Vuoi scrivere un cortometraggio ma hai bisogno di aiuto per trovare idee convincenti? A volte leggere semplici suggerimenti di storie è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi. Otteniamo le nostre idee da molte fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc. Possono provenire da una scena o un momento in un film che non è stato completamente esplorato. Possono provenire da un singolo elemento visivo che attira la mente creativa, un seme che continua a crescere e crescere fino a quando lo scrittore non è costretto a metterlo finalmente su carta o schermo.
Possono ispirare sceneggiature, romanzi, racconti o anche momenti più piccoli che puoi includere nelle storie che stai già scrivendo.
Prima di passare ai nostri 101 suggerimenti per cortometraggi, esaminiamo rapidamente un paio di fattori importanti per la scrittura di sceneggiature per cortometraggi.
IL CONCETTO È TUTTO
Il rito di passaggio per qualsiasi regista è realizzare un cortometraggio avvincente. È qui che i cineasti si fanno le ossa e diventano davvero maggiorenni. È anche un viaggio epico attraverso le vette più alte e le valli più profonde, poiché i cineasti alle prime armi imparano rapidamente che non è facile come avere solo poche persone, un microfono a braccio e una telecamera: hai bisogno di un grande concetto.
Mostrare un cortometraggio di teste parlanti non ti farà notare dal pubblico o dagli addetti ai lavori. Devi catturare la loro attenzione con narrazioni avvincenti e coinvolgenti che hanno un inizio, una parte centrale e una fine entro il tempo di esecuzione del cortometraggio di 40 minuti o meno (in genere vuoi restare con 5-20 minuti per la maggior parte del tempo) .
ECONOMIZZA LA TUA NARRAZIONE
I cortometraggi dovrebbero anche concentrarsi su finestre di storie più piccole.
- Invece di fare in modo che il tuo cortometraggio racconti la drammatica storia del tuo personaggio alcolizzato che cerca di diventare sobrio nel corso di un anno, perché non concentrarti sull'ultimo giorno dell'ultima fase del loro programma in 12 fasi?
- Invece di fare in modo che la tua breve sceneggiatura racconti la storia epica di una battaglia storica della seconda guerra mondiale, perché non concentrarti su un soldato mentre affronta il conflitto generale?
- Invece di far raccontare al tuo racconto l'orribile storia di un serial killer che insegue e uccide più vittime, perché non incentrare la storia su una singola vittima nella loro casa che guarda i notiziari degli omicidi e poi sente uno scricchiolio del pavimento dall'alto?
GUARDA I CORTOMETRAGGI
È così semplice: guarda i cortometraggi. E leggi la sceneggiatura di un cortometraggio se riesci a metterne le mani sopra... (nel nostro sito ilcorto.eu ci sono molte sceneggiature...)
Nota: poiché siamo tutti collegati alla stessa cultura pop, titoli di notizie e ispirazioni, qualsiasi somiglianza con sceneggiature, romanzi, racconti, pilot televisivi, serie televisive, opere teatrali passate, presenti o future o qualsiasi altra opera creativa è puramente casuale. Questi suggerimenti per la scrittura di storie vere sono stati concepiti al volo o si basavano sulla ricerca di storie vere interessanti che sono là fuori. Mentre alcuni potrebbero aver dimostrato di essere già stati raccontati, ci sono sempre trame alternative non coperte da ciò che è già stato scritto e prodotto.
1. Qualcuno che sta guardando un notiziario su un serial killer locale sente scricchiolare un'asse del pavimento.
2. Un giovane fratello e una sorella sopravvivono dopo l'apocalisse.
3. Qualcuno che sta leggendo un libro spaventoso sente bussare alla porta.
4. Un alcolista fatica a decidere se bere o meno.
5. Studenti di una scuola elementare alle prese con l'ora di pranzo sopravvissuta.
6. Studenti di una scuola elementare alle prese con la ricreazione sopravvissuta.
7. Adolescenti sopravvissuti alla politica scolastica dell'ora di pranzo.
8. Un giocatore dipendente si siede a un tavolo.
9. Un giorno nella vita del primo astronauta su Marte.
10. Un giorno nella vita della prima colonia su Marte.
11. Un uomo e una donna continuano a vedersi durante una serata fuori con i rispettivi amici.
12. L'esperienza di un personaggio invitato a una festa di laurea di uno che non conosce.
13. Il primo clone umano si risveglia.
14. La durata della vita di un cane.
15. La durata della vita di un gatto.
16. Dracula è nella sua bara, non riesce a dormire e deve ammazzare il tempo fino al tramonto.
17. Un bambino afroamericano va a scuola a piedi in un pericoloso quartiere urbano.
18. Un personaggio si sveglia con una pistola in mano e sangue dappertutto .
19. Un giorno nella vita di un astronauta che vive sulla luna.
20. Il primo giorno di scuola per un nuovo studente mentre lottano per farsi un amico.
![](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2022/09/Mean-Girls-1024x575.png)
'Mean Girls' (2004)
21. La battaglia immaginaria di una campagna di Dungeons and Dragons.
22. La vita di una pistola quando colpisce le strade.
23. La storia di un pilota che vede un UFO nei cieli.
24. Un robot prende vita nella bottega di un inventore.
25. Una persona lotta per sopravvivere dopo essere stata sbalzata dall'auto in un incidente.
26. Un remake del film muto originale The Great Train Robbery.
27. Un giorno nella vita di un cucciolo.
28. Un soldato tedesco che cerca di fuggire dalla Germania nazista.
29. Una donna in una casa viene attaccata dagli alieni.
30. A una persona viene concesso il desiderio di volare.
31. A una persona viene concesso il desiderio di essere invisibile.
32. Una persona esprime il desiderio di essere di nuovo giovane.
33. Un uomo sul letto di morte viene portato in viaggio.
34. Una donna trascorre una notte con il suo bambino appena nato, solo per doverlo dare ai genitori adottivi.
35. Un giorno nella vita di un ladro professionista.
36. Un giorno nella vita di un detective della omicidi.
37. Un giorno nella vita di un insegnante.
38. Il nuovo arrivato nel quartiere fa fatica a farsi degli amici.
39. Uno schiavo lotta per sfuggire ai suoi malvagi inseguitori bianchi.
40. L'ascesa solitaria di uno scalatore.
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"Solo libero" (2018)
