da cui l’insospettabile commissario spedisce prove della sua colpevolezza è quello di Via Marmorata: un gioiello di architettura razionalistica realizzato tra il 1933 ed il 1935 da Adalberto Libera e Mario De Renzi.

5. “Brutti, sporchi e cattivi” (1976) di Ettore Scola
Presso lo stesso edificio postale di Via Marmorata avviene l’esilarante sequenza del ritiro della pensione “de nonna” del capolavoro di Ettore Scola, “Brutti, sporchi e cattivi”, che vinse il 29° Festival di Cannes.  Al centro del film sono la periferia romana dei primi anni settanta e le sue baracche, raccontate impietosamente con tutte le loro miserie, morali e materiali. La pellicola, infatti, racconta di una famiglia di baraccati – circa venticinque persone tra genitori, figli, consorti, amanti, nipoti e nonna – al cui capo c’è il vecchio e dispotico Giacinto Mazzatella, mirabilmente interpretato da Nino Manfredi. Festa grande per tutta la famiglia è il giorno della pensione della nonna, in cui, come una caotica tribù, si reca l’intera famiglia a ritirarla facendo spingere ai più piccoli la carrozzella dell’anziana. Una volta che però il denaro è nelle loro mani viene diviso e ognuno si avvia per la propria strada, lasciando l’anziana sola con i bambini che hanno il compito di riportarla a casa.

6. Ferzan Ozpetek: “Le fate ignoranti” (2001) e “La finestra di fronte”(2003)

Il regista turco romano che ha eletto il quartiere Ostiense come sua dimora e come set di innumerevoli pellicole, non poteva fare qualche capatina nell’adiacente rione Testaccio. Lo troviamo, infatti, sul retro dell’ufficio postale di Via Marmorata, che – come abbiamo visto – è stato teatro di varie scene del cinema italiano. Proprio nei giardinetti retrostanti l’edificio di Libera e De Renzi, i due protagonisti de “Le fate ignoranti”, Margherita Buy e Stefano Accorsi, mangiano spensieratamente un cono gelato.

A Testaccio Ozpetek torna due anni più tardi con una scena de “La finestra di fronte”: è sera e la protagonista Giovanna, interpretata dalla Mezzogiorno, entra in un bar portando dei dolci e fa la conoscenza di Lorenzo, interpretato da Raoul Bova. Il bar è l’attuale Rec42 e si trova in Piazza dell’Emporio a Roma. Subito dopo, infatti, vediamo uscire dal bar Giovanna e Lorenzo e ritrovarsi, appunto, su Piazza dell’Emporio alla ricerca di Simone, il signore che ha perso la memoria e che la ragazza sta provando ad aiutare: lo ritroveranno subito, seduto affranto sugli scalini della Fontana delle Anfore, fontana che ora non può più essere ammirata in loco perchè è stata risistemata nel fulcro del rione Testaccio, ossia in Piazza Testaccio.

7. Elsa Morante e “La Storia”
All’esterno dell’edificio, una targa ricorda che qui la scrittrice Elsa Morante visse i primi dieci anni della sua vita. Elsa Morante, nata a Roma nel 1912 e morta nel 1985, è considerata una delle più importanti autrici di romanzi del dopoguerra. Elsa Morante nasce a Roma nel 1912, e trascorre la sua infanzia nel rione Testaccio. Fuori l’ingresso della sua abitazione in Via Amerigo Vespucci, una targa ci ricorda la grande scrittrice italiana abitava qui. Nel cortile, sulla parete della Scuola dei bimbi, un’altra targa recita una frase della scrittrice: «Solo chi ama conosce». La sua realizzazione è opera dell’architetto Massimo Iannuccelli.
Proprio a pochi metri da qui vagabondavano i protagonisti del romanzo “La storia”, Useppe e la sua compagna inseparabile, la cagna Bella, “in libera uscita nel quartiere Testaccio e dintorni”, tra via Bodoni, via Marmorata, il Lungotevere, ponte Sublicio nella primavera-estate del 1947.

Elsa Morante scrisse il romanzo “La storia” tra il 1971 e il 1973. Ambientato per lo più nella Roma della seconda guerra mondiale e dell’immediato dopoguerra, il libro narra la tragica vicenda di Ida Ramundo e dei suoi due figli. I tre si trasferiscono da San Lorenzo, distrutta dai bombardamenti, in una camera ammobiliata in via Mastrogiorgio, poi dopo la guerra prendono un appartamento in via Bodoni.
Il romanzo “La storia” ha avuto una sua trasposizione cinematografica: nel 1986 Luigi Comencini gira “La Storia” per la televisione, anche se ne è stata distribuita anche una versione ridotta destinata al circuito cinematografico. Il film non è in grado di rilasciare le stesse atmosfere, i particolari, i dettagli, gli infiniti intrecci del romanzo, però dobbiamo sottolineare l’estrema difficoltà di adattare l’opera cinematografica al testo complesso della Morante. Il risultato, dunque, non è dei migliori, ma dobbiamo riconoscere a Luigi Comencini almeno il merito di averci provato.

