♥ dalle Idee alle Sceneggiature
Ogni scrittore spera di creare personaggi che il pubblico ami e con cui si identifichi. Decine di creatori ben intenzionati sono caduti accidentalmente nella trappola degli stereotipi quando hanno cercato di realizzare archetipi universali. È utile considerare la differenza. Mentre gli stereotipi limitano chi è un personaggio, gli archetipi aprono i personaggi e ci spingono a relazionarci con loro a un livello profondamente psicologico.
Leggi tutto: Come evitare gli stereotipi e abbracciare gli Archetipi
Le mappe mentali sono un'ottima soluzione organizzativa per gli sceneggiatori, ma come funzionano? Sono uno strumento potente per organizzare idee e strutturare una sceneggiatura in modo chiaro e coerente ottenendo una serie di vantaggi sostanziali. Vediamo come utilizzare una mappa mentale per scrivere una sceneggiatura di un cortometraggio.
Leggi tutto: Uso delle Mappe Mentali per scrivere una Sceneggiatura: esempio pratico
Le metafore sono uno strumento potente nella sceneggiatura di un cortometraggio, in quanto permettono di esprimere concetti complessi e tematiche profonde in modo evocativo e visivamente impattante. Utilizzare metafore nella narrazione può arricchire la storia, fornendo livelli di significato aggiuntivi e coinvolgendo lo spettatore a un livello più profondo.
Leggi tutto: Come inserire metafore nella sceneggiatura del nostro cortometraggio
Scrivere e realizzare un cortometraggio sul tema dell'uso consapevole della risorsa idrica può essere un progetto di grande impatto, sia educativo che emozionale. Ecco alcune argomentazioni e suggerimenti per sviluppare questo tema in un cortometraggio.
La conclusione di una storia è uno degli elementi più cruciali di una sceneggiatura, poiché lascia un'impressione duratura sul pubblico e fornisce la risoluzione del conflitto centrale. Un finale ben costruito non solo risolve le trame e gli archi dei personaggi, ma riflette anche i temi centrali della storia. La conclusione può essere soddisfacente, ambigua, tragica o sorprendente, a seconda del tono e delle intenzioni del narratore. Esplorare in dettaglio come finisce la storia aiuta a garantire che il finale sia coerente con la narrazione precedente e che soddisfi le aspettative create durante il racconto.
Il tormento del protagonista è una delle forze motrici più potenti in una sceneggiatura. Questo elemento si riferisce ai conflitti interni ed esterni che il protagonista affronta durante la storia. Questi tormenti, spesso radicati in paure, desideri insoddisfatti, traumi passati o dilemmi morali, non solo alimentano il conflitto principale della trama, ma danno anche profondità e complessità al personaggio, rendendo la sua evoluzione narrativa più interessante e coinvolgente per il pubblico.
Leggi tutto: In una sceneggiatura: Cosa tormenta il protagonista?
Comprendere che tipo di vicenda stai raccontando e come essa si svolge è fondamentale per costruire una trama coesa e avvincente. Questo punto si riferisce alla natura della storia (genere, tipo di conflitto) e alla sua struttura narrativa (come la storia si sviluppa attraverso gli eventi, gli atti, e le svolte principali). Analizzare in dettaglio la vicenda ti permette di mantenere il controllo della narrazione e assicurarti che ogni elemento contribuisca al messaggio complessivo della storia.
Leggi tutto: In una sceneggiatura: Che vicenda è e come si svolge?
I personaggi sono il cuore pulsante di qualsiasi sceneggiatura. Sono loro che vivono la storia, affrontano i conflitti e crescono nel corso della narrazione. Un personaggio ben sviluppato non solo rende la storia più interessante e coinvolgente, ma permette al pubblico di connettersi emotivamente con ciò che sta accadendo. Per creare personaggi credibili e memorabili, è fondamentale considerare diversi aspetti del loro sviluppo, tra cui la loro personalità, motivazioni, arco narrativo, relazioni e ruolo nella trama.
Il contesto della storia è l'insieme delle circostanze, ambientazioni e condizioni in cui la trama si sviluppa. È essenziale perché stabilisce l'ambiente in cui i personaggi operano e le regole del mondo narrativo. Un contesto ben definito aiuta a creare una narrazione più ricca, immersiva e credibile, influenzando direttamente il tono, i temi e le dinamiche tra i personaggi.