41. Il giorno nella vita di un giocatore professionista.
42. Il mondo mostrato attraverso gli occhi di un drone.
43. Una telefonata notturna in un centro per la prevenzione del suicidio.
44. Il duello di Alexander Hamilton e Aaron Burr.
45. Il duello di due samurai.
46. Un giorno nella vita di una domestica che lavora per una ricca famiglia.
47. Una madre che fa tre lavori in un solo giorno e poi torna a casa per dare il bacio della buonanotte al figlio.
48. Una giornata nella vita di un camionista.
49. Un astronauta atterra su un pianeta deserto.
50. Un giorno nella vita di un angelo sulla Terra.
51. Insegnante di giorno, spogliarellista di notte.
52. Un vampiro decide di suicidarsi alla luce del sole dopo un'ultima notte in città.
53. Un giorno nella vita di una spogliarellista di Las Vegas.
54. Viene rivelato che una persona triste si stava preparando per il funerale di una persona cara.
55. Viene rivelato che l'amico di un bambino è in realtà immaginario.
56. Una babysitter deve salvare un bambino quando un incendio boschivo bombarda il quartiere.
57. I surfisti si perdono in mare dopo che le maree li hanno tirati fuori.
58. Un ranger del parco scopre un cadavere.
59. Un agente di viaggio fatica a mantenere un lavoro che non ha significato contemporaneo.
60. Una casa infestata.
![](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2022/09/101-Story-Prompts-to-Kickstart-Your-Short-Film_The-Conjuring-1024x578.jpg)
'L'evocazione' (2013)
61. Un astronauta torna a casa ma nessuno ricorda chi sia.
62. Un giorno nella vita dell'ultimo uomo sulla Terra.
63. Un giorno nella vita dell'ultima donna sulla Terra.
64. Un giorno nella vita dell'ultimo cane sulla Terra.
65. Quando il WiFi si interrompe, i ragazzi del vicinato scoprono come divertirsi.
66. Quattro maestre d'asilo e le loro esilaranti vite dopo il suono della campanella.
67. Un assassino rimandato indietro nel tempo lotta per uccidere Baby Hitler.
68. Una corsa Uber andata male.
69. Un autista di Uber raccoglie un sicario.
70. L'Angelo della Morte, in forma umana, visita le sue vittime.
71. Due persone sono bloccate insieme in un ascensore.
72. Due persone sono bloccate tra le macerie di un edificio crollato e lottano per sopravvivere: è una tragica storia dell'11 settembre.
73. Un attore attraversa una giornata di audizioni e vita a Los Angeles.
74. Un personaggio trova un oggetto magico in un negozio di antiquariato.
75. Un uomo contempla il suicidio e trova una ragione inaspettata per vivere.
76. Un uomo cerca di diventare un supereroe.
77. Una giornata nella vita di un pilota di caccia raccontata all'interno della cabina di pilotaggio .
78. Un uomo e una donna si innamorano nel corso di trent'anni di incontri casuali.
79. Un uomo vince alla lotteria e fa buone azioni con i soldi finché non sono tutti finiti.
80. Un serial killer che insegue una vittima.
![](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2022/09/101-Story-Prompts-to-Kickstart-Your-Short-Film_Psycho-1024x557.png)
"Psico" (1960)
81. Un clone umano fugge da una struttura di ricerca per trovare il proprio doppio.
82. Un uomo scopre il loro doppelganger.
83. Una donna scopre il loro doppelganger.
84. Un bambino scopre il suo doppelganger.
85. Un ladro d'auto ruba accidentalmente un'auto piena di bambini mascalzoni.
86. Un uomo torna nella sua città natale solo per scoprire che nessuno si ricorda di lui.
87. Un cavaliere si raddoppia con un altro.
88. Una donna si sveglia e scopre che tutti gli altri sulla Terra sono scomparsi.
89. Un giovane Sherlock Holmes alle scuole medie risolve un mistero.
90. Un bambino si allontana sulla sua grande ruota solo per essere trovato più tardi quella notte da un camionista.
91. Una donna si risveglia su un'isola e si rende conto di essere l'unica sopravvissuta a un incidente aereo.
92. Qualcuno si sveglia con la capacità di ascoltare i pensieri di tutti.
93. Qualcuno si sveglia con la capacità di toccare chiunque e vedere quando moriranno.
94. Un cowboy incontra un UFO.
95. Un marinaio incontra un UFO.
96. Una riunione tra vecchi amici del liceo va male quando emergono problemi del passato.
97. Un uomo in una stanza degli interrogatori confessa.
98. Un uomo bloccato in un ingrato lavoro aziendale un giorno esce e parte per un viaggio.
99. Un giorno, una donna decide finalmente di lasciare il marito violento.
100. Una storia di formazione su un ragazzo delle scuole medie che affronta i bulli.
101. Un rapinatore di banche per la prima volta è costretto a prendere ostaggi poiché si pente immediatamente delle sue scelte.
![](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2022/09/101-Story-Prompts-to-Kickstart-Your-Short-Film_Dog-Day-Afternoon-1024x576.jpg)
Un pomeriggio di un giorno da cani
di Ken Miyamoto per screencraft.org
Gli sceneggiatori dovrebbero sforzarsi di offrire più diversità nelle loro sceneggiature? In tal caso, quali sono i modi semplici per farlo? La diversità nello scrivere storie è diventata un argomento più diffuso nel mondo cinematografico ad Hollywood e non solo negli ultimi anni: perché? Le industrie cinematografiche e televisive stanno attivamente rendendo i loro progetti più diversificati e inclusivi. È un movimento straordinario e atteso da tempo per offrire una maggiore rappresentazione di razza, religione, disabilità e genere.
Come sceneggiatore che cerca di sfondare nell'industria cinematografica e televisiva, sei costantemente bombardato da cosa dovresti fare e come dovresti farlo. Qui, ci concentreremo su un elenco generale di cose che dovresti evitare di fare quando scrivi una sceneggiatura. Tratteremo:
- Semplici linee guida e aspettative sul formato
- Elementi della storia
- Elementi caratteriali
- E molto di più
L'elenco è pensato per essere un approccio semplicistico per tenere fuori dai tuoi script comuni segnali d'allarme ed errori. Si basa sulle linee guida e sulle aspettative del settore, nonché sugli errori che gli sceneggiatori professionisti come me hanno fatto - e da cui hanno imparato - lungo la strada.
1. Non inserire i numeri WGA sulla copertina (o in qualsiasi parte del copione). Sono usati solo per il contenzioso in USA.
2. Non mettere i numeri di copyright degli Stati Uniti sulla tua copertina (o ovunque nel tuo copione). Sono usati solo per il contenzioso.
3. Non inserire indirizzi postali sul frontespizio (gli indirizzi e-mail sono sufficienti di questi tempi).
4. Non inserire logline nel frontespizio.
5. Non includere una sinossi all'interno del tuo copione.
6. Non includere la suddivisione dei personaggi nella tua sceneggiatura (come vedi con le commedie).
7. Non includere i numeri di scena negli script delle specifiche: sono solo per scopi di produzione o collaborazione.
8. Non includere bozze di pagine a colori: sono solo a scopo di bozze di produzione.
9. Non includere la transizione CUT TO nelle tue sceneggiature: non sono necessarie e sono implicite nell'intestazione di ogni scena.
10. Non includere le indicazioni della telecamera (Medium Shot, Camera Dollies, ecc.) - non è il tuo lavoro.
11. Evita di fare riferimento a nomi di brani specifici: non è il tuo lavoro, il lettore potrebbe non conoscerli e lo studio potrebbe non essere in grado di ottenerne comunque i diritti.
12. Cerca di evitare di usare CONTINUOUS nell'intestazione della scena perché la maggior parte delle persone usa comunque impropriamente il termine.
13. Cerca di evitare di usare molte transizioni fantasiose (Iris In, Iris Out, Flash Cut To, Jump Cut To, Match Cut To, Match Dissolve To, Smash Cut To).
14. Non scrivere paragrafi di descrizioni di scene. Invece, concentrati su blocchi da una a tre frasi (in alto). I frammenti sono i benvenuti.
15. Non usare descrizioni di scene poetiche: è per i romanzi.
16. Evita di usare troppe parentesi (con fermezza, dolcezza, eloquenza). Invecchiano velocemente per i lettori.
17. Evita di usare un vocabolario elaborato. Rallenta la lettura. Mantienilo semplice.
18. Evita terminologia tecnica eccessivamente specifica nella descrizione della scena. Scrivi mitragliatrice tattica invece di Beretta Mx4 Storm. Scrivi Special Forces Helicopter invece di Boeing A/MH-6M Little Bird .