8. Fantozzi e Fracchia
Anche il ragioner Ugo Fantozzi, personaggio creato e interpretato da Paolo Villaggio, ha abitato nel rione Testaccio nel terzo film della saga, “Fantozzi contro tutti” (1980) di Paolo Villaggio e Neri Parenti. Tutte le scene dell’abitazione di Fantozzi sono state girate a Roma in via Giovanni Battista Bodoni n. 79, nel quartiere Testaccio. Questo grande stabile ospiterà non solo la scala da cui sale Fantozzi, e quindi il suo appartamento, ma anche il forno del panettiere Cecco, di cui si innamorerà perdutamente la Pina.
Il panificio, che è sopravvissuto fino a poco tempo fa con il nome de “La contea del pane”, in cui lavora dal rozzo Cecco, interpretato da Diego Abatantuono, è ubicato nella medesima via a poche centinaia di metri dall’abitazione in direzione di Lungotevere Testaccio dove Fantozzi abita. Il forno notturno, teatro della storica scena con Villaggio, Abatantuono e Ennio Antonelli, l’incontenibile “zio Antunello”, in cui Fantozzi va a “insultare” il panettiere, reo di avere una tresca con la moglie è stata girata proprio all’interno del forno del citato panificio, che è all’interno dello stesso stabile di via Bodoni.
Concludiamo con il finale del film: avviene il rientro di Fantozzi e Pina a casa, accompagnati dalla scritta in cielo “Fantozzi è stronzo”.

Paolo Villaggio e Neri Parenti torneranno l’anno successivo a Testaccio per girare “Fracchia la belva umana” (1981)
La casa del ragioniere Giandomenico Fracchia è ubicata sul Lungotevere Testaccio 11; la vediamo nella scena di apertura del film, quando Fracchia esce di casa facendo jogging.

9. Acqua e sapone (1983) di Carlo Verdone
L’esterno della tintoria dove Rolando, interpretato da Carlo Verdone, si reca di corsa a prendere il vestito da prete che la nonna, la Sora Lella, ha lasciato a lavare è nel rione Testaccio, più esattamente in Via Ghiberti 35, accanto allo storico Roma Club, il primo di Roma. Rolando, poi, troverà la tintoria chiusa causa morte del proprietario, il sor Gino.

10. L’ex-Mattatoio nel cinema

Nel cinema l’ex-Mattatoio è stato molto sfruttato. Lo troviamo per la prima volta in “Domenica d’agosto” (1950) di Luciano Emmer, il film che ha aperto la strada al vituperato neorealismo rosa ed anche al filone del cinema balneare, poi ripreso, anche troppo, negli anni Sessanta. La pellicola racconta una tipica domenica d’agosto in cui persone di diverse estrazioni sociali si dirigono verso la spiaggia per sfuggire alla calura cittadina. Tutti tranne dei rapinatori che approfittando della città deserta per fare il colpo nel Mattatoio. In questo modo possiamo vedere il Mattatoio al suo interno.

Due anni più tardi al Mattatoio fa capolino anche Roberto Rossellini con il suo film “Dov’è la libertà” (1952) con Totò. Si tratta di uno dei film più travagliati di Totò, poiché, dopo aver girato alcune scene, Rossellini si disinteressò della pellicola. L’opera fu completata dopo circa un anno principalmente da Mario Monicelli; le inquadrature finali risultano essere state girate da Federico Fellini.
Il protagonista Salvatore Lojacono, un modesto barbiere, esce di galera dopo aver scontato 22 anni di prigione per aver ucciso un suo amico che insidiava sua moglie. Spaventato, come chi è ormai abituato alla protezione del carcere, trova una realtà completamente stravolta, una giungla in cui non riesce ad adattarsi e, schiacciato dai sensi di colpa per un destino beffardo, vaga per la città alla ricerca di un alloggio e di un lavoro che lo faccia rientrare nel tessuto sociale. In questa scena, vaga per Roma con la sua valigetta senza sapere bene dove andare. “Dopo aver contato 20 chiese, 18 monumenti e 35 fontane” si imbatte in una mandria di buoi e si ritrova davanti al macello. Guarda la scena.

Infine, un utilizzo molto anomalo dell’ex-Mattatoio operato da “La leggenda del pianista sull’oceano” (1998) di Giuseppe Tornatore, ispirato al monologo teatrale dello Baricco “Novecento”. E’ la storia di un pianista, nato a bordo di una nave, che decide di spendere tutta la sua vita sulle rotte dell’Atlantico, avanti e indietro fra Europa e America, senza mai scendere a terra, diventando un pianista mirabile, e che diventa metafora del nostro secolo. La nave, la Virginian del film, ha avuto una triplice location: la vera nave si trovava nel porto di Odessa, dove hanno girato per cinque settimane. Ma l’ex-Mattatoio ha ospitato per diversi mesi la sagoma della Virginian, alta 35 metri, imponente, maestosa, che si poteva scorgere da vari punti della città. Intorno a quella sagoma che condensa tutta la magia del cinema e’ stato ricostruito il porto di New York, il Pier n. 3, con i magazzini, i carri carichi di botti, i sacchi, la gente vestita come negli anni ’30.
Infine, l’ultimo set: Cinecittà, dove e’ stata costruita la sala da ballo del piroscafo. Il Teatro 5 è diventato il sontuoso salone delle feste della nave Virginian, tutto luci, boiseries e motivi floreali, dominato da una grande cupola scintillante di vetrate Liberty, da cui pende un immenso lampadario a gocce.

di GABRIELLA MASSA per romaslowtour.com