Determinare cosa vuoi comunicare attraverso la tua sceneggiatura è fondamentale per creare una storia che non solo intrattiene ma anche colpisca profondamente il pubblico. Questo aspetto riguarda principalmente i temi, i messaggi e le emozioni che vuoi trasmettere, e serve come guida per ogni decisione narrativa che prendi durante la scrittura. La chiarezza su ciò che vuoi comunicare assicura che la tua storia sia coesa, significativa e in grado di lasciare un impatto duraturo.
Il punto di inizio della storia, noto anche come "inciting incident" o "evento scatenante", è uno degli elementi più cruciali di una sceneggiatura. È l'evento che rompe l'equilibrio iniziale della storia e mette in moto la narrazione, spingendo il protagonista in un nuovo percorso o conflitto. Questo momento deve essere attentamente progettato per catturare fin da subito l'attenzione dello spettatore e creare quindi una base solida su cui costruire il resto della trama.
Leggi tutto: In una sceneggiatura: Cosa dà inizio alla storia?
Quali sono alcuni segreti che ti cambieranno la vita quando correggi le tue sceneggiature? Quando arrivi alla fine della tua sceneggiatura e digiti Fade to Black, Fade Out, o The End, il tuo lavoro non è ancora finito. È solo appena iniziato. La vera scrittura inizia nella fase di riscrittura. Hai trascorso mesi a fare del tuo meglio per comunicare la storia che hai in testa, traducendo quei punti della storia, concetti, personaggi e immagini nel linguaggio cinematografico di una sceneggiatura.
Il tema è l'essenza di qualsiasi storia, ed è particolarmente cruciale nei cortometraggi, dove il tempo limitato richiede una narrazione concisa e mirata. Un tema solido non solo guida lo sviluppo della trama e dei personaggi, ma aiuta anche a creare un impatto duraturo sul pubblico. In questo articolo, esploreremo dettagliatamente l'importanza di avere un tema in un cortometraggio e come sfruttarlo al meglio.
Leggi tutto: L'importanza di un TEMA anche in un Cortometraggio
Il 99% degli sceneggiatori dilettanti non riesce a raccontare una storia. Questi scrittori possono sapere come formattare correttamente una sceneggiatura, come scrivere dialoghi accattivanti e come impostare le scene. Possono avere un personaggio interessante qua e là e forse qualche espediente narrativo intelligente. Ma, invariabilmente, mentre possono avere il nocciolo di una buona idea per una sceneggiatura, non riescono a raccontare una storia che funzioni. Ciò che il 99% presenta invece è una situazione.
La scelta del titolo di un cortometraggio è un'arte complessa che può fare la differenza tra un'opera che passa inosservata e una che cattura l'attenzione del pubblico. Diverse sono le tipologie di titoli che si sono dimostrate particolarmente efficaci nell'incuriosire e coinvolgere lo spettatore.
Ecco alcuni generi di titoli che solitamente funzionano bene:
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Titoli Intriganti e Misteriosi:
- Es.: "L'ombra del dubbio", "Il segreto dell'isola", "La stanza nascosta"
- Questi titoli suscitano curiosità e invitano lo spettatore a scoprire cosa si cela dietro il mistero.
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Titoli Evocativi:
- Es.: "Malinconia", "Euforia", "Nostalgia"
- Questi titoli evocano emozioni e sensazioni, creando un'aspettativa su ciò che il cortometraggio potrebbe trasmettere.
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Titoli Ironici o Sarcastici:
- Es.: "Supereroe per caso", "La vita è un film (e io sono la comparsa)", "Il genio della lampada (è fuori uso)"
- Questi titoli catturano l'attenzione grazie al loro tono ironico e promettono una visione leggera e divertente.
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Titoli Diretti e Chiari:
- Es.: "Un giorno di pioggia", "L'ultimo abbraccio", "Il viaggio"
- Questi titoli sono semplici e diretti, ma possono essere altrettanto efficaci nel comunicare il tema del cortometraggio.
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Titoli Gioco di Parole:
- Es.: "Amori e altri disastri", "La felicità è un optional", "Il tempo vola... e io con lui"
- Questi titoli utilizzano giochi di parole e figure retoriche per creare un impatto memorabile.
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Titoli Citazionali:
- Es.: "Essere o non essere (un supereroe)", "Il tempo è denaro (e io sono al verde)"
- Questi titoli richiamano citazioni famose, creando un legame con la cultura popolare e suscitando curiosità.
Altri fattori da considerare:
- Genere del cortometraggio: Il titolo deve essere coerente con il genere del cortometraggio (commedia, dramma, fantascienza, ecc.).