19. Non scrivere Ringraziamenti alla fine della sceneggiatura: spazio sprecato.
20. Non dirigere l'attore dicendogli dove dovrebbe avere una battuta tra un dialogo e l'altro.
21. Non abusare dell'ellisse nel tuo dialogo.
22. Non usare simboli per rappresentare le parolacce ($@#$), scrivi solo le parolacce. Hollywood impreca. Non si offenderanno.
23. Non abusare delle parole sottolineate nel tuo dialogo. Usali con parsimonia.
24. Non abusare del MAIUSCOLO nei tuoi dialoghi. Usali con parsimonia.
25. Non abusare del MAIUSCOLO nella descrizione della scena. Usali con parsimonia.
26. Non abusare dei punti esclamativi nei tuoi dialoghi. Uno necessario in una frase è sufficiente.
27. Non chiedere ai tuoi personaggi di affermare l'ovvio nei loro dialoghi.
28. Non fare affidamento sul dialogo espositivo .
29. Evita dialoghi troppo superficiali .
30. Non fare affidamento su espedienti nella tua sceneggiatura. Devono esserci storie interessanti e personaggi avvincenti per sostenerlo.
31. Non scrivere una storia da testa parlante per le tue sceneggiature. Hollywood non li vuole a meno che tu non sia un regista di talento che ha diretto un forte pezzo di testa parlante. Non li vogliono come script specifici.
32. Non avere una formattazione eccessivamente occupata. Concentrati solo sull'uso dell'intestazione della posizione, della descrizione della scena, dei nomi dei personaggi e del dialogo.
33. Non entrare troppo nei dettagli del guardaroba di un personaggio. Non è il tuo lavoro.
34. Non entrare nei dettagli più importanti del design di produzione di ogni scena. Non è il tuo lavoro.
35. Non usare la descrizione della scena per menzionare i pensieri intimi di un personaggio.
36. Non limitarti a scrivere la tua versione di un film popolare. Dagli qualcosa di nuovo. Una nuova svolta o direzione presa.
37. Evita cliché e stereotipi.
38. Non includere scene che non portano avanti la storia.
39. Non includere scene divertenti e battute che non siano parziali rispetto alla storia e agli archi dei personaggi.
40. Non prendere le prime dieci pagine per introdurre i personaggi.
41. Non prendere il primo atto per introdurre i personaggi.
42. Non avere personaggi impeccabili che siano eccessivamente benefattori o "boy scout" o "girl scout".
43. Evita di avere punti di vista politici eccessivamente specifici all'interno del tuo copione. Saranno scoraggianti e non sono favorevoli al mercato.
44. Non rendere i tuoi antagonisti eccessivamente malvagi. È noioso. Dai loro alcuni punti di vista giustificabili, anche se sono distorti.
45. Non seguire i beat sheats del guru della sceneggiatura fino a una maglietta con il numero di pagina. Questi tipi di script sono eccessivamente prevedibili.
46. Non limitarti a dircelo. Mostraci.
47. Evita gli avviamenti a combustione lenta negli script delle specifiche.
48. Non scrivere uno script specifico che superi le 120 pagine. Concentrati sul punto debole di 90-115. Non importa se una sceneggiatura vincitrice di un Oscar che hai letto era lunga 130, 140, 150 o 180 pagine.
49. Non introdurre troppi personaggi nelle prime pagine. I lettori ne perderanno le tracce.
50. Non avere troppi errori di ortografia nella tua sceneggiatura. Anche i professionisti ne hanno alcuni. Ma se la tua sceneggiatura ne è piena, non andrà d'accordo con gli addetti ai lavori del settore.
51. Non avere troppi errori grammaticali nella tua sceneggiatura. Vedere # 50 sopra per ulteriori spiegazioni.
52. Non ci sono troppi errori omonimi/omofoni nel copione (Lì, Loro, Loro sono, ecc.). Di nuovo, vedi #50 per ulteriori spiegazioni.
53. Non entrare nei dettagli della storia passata di un personaggio. Abbiamo solo bisogno di ciò che è fondamentale per la finestra della storia che stai presentando.
54. Non allontanarti troppo da Night and Day nei titoli delle tue scene. È una cosa di visualizzazione e produzione.
55. Non includere illustrazioni nelle pagine del copione.
56. Non allontanarti dai margini generali del formato nella tua sceneggiatura. Procurati del software.
57. Non inserire messaggi personali, prefazione o postfazione nelle tue sceneggiature.
58. Non finire le tue sceneggiature su un cliffhanger.
59. Non includere presentazioni alla fine di sequel e franchise.
60. Non scrivere una sceneggiatura basata su una proprietà intellettuale che non possiedi.
61. Non scrivere sequel di film in franchising. Non verranno letti.
62. Non inviare copie cartacee delle tue sceneggiature a manager, agenti, produttori, registi o talenti. Non verranno letti.
63. Non allegare il tuo script per interrogare le e-mail. Non verranno letti.
64. Non inviare il tuo script da nessuna parte a meno che non sia stato richiesto tramite una query o un rinvio.
65. Non scrivere una sceneggiatura che non possa essere definita come un genere o sottogenere specifico o un ibrido di due generi. Hollywood non può commercializzare un dramma horror tragicomico ambientato nello spazio.
66. Non vendere la tua sceneggiatura ai grandi agenti. Per norma, non leggeranno le tue domande.
67. Non vendere la tua sceneggiatura a un elenco generale di produttori famosi (Ron Howard, Steven Spielberg, JJ Abrams, Jerry Bruckheimer, ecc.). Non leggeranno le tue domande.
68. Non commercializzare la tua sceneggiatura a un'azienda che non fa film nel genere in cui si trova la tua sceneggiatura. È una perdita di tempo. Fai la tua ricerca.
69. Evita di scrivere e-mail di query troppo lunghe quando commercializzi il tuo script.
70. Non fare affidamento su gruppi di scrittura e copertura della sceneggiatura a pagamento per aggiustare la sceneggiatura per te. Il feedback è buono. Ma dovrai imparare a farlo da solo.
71. Non mettere tutte le tue uova in quell'unico paniere che è un singolo copione. Commercializzalo. Presentalo alle principali competizioni. E poi vai avanti.
72. Non accontentarti di avere un paio di sceneggiature. Devi costruire il tuo stack fino al punto in cui hai 3-5 fantastici script.
73. Non impiegare sei mesi e oltre per scrivere una sceneggiatura. Dopo quei primi due copioni, impara a scrivere come un professionista rispettando scadenze professionali. Concentrati sulla possibilità di finire una sceneggiatura entro 2-3 mesi.
74. Non scoraggiarti per il rifiuto. Il rifiuto non finisce mai, anche quando sei un professionista.
75. Non trasformarti in uno sceneggiatore cinico che incolpa tutto e tutti gli altri per il tuo insuccesso.
SUGGERIMENTO BONUS: Evita di essere eccessivamente paranoico con il marketing delle tue sceneggiature. Se fai la tua ricerca (IMDbPro) e commercializzi solo con entità legittime, starai bene. Nessuno vuole rubare il tuo lavoro. È più economico per loro semplicemente opzionarlo o acquistarlo, invece di occuparsi di contenzioso.
di Ken Miyamoto per screencraft.org
PASSAGGIO N. 8: PRENDITI UNA PAUSA DALLA SCRITTURA
Parliamo di un elemento vitale all'interno del tuo processo di scrittura: l'interruzione della scrittura.
Una pausa di scrittura è una pausa nel lavoro. Potrebbe durare minuti, ore, giorni, settimane o mesi (di seguito tratteremo tutto). Indipendentemente da ciò, è dove ti allontani dal computer o dal laptop e ti disimpegni dall'attività a portata di mano.
Robert Pozen, docente presso la Sloan School of Management del MIT e autore di Extreme Productivity: Boost Your Results, Reduce Your Hours , ha dichiarato a Fast Company :
“Quando le persone svolgono un compito e poi [si prendono una pausa], aiutano il cervello a consolidare le informazioni e a conservarle meglio. Questo è ciò che sta accadendo fisiologicamente durante le pause.
La maggior parte dei ricercatori sulla produttività concorda sul fatto che le pause sono vitali per tutti i turni di lavoro. Ti consente di aggiornare e impegnarti nuovamente nell'attività da svolgere.
L'apprendimento delle pause è applicabile alla discussione precedente sul concentrarsi sulle sessioni di scrittura per ore. Ma parleremo anche dell'importanza di prendersi una pausa dopo aver finito la prima bozza.
LA SCENEGGIATURA SI INTERROMPE DI POCHI MINUTI
I ricercatori sulla produttività offrono eccellenti analisi di un numero ideale di minuti di lavoro produttivo.
Pozen commenta:
“Non pensare alle pause in termini di prendere un determinato numero al giorno, come 12 o cinque. La vera domanda è: qual è il periodo di tempo appropriato di lavoro concentrato che puoi fare prima di fare una pausa?"
Ci sono alcuni suggerimenti professionali diversi per quanto riguarda i minuti di pausa quando si tratta di produttività.
SESSIONI DI SCRITTURA DA 75 A 90 MINUTI
Pozen afferma che lavorare per 75-90 minuti sfrutta le due modalità del cervello:
- Apprendimento o messa a fuoco
- Consolidamento
Kevin Kruse, autore di 15 segreti che le persone di successo conoscono sulla gestione del tempo, indica il lavoro di Tony Schwartz, fondatore dell'Energy Project. Schwartz ha coniato la pratica come un processo di impulso e pausa , essenzialmente espandendo l'energia della produttività e poi rinnovandola.
"La sua ricerca mostra che gli esseri umani passano naturalmente dalla piena concentrazione ed energia alla fatica fisiologica ogni 90 minuti".
Ma come combattono la maggior parte di quella stanchezza? Kruse dice:
"Li superiamo con caffè, bevande energetiche e zucchero... o semplicemente sfruttando le nostre riserve finché non si esauriscono."
Invece di esaurirti esaurendo le tue riserve naturali o mascherando la tua stanchezza con zucchero e caffeina, puoi semplicemente, sì, fare una pausa .
Da 75 a 90 minuti possono essere una sessione di scrittura molto produttiva.
SPRINT DI SCRITTURA DI 52 MINUTI
La maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi di solito scrive come focus secondario (o terzo) durante ogni giorno.
- La maggior parte ha lavori giornalieri.
- Alcuni hanno più lavori (compresa la scuola).
- E non dimenticare i doveri familiari come genitori o fratelli.
Se non riesci a inserire un'ora e mezza intera nella tua giornata impegnativa, forse una sessione di scrittura più breve di 52 minuti è una buona opzione. Trovare meno di un'ora di tempo per scrivere prima che inizi la giornata o prima che la giornata stia per finire è un po' più facile che trovare 90 minuti interi.
La startup del software, Draugiem Group, ha utilizzato un'app di monitoraggio del tempo chiamata DeskTime per monitorare la produttività. Lo studio ha dimostrato che lavorare in sprint di 52 minuti (con una pausa di 17 minuti in mezzo) ha aumentato la produttività.
"Il motivo per cui il 10% dei dipendenti più produttivi è in grado di ottenere il massimo durante i periodi relativamente brevi dell'orario di lavoro è che vengono trattati come sprint per i quali sono ben riposati. Sfruttano al massimo i 52 minuti di lavoro. In altre parole, lavorano con uno scopo".
E questo è un punto fantastico, per quanto riguarda le tue sessioni di scrittura come sprint. Quando hai più tempo, ciò significa solo più tempo per procrastinare e far vagare la mente. C'è un'urgenza per la sessione quando hai meno di un'ora. Scrivi con più scopo.
RAFFICHE DI 25 MINUTI
E poi c'è la Tecnica del Pomodoro, messa a punto da Francesco Cirillo, che l'ha battezzata con il timer da cucina a forma di pomodoro che utilizzava. La sua tecnica si concentra su brevi sequenze di lavoro a intervalli di 25 minuti con cinque minuti di pausa in mezzo.
Questa tecnica è più adatta per singole attività che richiedono una concentrazione completa. Per la sceneggiatura, puoi utilizzare questa tecnica per concentrarti su quanto segue:
- Evocare una scena specifica.
- Riscrivere una particolare sequenza con cui hai lottato.
- Lucidare il dialogo di una scena critica.
Queste raffiche di 25 minuti possono essere utilizzate à la carte durante l'intera giornata.
- Puoi utilizzare brevi pause durante i tuoi turni di lavoro durante le pause pranzo.
- Puoi inserirti in una breve raffica di scrittura durante la colazione prima del turno di giorno.
- Puoi far scoppiare un'altra scrittura prima di andare a letto.
Il punto è trovare la sessione, lo sprint o il tempo di scoppio migliore per te all'interno del tuo programma e della tua situazione, assicurandoti sempre di avere una pausa prolungata nel mezzo.
Se stai svolgendo un incarico professionale con una scadenza ravvicinata, la tua raffica potrebbe effettivamente essere di 75-90 minuti, con lo sprint di un paio d'ore e la sessione di scrittura di poche ore.
LA SCENEGGIATURA SI INTERROMPE PER GIORNI, SETTIMANE E MESI
Prendersi una pausa dalla sceneggiatura è vitale per il processo creativo. Come accennato in precedenza, quando ti allontani dalle tue sessioni di scrittura, stai aiutando il tuo cervello a consolidare e conservare meglio le informazioni. Mentre ti occupi di diversi affari e tempo libero durante le tue pause, il tuo cervello cerca costantemente di elaborare le informazioni e le immagini che ti sono passate per la testa durante il processo di scrittura.
- Sta mettendo insieme i pezzi.
- Sta dando un senso alle scene, ai personaggi, alle azioni e al luogo.
- Sta elaborando un tono, un'atmosfera, una narrazione e una voce coerenti.
Quando ti allontani dallo schermo, la tua mente sta ancora scrivendo. Quando torni, è rinfrescato e ringiovanito.
INTERRUZIONI GIORNALIERE
Un altro mito popolare è che devi scrivere ogni singolo giorno. Tu no. In effetti, probabilmente è meglio che tu lavori in giorni interi liberi dalla scrittura, che si tratti di un paio di giorni durante la settimana o di prenderti l'intero fine settimana libero.
Ricorda, puoi ancora "scrivere" in questi giorni di riposo.
- Visualizza le tue prossime scene mentre sogni ad occhi aperti, guidi, cammini, corri, ti alleni, ecc.
- Scopri le opzioni per potenziali colpi di scena (e le loro ramificazioni nella storia).
- Riproduci le scene che hai scritto e vedi se si riproducono visivamente.
Come abbiamo discusso, scrivere non è necessariamente digitare. Poiché la sceneggiatura è per un mezzo visivo, dovresti vedere queste scene e questi momenti nella tua testa prima di scriverli sulla pagina.
Diffondere le tue sessioni di scrittura tra le pause del giorno può essere molto efficace per la visualizzazione e la risoluzione dei problemi di storie / personaggi.