- Pubblico target: Il titolo deve essere comprensibile e attraente per il pubblico a cui si rivolge il cortometraggio.
- Originalità: Un titolo originale e memorabile può fare la differenza.
- Brevità: Un titolo troppo lungo può risultare noioso e difficile da ricordare.
La scelta del titolo è una decisione importante che può influenzare notevolmente il successo di un cortometraggio. Un buon titolo deve essere intrigante, evocativo e coerente con il contenuto del film. Sperimentando con diverse tipologie di titoli e considerando il pubblico target, è possibile trovare il titolo perfetto per il proprio cortometraggio.
L'inclusione di un Antagonista in un cortometraggio, anche breve, può sembrare un elemento quasi obbligatorio perchè è uno strumento narrativo potente, anche se non è sempre indispensabile, ma in realtà c'è una ragione ben precisa dietro questa scelta narrativa. La scelta di includerlo o meno dipende dalla storia che vuoi raccontare e dall'effetto che vuoi suscitare nello spettatore. L'importante è che il conflitto, in qualsiasi forma si presenti, sia ben definito e contribuisca a rendere il tuo cortometraggio coinvolgente ed emozionante.
Leggi tutto: La necessità dell'Antagonista anche in un Cortometraggio
Quali sono i punti di forza e di debolezza dell'archetipo del personaggio dell'amico non protagonista e come possono gli scrittori utilizzarli nelle loro sceneggiature? Li puoi trovare nella maggior parte dei film e in qualsiasi genere: l'amico leale. Non sono il protagonista. Di certo non sono l'antagonista. Ma spesso rubano ogni scena in cui sono e diventano alcuni dei personaggi più amati del cinema.
Leggi tutto: Come creare l'archetipo del personaggio Amico perfetto
Come si scrive una sceneggiatura che sia un pezzo di carattere che si sviluppa lentamente, e che riesca comunque a mantenere la storia avvincente e coinvolgente per il pubblico o per chi legge la sceneggiatura? Ecco il nono film dell'autore Quentin Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood. Dopo essere esploso sulla ribalta cinematografica delle nostre menti nei primi anni '90, Quentin Tarantino è diventato uno dei volti più iconici della sceneggiatura. Per oltre due decenni le sue sceneggiature ci hanno regalato esempi perfetti di narrazione unica, dialoghi dinamici e alcuni dei personaggi più interessanti mai apparsi sul grande schermo.
Leggi tutto: Perché la sceneggiatura di C'ERA UNA VOLTA A HOLLYWOOD funziona
Il CONT’D (o CONTINUA in italiano) è un'abbreviazione utilizzata nelle sceneggiature per indicare che un personaggio continua a parlare nella scena successiva, senza interruzioni o cambiamenti di inquadratura significativi. Serve a mantenere la fluidità della conversazione e a evitare ripetizioni inutili.
Adattare un racconto in una sceneggiatura per un cortometraggio richiede attenzione sia alla struttura narrativa che alle specifiche tecniche del formato cinematografico. Ecco le regole principali da seguire per trasformare il testo narrativo scelto adeguatamente in una sceneggiatura per un cortometraggio.
Leggi tutto: Come adattare il testo di un racconto in una sceneggiatura per un cortometraggio
Come scrivere secondi atti avvincenti nelle sceneggiature? Alla fine, ogni storia cinematografica (sia lungometraggio che cortometraggio) ha una struttura in tre atti: un inizio, una parte centrale e una fine. Questa è stata la struttura narrativa seguita dall'umanità fin dai tempi in cui si raccontavano storie attorno al fuoco del villaggio o si incidevano pitture rupestri su muri di pietra raffiguranti storie degne di nota di caccia alla preda (inizio), confronto con la preda (parte centrale) e sconfitta della preda (fine).
Leggi tutto: Come padroneggiare la parte centrale della tua sceneggiatura
Su quali aspetti gli sceneggiatori possono anzi debbono concentrarsi per aumentare le loro probabilità di vincere concorsi o competizioni? Se vuoi vincere un concorso di sceneggiatura devi avere un piano. Non puoi semplicemente improvvisare e inviare una bozza casuale del tuo ultimo lavoro per testare le acque. Devi essere meticoloso nel tuo approccio al concorso, sapendo che altri probabilmente faranno lo stesso per migliorare le loro probabilità di piazzamento e di vittoria.