VACANZE SETTIMANALI
Non vuoi impiegare settimane tra una sessione di scrittura e l'altra. Ci vorranno diversi mesi per scrivere una singola sceneggiatura, ed è meglio allenarsi a scrivere come un professionista rispettando le scadenze del contratto (generalmente 4-12 settimane per la prima bozza).
Le pause settimanali sono più riservate alle pause tra le bozze. Quando finisci una bozza della tua sceneggiatura, la cosa peggiore che puoi fare è passare direttamente al processo di revisione/riscrittura. Hai già passato da uno a tre mesi a scrivere la tua prima bozza. Se ti immergi di nuovo in esso, inizierai a soffrire di paralisi dell'analisi.
Una volta completata una bozza, prenditi un po' di tempo lontano da essa. Quanto tempo impiegherai dipenderà dalla tua situazione.
- Se stai scrivendo su specifiche (non sotto contratto), prenditi un paio di settimane di distanza dalla tua sceneggiatura.
- Se stai scrivendo su un incarico con una scadenza rigorosa, lavora in una settimana in cui puoi allontanarti da esso.
Cosa realizza questo? Puoi rivisitare la sceneggiatura con occhi nuovi facendo una revisione completa attraverso una lettura da copertina a copertina. Sperimenta la sceneggiatura non come lo scrittore in mezzo alle scadenze, ma come un lettore della sceneggiatura alla ricerca di una buona lettura.
Quando ti prendi queste settimane di pausa, vedrai tutti i problemi evidenti con la tua sceneggiatura che non potevi vedere durante il processo di scrittura iniziale.
- Errori grammaticali e ortografici
- Buchi di trama
- Questioni di dialogo
- Problemi di esposizione
- Problemi di formato
Tutto questo e altro ancora.
Allontanarsi per una o due settimane tra una bozza e l'altra farà davvero la differenza nella sceneggiatura e nel processo di riscrittura.
PASSAGGIO N. 9: RISCRIVI
Congratulazioni. Se sei arrivato a questo punto del tuo processo di sceneggiatura, hai finito la prima bozza. Questo è un risultato che la maggior parte delle persone con un sogno di sceneggiatura non raggiunge mai. Ma non hai ancora finito.
Ernest Hemingway una volta scrisse: "L'unico tipo di scrittura è la riscrittura."
Gli sceneggiatori tradizionalmente odiano il processo di riscrittura. Sono così vicini al loro lavoro che spesso credono che le loro prime bozze siano perfette e pronte per essere acquistate, confezionate e prodotte. Ce l'abbiamo. C'è eccitazione. Sei entusiasta di aver finito. Vuoi celebrare e poi mostrare la tua creazione al mondo.
PERCHÉ LA RISCRITTURA È COSÌ IMPORTANTE
Questo è un grande motivo per cui il passaggio precedente, l'interruzione, è vitale per il tuo processo. Quando torni dopo un paio di settimane o più dalla tua prima bozza e poi ti siedi per leggerla dall'inizio alla fine, vedrai quei problemi evidenti che abbiamo menzionato sopra.
Il processo di riscrittura è dove trovi veramente la tua storia cinematografica. Questo è il momento in cui unisci le tue capacità e il tuo talento narrativo con un occhio attento per il montaggio.
- Devi essere obiettivo.
- Devi uscire dalla tua stessa pelle ed essere il tuo peggior (o migliore) critico.
- Devi leggere una scena o una battuta di dialogo e renderti conto che semplicemente non appartiene.
- Devi vedere ogni singolo difetto della sceneggiatura, grande o piccolo.
COSA VIENE TAGLIATO DURANTE LA RISCRITTURA?
Parte del processo di riscrittura include l'uccisione dei tuoi cari.
Quei cari possono essere:
- Linee di dialogo
- Una scena divertente, drammatica o eccitante
- Un personaggio di supporto
- Un momento viscerale
- Una visuale accattivante
Non importa quanto tu possa amarli per qualsiasi motivo - e non importa quanta qualità rappresentino come elemento singolare - non commettere errori, dovrai uccidere molti cari per il meglio della sceneggiatura complessiva.
Taglia dialoghi, scene, sequenze e persino personaggi per:
- Aumenta il ritmo
- Migliora il flusso e la chiarezza della scena
- Concentrati maggiormente sul tuo protagonista
- Rimuovi il disordine e gli elementi inutili della storia, dei personaggi e dei dialoghi
DIVERSI PROCESSI DI RISCRITTURA CHE PUOI APPLICARE
Ci sono molti approcci diversi che puoi - e devi - adottare per una riscrittura efficace della tua prima bozza.
Un'abitudine che puoi utilizzare durante la stesura della tua prima bozza è il processo di riscrittura durante il processo che abbiamo menzionato sopra.
Diciamo che esci dalla tua prima sessione di scrittura con 10 pagine. Durante la seconda sessione di scrittura, inizi leggendo quelle prime 10 pagine. Mentre lo fai, riscrivi e modifichi quelle 10 pagine, passando attraverso mini-versioni dei processi che presentiamo di seguito.
- Correzione di errori di battitura
- Ridurre la descrizione e il dialogo
- Accorciare le scene (se non le si elimina)
- Lavorare sul ritmo
Quindi durante quella seconda sessione di scrittura, dopo aver fatto quanto sopra, continui a scrivere.
Dopo quella seconda sessione di scrittura, forse hai scritto altre 10 pagine, che ammontano a 20 in totale finora.
Durante la terza sessione, leggi di nuovo ciò che hai scritto - 20 pagine dall'inizio alla fine - e le riscrivi man mano che procedi.
Ripeti questo schema mentre scrivi quella prima bozza.
I risultati? Quando scrivi FADE OUT alla fine della bozza, avrai una prima bozza della tua sceneggiatura molto più mirata, compatta e fluida.
I VANTAGGI DELLA RISCRITTURA MENTRE PROCEDI
Ulteriori vantaggi includono:
- Tono più coerente
- Ritmo incredibile
- Meno buchi di trama
Poiché ogni volta che ti siedi e scrivi potresti trovarti in stati d'animo diversi, il processo di riscrittura mentre procedi aiuta a regnare su tutto in ogni sessione di scrittura. Stai leggendo ciò che hai scritto prima, il che ti consente di rimanere su quel corso di tono, atmosfera, ritmo e coerenza generale mentre continui. È come guardare il film in corso e poi continuare con le nuove pagine dopo averlo visto.
CONTROLLO SOVRASCRITTURA
La sovrascrittura può presentarsi sotto forma di molte aree ed elementi diversi della tua prima bozza.
- Mancanza di spazio bianco nella tua sceneggiatura.
- Intestazioni di scene troppo lunghe.
- Molteplici direzioni della telecamera.
- Descrizione della scena eccessivamente dettagliata.
- Descrizione del guardaroba eccessivamente dettagliata (non il tuo lavoro).
- Troppi avverbi e vocabolario di fantasia (mantienilo semplice)
- Descrizione della sequenza di azioni eccessivamente specifica
- Scene e dialoghi ridondanti o inutili
Il mantra Less Is More che abbiamo menzionato sopra deve essere consolidato durante il processo di riscrittura. Vuoi una bozza finale che offra scene e momenti viscerali e catartici, attraverso una consegna semplice e diretta.
CONTROLLO DI REVISIONE
A seconda del tuo processo di scrittura, abitudini e tendenze, la revisione è un'impresa organica che può essere un'attività quotidiana o un'attività da bozza a bozza, preferibilmente entrambe.
È diverso dal montaggio o dalla correzione di bozze (vedi sotto) perché le scelte che vengono fatte - e le cose che stai cercando di capire - influenzano il quadro generale del tuo lungometraggio.
- La struttura
- La storia
- La trama
- I personaggi.
Durante la revisione della tua sceneggiatura, non vuoi essere coinvolto nei dettagli dell'editing e della correzione di bozze. Perderai la concentrazione su ciò che riguarda veramente la revisione: la struttura, gli archi narrativi, i punti della trama e gli archi dei personaggi. Puoi anche includere ritmo, tema, tono, atmosfera e catarsi.
Rivedi usando le tue braccia
Per comprendere la revisione, puoi utilizzare l' acronimo ARSS per assicurarti di rimanere su quel corso di revisione durante tutto il processo di scrittura.
A dd — Aggiunta di frasi e parole alla descrizione della scena e al dialogo per raccontare meglio la tua storia.
Rimuovi : rimozione di frasi e parole dalla descrizione della scena e dai dialoghi per abbracciare meglio il mantra "less is more" della sceneggiatura.
Sposta : sposta frasi e parole dalla descrizione della scena e dai dialoghi per creare un ritmo, una struttura e un flusso migliori.
S ubstitute — Sostituzione di parole e frasi con parole nuove per creare sintassi, articolazione e stile migliori.
CONTROLLO DI REVISIONE/CORREZIONE
Una volta che sei riuscito a rivedere la tua sceneggiatura attraverso sessioni di scrittura e più bozze, è il momento di perfezionare quella sceneggiatura eliminando quegli inevitabili e fastidiosi errori di ortografia, grammatica e punteggiatura che persistono ancora nelle tue pagine.
Lo fai correggendo le bozze della tua storia con i tuoi occhi che scansionano specificamente quei tipi di errori. Durante questo processo, devi evitare di avere in mente la revisione perché sicuramente ti perderai molti errori tecnici se la tua mente continua a vagare alla struttura, alla storia e alle revisioni del personaggio.
Rivedi usando i tuoi CUPO
Per rimanere nel giusto stato d'animo, ricorda di usare l' acronimo CUPS per mantenerti concentrato.
C apitalizza — Mettere in maiuscolo nomi, luoghi, titoli, mesi e altri elementi. Esempio: se stai scrivendo una sceneggiatura militare, tenente dovrebbe essere tenente (titoli) .
U sage — Assicurarsi che l'uso di sostantivi e verbi sia corretto. Esempio: "Hai fatto le valigie?" non è corretto. La versione corretta sarebbe "Hai fatto le valigie?" Sebbene questo esempio possa sembrare estremo e sciocco, rimarrai sorpreso da quanti errori come questo si trovano nelle sceneggiature presentate.
Punteggiatura — Assicurarsi che la punteggiatura sia corretta controllando punti, virgolette, virgole, punti e virgola, apostrofi, ecc.
Ortografia : controllo ortografico di tutte le parole e ricerca di errori omofonici. Esempi di omofoni: Tuo e Tu sei. Nuovo e Saputo. A e anche. Là, Loro e Loro sono. È ed è. Allora e poi. Effetto e affetto. Cache e Cachet. Rompere e frenare. Principio e principale. Respira e respira. Pioggia, regna e frena. Da, compra e ciao.
INDIVIDUA I BUCHI DELLA TRAMA
Ci sono generalmente cinque tipi di buchi di trama trovati all'interno delle sceneggiature. Manteniamolo reale e facciamo notare che nessuna sceneggiatura è a prova di proiettile quando si tratta di buchi nella trama. Ma per ottenere la migliore bozza finale possibile, dovresti fare del tuo meglio per trovare e riempire quelli che vedi.
1. Buchi della trama di MacGuffin
I buchi della trama di MacGuffin sono quelli che si riferiscono direttamente al MacGuffin, che sono gli obiettivi, gli oggetti desiderati o qualsiasi altra motivazione che il protagonista (e spesso anche l'antagonista) è incaricato di perseguire o attratto a perseguire, per qualsiasi motivo. Non tutte le storie cinematografiche utilizzano un MacGuffin. Ma se il tuo lo fa, sappi che sono l'elemento motivante che esiste solo per guidare la trama e di solito è la causa e l'effetto del conflitto di ogni personaggio con cui hanno a che fare nel corso della storia.
Tu, lo sceneggiatore, non hai bisogno di spiegare ogni piccolo aspetto dei MacGuffin se hai intenzione di usarli. Tuttavia, vuoi assicurarti di mantenere un acuto senso della logica durante lo sviluppo. Alla fine, l'unico scopo del MacGuffin è far avanzare la storia per i personaggi . Secondo lo stesso Alfred Hitchcock, i personaggi si preoccupano per il MacGuffin, il pubblico generalmente no.
2. Buchi della trama logica
La logica all'interno di una sceneggiatura è ciò che decidi tu, lo sceneggiatore. Ma sappi che il potere di scegliere ciò che è logico e ciò che non è all'interno della tua sceneggiatura può e determinerà quanto sarà coinvolto il pubblico.
- Se imposti la tua sceneggiatura nel mondo reale, mantienila reale.
- Se la tua sceneggiatura è ambientata nel mondo reale con l'avvertimento di costanti richieste di sospensione dell'incredulità in cambio di azione divertente ed effetti speciali (vedi la maggior parte dei successi di Hollywood), divertiti.
La chiave è essere sempre consapevoli della logica che sei e non sei disposto ad applicare all'interno della tua storia e mantenerla coerente.
3. Buchi nella trama del personaggio
Anche questi tipi di buchi della trama vanno da grandi a piccoli, con vari gradi di ripercussioni.
Forse i più evidenti sono quelli che riguardano le scelte che fa un personaggio. Questi sono spesso attribuiti alla logica generale, quindi potrebbero rientrare nell'ombrello Logic Plot Holes, ma questi sono specificamente collegati ai personaggi e alle decisioni che prendono. Assicurati che i tuoi personaggi siano coerenti.
4. Buchi della trama narrativa
I buchi della trama narrativa si verificano quando c'è un vuoto o un'incoerenza in una trama. Può influenzare direttamente la logica stabilita all'interno della trama, oppure può essere un buco evidente che interrompe il coinvolgimento del pubblico con la storia mentre la mettono in discussione.
5. Buchi della trama di Deus Ex Machina
Il termine si riferisce a un espediente della trama in cui un problema o una situazione apparentemente irrisolvibile viene improvvisamente e bruscamente risolto dall'intervento di qualche nuovo evento, personaggio, abilità o oggetto.
PREPARA LA TUA SCENEGGIATURA
La parte migliore del processo di riscrittura è quando puoi aggiungere tutti i fantastici dettagli extra, i punti della trama, le prefigurazioni intelligenti, i tratti del personaggio, le basi e i profitti , ecc.
Chiediti: "Come posso renderlo ancora migliore?" con ogni e ogni:
- Carattere
- Linea di dialogo
- Scena
- Sequenza
- Momento
Pepate e valorizzate ogni elemento della sceneggiatura. Crea quelle basie e profitti magistrali che il lettore (e l'eventuale pubblico) può sperimentare e rivisitare per vedere che tali momenti sono stati impostati correttamente.
Ad esempio, leggi le basi di sceneggiatura e le ripartizioni dei profitti di film come:
- Il sesto senso
- Duro a morire
- Un posto tranquillo
- Incontri ravvicinati del terzo tipo
COPERTURA DELLA SCENEGGIATURA
A volte è utile avere una prospettiva esterna. È qui che entra in gioco la copertura della sceneggiatura come opzione.