Nel suo romanzo stimolante Martian Time-Slip , Dick scrisse:
Questo suona sorprendentemente come la necessità dei replicanti di collezionare fotografie nel tentativo di creare memoria dove non esisteva. I replicanti non possono essere membri di "una data cultura con dati valori", perché non viene mai dato loro il tempo di apprendere quei valori. Poiché mancano delle "figure autorevoli" (in particolare i genitori) che insegnino o "impiantino" in loro le necessarie spinte sociali che Dick menziona, non hanno né cultura né valori oltre a quelli che creano loro stessi.
La moralità è anche un tratto appreso, insegnato sia dalla cultura che da queste stesse figure autoritarie. Tuttavia Blade Runner suggerisce che una società che gioca a fare Dio creando esseri a immagine dell'uomo è anche amorale, soprattutto se non concede a tali esseri gli stessi diritti ed esperienze concessi agli umani. In questa luce, le azioni dei replicanti non sembrano peggiori di quelle degli umani, e sono persino in una certa misura più giustificate.
Quando Roy Batty affronta il suo creatore Tyrell, ha dubbi sulla propria moralità e solleva l'argomento come per chiedere a Tyrell un consiglio paterno.
Pazzo
Ho fatto delle cose discutibili.
PNEUMATICO
Anche cose straordinarie.
Pazzo
Nemmeno il Dio della biomeccanica
ti avrebbe lasciato entrare in paradiso.
Come puoi vedere dal dialogo a sinistra, Tyrell non si preoccupa delle azioni di Roy e quindi in una frase dimostra di essere un pessimo arbitro della moralità. Roy se ne rende immediatamente conto e la sua risposta è sarcasticamente giusta al punto. Roy, sotto le mentite spoglie di un bacio a Tyrell (un bacio della morte, l'inverso del "bacio della vita" datogli da Tyrell), uccide il suo creatore. Così facendo, questa azione rispecchia l'omicidio simbolico di Dio da parte dell'uomo (il spesso citato "Dio è morto" nietzschiano); la morte del padre-Dio rappresenta l'atto dell'umanità che si assume la responsabilità della propria moralità e delle proprie azioni, in altre parole, l'uomo ora interiorizza la moralità invece di collocarla all'esterno di sé e assume su di sé il mantello del "libero arbitrio". Ciò rispecchia anche l'idea di un bambino che ha bisogno di uccidere simbolicamente il proprio genitore per assumersi la responsabilità della propria vita. Che serie di simboli carichi!
Durante la scena del gatto e del topo tra Roy e Deckard, il monologo di Roy è un dibattito filosofico ad alta voce con se stesso sulla natura della vita e della moralità. A un certo punto Roy provoca Deckard con la battuta: "Non dovresti essere l' uomo buono?"
La prova finale che Roy ha effettivamente accettato la responsabilità delle sue azioni, e in effetti si rifiuta di essere una mera marionetta del destino, arriva quando salva la vita di Deckard invece di lasciarlo cadere verso la morte. Così facendo, Roy rompe lo schema stabilito per lui dal destino: va contro la sua natura per dimostrare di essere in grado di infrangere lo stretto schema comportamentale stabilito dal suo creatore. E sebbene accetti l'inevitabile fatto della sua morte imminente, ostacola l'inevitabilità della morte di Deckard salvandogli la vita, il che ha l'effetto collaterale di rinnovare la ragione di vita di Deckard.
Tutti questi potenti simboli e momenti indicano strati di profondità e sostanza che compongono la vera storia dietro Blade Runner: non si tratta di un uomo mandato a rintracciare umani sintetici, ma di un uomo che riscopre la sua umanità. La caccia ai replicanti è la struttura, non il messaggio.
Creazione del tema
Confondere l'azione fisica con il significato di una storia, o semplicemente ignorare qualsiasi scopo più profondo che non sia quello di intrattenere, è il motivo per cui così tanti film di questi tempi sembrano vuoti. Il tuo compito come scrittore è incorporare il tema dall'inizio del processo di scrittura, e non semplicemente inserirlo come glassa sulla torta; il tema è la torta.