Script Coverage è un'analisi professionale di una sceneggiatura, composta da varie valutazioni dei molti elementi di una sceneggiatura e accompagnata da note analitiche dettagliate che toccano ciò che funziona e ciò che non funziona all'interno della sceneggiatura.
I formati di copertura e le scale di valutazione variano a seconda dell'azienda. E molti diversi concorsi di sceneggiatura, società di consulenza e consulenti offrono una copertura professionale della sceneggiatura a pagamento.
I consulenti di sceneggiatura valutano tutto da concept, storia, personaggi, dialoghi, ritmo e struttura.
Sii profondamente consapevole di ciò che dovresti e non dovresti aspettarti dalla copertura professionale della sceneggiatura:
- È uno strumento, non una stampella : nonostante il suo valore, la copertura della sceneggiatura non dovrebbe mai essere usata come stampella. Troppi sceneggiatori spendono troppi soldi acquistando un pacchetto di copertura dopo l'altro per ogni bozza di ogni sceneggiatura che scrivono.
- È un'opinione, non una risposta definitiva - Ricorda sempre che se la copertura è favorevole, sfavorevole o una via di mezzo, alla fine è solo un'opinione. Ma quell'opinione potrebbe avere alcuni punti fantastici che dovresti considerare.
- È per i puntatori, non per la correzione di bozze: non aspettarti una correzione di bozze parola per parola e riga per riga con la copertura della tua sceneggiatura. Non è per questo che il lettore è lì. Non sono correttori di bozze che cercano di "contrassegnare la tua sceneggiatura" con ogni errore grammaticale, ortografico e di formato dalla copertina alla copertina.
- È per critiche costruttive, non recensioni entusiastiche: se la tua sceneggiatura è così buona, te lo faranno sapere. Ma non avere grandi aspettative che la copertura ti stupirà di complimenti. Se non riesci a sopportare il calore nella cucina della copertura della sceneggiatura, non pagare per essere lì in primo luogo. Ma tieni presente che la capacità di prendere appunti e feedback è vitale per il tuo successo come sceneggiatore professionista.
- È per l'ispirazione, non per le risposte: i lettori sono lì per sottolineare cosa funziona, cosa no e come il mercato può reagire in base alle tendenze e alle aspettative attuali. E oltre a ciò, sono lì per porre domande e offrire alcune opzioni minori a cui gli scrittori potrebbero ispirarsi per trovare le risposte che cercano.
Potresti non essere d'accordo con tutto ciò che scrivono. Potrebbero non capire tutto ciò che scrivi. Ma sono lì per aiutarti a guidarti sui molti possibili percorsi che la tua sceneggiatura potrebbe intraprendere. E ricorda che c'è una netta differenza tra il feedback che ricevi dalla copertura del copione a pagamento (o il feedback del mentore e dei colleghi) e le note del copione che ti vengono fornite quando sei un professionista retribuito sotto contratto.
PASSAGGIO N. 10: COMPLETA LA BOZZA FINALE
Ok, hai fatto tutto il lavoro di riscrittura. Forse hai arruolato una copertura professionale della sceneggiatura per aiutarti con una bozza aggiuntiva. Ora rimane un'ultima domanda:
"Quando e come faccio a sapere se ho finito?"
QUANDO È FINITA LA TUA SCENEGGIATURA ?
La dura verità è che non sei arrivato a una bozza finale della tua sceneggiatura - nel grande schema delle cose - fino a quando non viene prodotta tramite un regista, un cast e una troupe.
Le sceneggiature passano attraverso molte bozze durante la fase di marketing, sviluppo e produzione. Quando dai la sceneggiatura a manager, agenti e dirigenti dello sviluppo, è molto probabile che ti venga chiesto di fare più riscritture in base alle loro esigenze, desideri e preferenze.
Ma come fai a sapere quando il tuo script delle specifiche è terminato durante il tuo processo di scrittura iniziale?
Una volta che hai rispettato la tua scadenza personale, bloccato la sceneggiatura per un paio di settimane circa prima di tornare a riscriverla, leggi la copertina della sceneggiatura dopo quel processo di riscrittura e fai una bozza finale di rifinitura, è ora di dire a te stesso , "È fatto".
UN TEST FINALE DI COTTURA
Il test finale per sapere quando la tua sceneggiatura è finita è dirti proprio questo.
- Tu, lo sceneggiatore, devi fare quella chiamata.
- Stai fallendo te stesso come sceneggiatore se lo lasci aperto.
- Stai fallendo come sceneggiatore se continui a riscrivere dopo riscrittura dopo riscrittura.
Troppi sceneggiatori si affidano eccessivamente al feedback infinito di familiari, amici, parenti, colleghi e alla copertura professionale della sceneggiatura. L'idea che uno sceneggiatore debba ricevere feedback finisce per essere esagerata e fraintesa. Sì, il feedback può aiutare. Sì, è bello avere un'altra serie di occhi sulla sceneggiatura.
Il problema è che, alla fine, ogni serie di feedback che ricevi è solo un'opinione soggettiva. E se continui a chiedere feedback a più persone, non c'è modo di raggiungere un consenso vero e definitivo agli occhi di tutti.
- Questo è ciò che spesso porta a infinite riscritture.
- Ecco come i gruppi di scrittura possono ferire uno sceneggiatore.
- È qui che troppe mani nel barattolo dei biscotti possono trasformare una storia altrimenti fantastica in un disastro totale.
Trova una persona di cui ti fidi. Oltre a ciò, ottieni una prospettiva dell'industria cinematografica se puoi. Il resto sta a voi.
Buona fortuna a te!
L'ULTIMA E PIÙ IMPORTANTE DOMANDA UNA VOLTA TERMINATA LA SCENEGGIATURA
Ed ecco un'ultima domanda che dovresti considerare mentre concludi questo script.
Cosa scriverai per il tuo follow-up (processo di completamento di un'attività)?
- Non smettere mai di scrivere.
- Non passare mesi a cercare di commercializzare questa sceneggiatura che hai appena scritto senza passare a quella successiva come fai.
- Ripeti questo processo in 10 passaggi per ciascuno.
- Arriva al punto in cui hai 3-5 script eccellenti da utilizzare come esempi di scrittura.
- Script di mercato man mano che scrivi di più e affini le tue abilità.
FINE PARTE QUINTA ed Ultima. Link parte QUARTA.
di Ken Miyamoto per screencraft.org
PASSAGGIO N. 5: SCRIVERE UN TRATTAMENTO
Ora che hai terminato la tua logline, è il momento di scrivere un trattamento.
COS'È UN TRATTAMENTO PER UNA SCENEGGIATURA?
Un trattamento per la tua sceneggiatura è un documento che riassume gli elementi generali della tua storia. L'eventuale sceneggiatura avrà la consegna stilistica della storia inserita all'interno del trattamento.
QUAL È LA DIFFERENZA TRA UNA SINOSSI E UN TRATTAMENTO?
Laddove una sinossi generalmente coprirebbe i tratti generali della storia in pochi paragrafi, i trattamenti coprono i dettagli della storia, utilizzando la prosa sotto forma di paragrafi descrittivi che raccontano la storia dall'inizio alla fine con tutte le descrizioni dei personaggi, i punti della trama , colpi di scena, svolte e rivelazioni.
QUANTO DOVREBBE DURARE UN TRATTAMENTO?