I temi sono correlati agli obiettivi interiori dei personaggi, ai loro bisogni psicologici e/o emotivi che vengono spesso esplorati tramite sottotrame. Pertanto, un approccio solido alla creazione del tema potrebbe essere adottato attraverso la seguente serie di passaggi:
Formula l'idea centrale della tua storia come una domanda o una premessa. |
ESEMPI
Domande:
Premesse:
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Identificare l'argomento principale della questione. |
ESEMPI
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Crea personaggi che incarnino questi argomenti. |
Esempio pratico: un poliziotto idealista contro un gangster cinico. |
Inquadra la struttura della storia in termini di argomentazione. |
Esempio: Mentre il poliziotto combatte il gangster nel perseguimento del suo puro ideale di giustizia (idealismo), viene attirato dalle dolci tentazioni del crimine. Il poliziotto vede che tutta la società è corrotta, che ogni membro della polizia è corrotto e si gode la bella vita perché tutti conoscono il conto in banca. Vede che se le persone hanno abbastanza soldi, restano impuniti tramite corruzione o si fanno pagare da avvocati costosi. Comincia a disilluso e ora si muove verso il cinismo. |
Personalizza questo argomento per il personaggio principale sotto forma di una o più sottotrame che dividono il personaggio tra i due estremi. |
Esempio: il poliziotto è in difficoltà economiche e la sua famiglia è ospitata in un appartamento economico in un quartiere malfamato. Suo figlio ha bisogno dell'apparecchio ortodontico e viene picchiato mentre torna a casa da scuola, la moglie viene molestata per le strade malfamate e desidera una vita migliore perché ha sacrificato i suoi sogni per la carriera del poliziotto, ecc. Proprio il gangster che il poliziotto insegue gli offre denaro per abbandonare la sua caccia e il poliziotto sa che iniziare semplicemente a prendere tangenti sarebbe una via d'uscita per sé e per la sua famiglia sofferente. |
L'idea di un personaggio principale morale che lotta per evitare la tentazione, come nell'esempio precedente, ha funzionato per molti film, l'esempio più semplice è la trilogia di Star Wars, in cui Darth Vader tenta Luke con il potere del Lato Oscuro. L'arco narrativo di Han Solo va nella direzione opposta: passa dal cinismo all'idealismo, proprio come il personaggio di Bogart in Casablanca.
In Blade Runner, il suo "argomento narrativo" di umanità contro disumanità delinea perfettamente gli archi trasformativi di Deckard e Roy. Collega anche l'idea di umanità con la moralità. (Per ulteriori informazioni su come creare una premessa narrativa praticabile e per una grande discussione sull'approccio dialettico alla narrazione, ovvero due punti di vista in conflitto, vedere l'importante e influente libro The Art of Dramatic Writing di Lajos Egri.)
Tieni presente che puoi trattare più di un tema in una storia (se sei coraggioso!), ma che idealmente dovrebbero essere correlati e intrecciati con gli altri temi, e che ogni tema in genere richiede una sua sottotrama.
Se pensi al tema fin dall'inizio del tuo processo di scrittura, darai al tuo lavoro la profondità necessaria che ti consentirà di portare la tua narrazione a un livello superiore.
Fine Articolo dal sito uncleanarts.com
Non esiste nessun altro elemento di una storia che incarni così tanto la sua ragione di esistenza quanto il tema. Il tema è il motivo per cui una storia, una bella storia, viene raccontata in primo luogo. Una storia senza tema, come si vede in tanti film realizzati oggigiorno, non è affatto una vera storia, ma semplicemente una recitazione di eventi sequenziali. Senza tema, una storia è priva di significato, di verità più profonda. Tanti film non riescono a commuovere il pubblico perché sono meri simulacri di film veri e propri: sotto la loro pelle non si trovano altro che ingranaggi e fili della formula di Hollywood, non la carne e le ossa di una storia viva.
Le prime pagine di una sceneggiatura sono fondamentali per il successo di un film. Esse stabiliscono il tono, introducono i personaggi principali, delineano il contesto e catturano l'interesse del pubblico. Di seguito esploreremo in dettaglio le ragioni per cui le prime pagine della sceneggiatura sono così cruciali, fornendo informazioni, suggerimenti e trucchi per scriverle in modo efficace.
Leggi tutto: Perché sono Importanti le Prime Pagine della Sceneggiatura
Quando scrivi una sceneggiatura, la tua sceneggiatura, è cruciale assicurarsi che ogni elemento della storia sia ben definito e coerente. Rispondere a una serie di domande chiave può aiutare a verificare che la tua sceneggiatura sia solida e efficace e possa quaindi catturare l'attenzione del pubblico. Ecco le sette domande principali da considerare, con una spiegazione dell'importanza di ciascuna:
Quali sono alcune semplici linee guida che gli sceneggiatori possono seguire per scrivere logline efficaci? Scrivere una logline avvincente e coinvolgente è una forma d'arte a sé stante. Ma proprio come nella sceneggiatura, non esiste una formula segreta per il successo. Qui ci allontaniamo da direttive, teorie e regole approfondite per offrire linee guida semplici che puoi applicare al tuo processo per aiutarti a scrivere la sinossi più efficace per la tua sceneggiatura.
Che i tuoi personaggi sfidino le leggi della natura o riflettano semplicemente sul passato, uno sceneggiatore ha molti modi per orientarsi nei cunicoli temporali. Forse perché il tempo è qualcosa che gli umani non possono controllare, cattura continuamente la nostra curiosità e ci ispira a fare un salto quantico nell'ignoto della nostra immaginazione. Molte opere di narrativa trattano del nostro fascino per il tempo.
Leggi tutto: Come gestire i Viaggi nel Tempo nella tua sceneggiatura
Una sceneggiatura efficace è il cuore di qualsiasi produzione cinematografica, fornendo una guida dettagliata per registi, attori, e troupe. Le cinque domande fondamentali - Chi? Cosa? Quando? Dove? Perché? - giocano un ruolo cruciale nella costruzione di una sceneggiatura solida e avvincente. Questo articolo esplorerà l'importanza di ciascuna di queste domande e dando a ciascuna domanda la risposta appropriata può migliorare la qualità della tua sceneggiatura.
Leggi tutto: Chi? Cosa? Quando? Dove? Perché? L'importanza in una sceneggiatura
Spaventarsi è di nuovo cool. Con l'attuale visibilità dei film horror di alta classe, il genere ha trovato nuova linfa vitale. Ma come si scrive una sceneggiatura che faccia paura? È impossibile creare una storia che spaventi tutti, ma i precedenti classici horror mostrano i loro oscuri schemi che il sangue fresco può seguire. Accendete le candele, spegnete le luci e rabbrividite al processo di costruzione di uno spavento.
Leggi tutto: L'Arte di scrivere HORROR: costruire uno spavento
Qual è il tema di una sceneggiatura e come possono gli sceneggiatori trovarlo nelle loro storie? Il tema, insieme alla struttura, è uno dei termini accademici più dibattuti nella scrittura. E ad Hollywood è un argomento confuso, filosofico e frustrante, ma di cui tutti non smettono di parlare. Quando studi l'arte e il mestiere della sceneggiatura, il tema è un argomento a cui non puoi sfuggire. E poi quando scrivi una sceneggiatura e ricevi feedback, l'argomento continua a perseguitarti. Una nota standard nel feedback e nella copertura della sceneggiatura è: "Qual è il tema?"
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Quanto conosci i tuoi personaggi? Rispondi a questo questionario sul tuo personaggio per scoprirlo. Lo sviluppo del personaggio è difficile, ma sai cosa è più difficile? Sviluppare personaggi multidimensionali con profondità e affidabilità. Ma come si avvia questo processo? Che tipo di aspetti dei tuoi personaggi dovresti conoscere per realizzarli bene?
Creerai molti tipi diversi di personaggi per arricchire la tua storia. Ovviamente, il protagonista – eroe o antieroe – è il tuo personaggio principale e merita la massima attenzione. Tuttavia, la maggior parte delle storie include anche un antagonista, si spera un cattivo complesso e stratificato, e poi c'è una pletora di personaggi secondari – amici e rivali, persino personaggi simbolici e non umani – che sono essenziali per portare avanti la storia.
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La creazione di personaggi memorabili e diversificati è essenziale per una narrazione coinvolgente. Una mappa concettuale (ovvero la rappresentazione grafica della rete di relazioni tra più concetti, a partire da quello iniziale) dei vari tipi di personaggi può aiutare gli scrittori a esplorare le varie sfaccettature della caratterizzazione, garantendo che ogni personaggio sia unico e rilevante per la trama.
Leggi tutto: Mappa concettuale di diversi tipi di personaggi
Obiettivo: scavare in profondità con un personaggio, scoprendo la storia di fondo, la personalità, la psicologia e gli obiettivi attuali del tuo Personaggio drammatico. Esercizio: scrivi una descrizione dettagliata del tuo personaggio principale. Suggerimenti: dobbiamo comprendere le loro pulsioni, paure, obiettivi e dovremo essere in grado di immaginarli e ascoltarli.
- 5 suggerimenti per scrivere grandi adattamenti cinematografici
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