La lunghezza dei trattamenti varia, con la maggior parte che arriva a 7-10 pagine. In genere si desidera mantenere il trattamento il più breve possibile pur offrendo la lunghezza necessaria per raccontare l'intera storia dall'inizio alla fine. In breve, non stai scrivendo un libro, stai scrivendo un riassunto.
Lo sceneggiatore di Hollywood Simon Kindberg ha condiviso il trattamento per il suo eventuale successo d'azione Mr. and Mrs. Smith
Il suo trattamento arriva a sole quattro pagine. Offre una panoramica, che tocca il genere, i personaggi, la loro relazione e la storia.
VANTAGGI DELLA SCRITTURA DI UN TRATTAMENTO
Sebbene scrivere trattamenti non sia un passaggio necessario per tutti gli sceneggiatori e le sceneggiature, possono essere uno strumento efficace.
I TRATTAMENTI TI AIUTANO A TROVARE LA FINESTRA DELLA TUA STORIA
Ti offre la possibilità di trovare la finestra della tua storia, che, a sua volta, aiuta a compattare la tua storia in una trama e una struttura che possono adattarsi ai confini di un lungometraggio. È anche un documento in cui puoi elaborare i punti della trama e vedere come scorre e progredisce la storia.
I TRATTAMENTI TI AIUTANO A VISUALIZZARE LA TUA STORIA
Ancora una volta, è allettante entrare nella sceneggiatura senza fare il lavoro di front-end. Mentre abbiamo menzionato la ricerca della tua sceneggiatura, la ricerca del titolo della sceneggiatura e la visualizzazione della tua storia come attività chiave di front-end, scrivere un trattamento può essere un passaggio successivo molto efficace che prende quella visualizzazione e la mette nel contesto con l'elaborazione letteraria e la storia e la trama necessarie. organizzazione. Ciò ti consente di costruire le fondamenta della struttura di cui avrai bisogno per raccontare la storia.
SAPERE COME SCRIVERE I TRATTAMENTI È IMPORTANTE PER DIVENTARE PROFESSIONISTI
La capacità di scrivere trattamenti è utile quando inizi a scrivere su incarico. Alla maggior parte degli sceneggiatori professionisti è richiesto di scrivere trattamenti durante il loro processo di sviluppo, quindi è un'abilità professionale fondamentale da apprendere e che può aiutarti nello sviluppo della sceneggiatura mentre affini il tuo mestiere.
PASSAGGIO N. 6: CREA UNA STRUTTURA
Se i trattamenti sono lì per aiutarti a raccogliere tutti gli archi del personaggio, gli archi narrativi, i punti della trama, i colpi di scena, le svolte e le rivelazioni di cui hai bisogno per scrivere una sceneggiatura straordinaria, i contorni sono lì per aiutarti a preparare una ripartizione visiva di come utilizzerai quegli elementi all'interno di scene organizzate.
Ancora una volta, è molto allettante entrare nella sceneggiatura senza fare un lavoro di front-end come questo, ma qualsiasi professionista ti parlerà del valore dei contorni.
COSA CONTIENE UNA BOZZA DI SCENEGGIATURA?
Uno schema è fondamentalmente un foglio di battuta numerato o punto elenco che comunica ciò che viene visto e detto utilizzando ovunque da un paio di frasi a un breve paragrafo per ogni battuta della storia .
Leggi di più: Cos'è uno Story Beat?
- Di solito lungo 7-8 pagine
- Ovunque da 35-45 battiti
Puoi prendere il tuo trattamento e organizzare tutti quegli elementi del personaggio, della storia e della trama in un beat sheet per la sceneggiatura. Lo schema copre ogni singola storia e ritmo del personaggio. Potresti non avere ogni singola scena nel contorno (lasciandoti spazio per l'evoluzione e la scoperta della storia e del personaggio), ma è la cosa più vicina a una ripartizione da scena a scena.
QUALI SONO I VANTAGGI DI CREARE UNA STRUTTURA PER LA TUA SCENEGGIATURA?
Alcuni sceneggiatori li adorano e altri li odiano. Indipendentemente da dove ti trovi, ci sono alcuni chiari vantaggi nel creare uno schema per la tua sceneggiatura.
PUOI FARE GRANDI SCELTE PRIMA DI SCRIVERE UN SACCO
Puoi utilizzare i contorni per fare scelte creative ed editoriali prima che sia il momento di scrivere quelle scene e quei momenti nella loro interezza cinematografica tramite il formato della sceneggiatura. Ciò può farti risparmiare un sacco di tempo e fatica quando arriva il momento di riscrivere.
PUOI SCRIVERE UNA PRIMA BOZZA PIÙ FORTE
Le sceneggiature, una volta scritte, possono essere un castello di carte dove se tiri fuori una carta, tutte le altre crolleranno.
È molto difficile cambiare i punti della trama e la struttura della storia all'interno di una sceneggiatura completa. Ma quando organizzi questi elementi prima di quel processo in contorni, è molto più facile spostare i pezzi della tua storia e del puzzle della trama, creando la struttura necessaria e desiderata per raccontare la tua storia cinematografica.
PUOI MANTENERE LA TUA SANITÀ MENTALE
Per alcuni, cercare di dare corpo a un'intera storia senza uno schema può essere uno sforzo confuso e frustrante. E la sceneggiatura, per la maggior parte, dovrebbe essere divertente e appagante: è difficile sentirsi così quando ti perdi costantemente nella tua stessa narrazione.
ELEMENTI CHIAVE DA AFFRONTARE IN UNA STRUTTURA
COMPLOTTO
Molti presumono che trama e storia siano termini intercambiabili. Loro non sono. Ed è bello conoscere la differenza tra trama e storia mentre inizi a delineare la tua sceneggiatura.
La storia copre chi, cosa e dove della tua sceneggiatura.
- Chi sono i personaggi?
- Quali conflitti stanno affrontando?
- Dove sta avvenendo tutto questo?
La trama copre il come, il quando e il perché della tua storia.
- Come sono influenzati i protagonisti della tua storia?
- Quando accade il cosa della tua storia?
- Perché accade dove si svolge la tua storia e perché influisce sul chi della tua storia?
Utilizzi i tuoi trattamenti e contorni per mettere a punto i punti della trama e trovare una struttura di presentazione cinematografica che funzioni per la tua sceneggiatura.
STRUTTURA DELLA STORIA
La struttura della storia comprende le scelte di base che puoi fare per determinare come vuoi raccontare la tua storia cinematografica. La struttura generale di ogni storia è radicata nel nostro DNA:
- Inizio
- Mezzo
- FINE
Introduci i tuoi personaggi nel loro mondo ordinario (inizio), presenti un conflitto che sono costretti ad affrontare mentre mostri il loro carattere vero e in evoluzione attraverso le loro azioni e reazioni ad esso (parte centrale), e poi o soccombono ai conflitti su cui si basano loro o trionfare su di loro.
Questa è la struttura della storia al suo interno. Non troverai una storia in nessun mezzo che non segua la struttura in tre atti di Inizio, Mezzo e Fine.
Puoi anche trovare diversi modi per raccontare la tua storia attraverso molti diversi tipi di strutture della storia che giocano con l'ordine cronologico presentato nel tuo schema.
Ci sono molte opzioni quando si tratta di come strutturare la tua storia . Qualunque sia la struttura della storia che scegli (la struttura in tre atti è la struttura della storia più utilizzata), utilizzi lo schema (e il trattamento prima di esso) per aiutare a modellare la storia cinematografica che racconterai quando inizi a scrivere la sceneggiatura.
CASO DI STUDIO: LO SCHEMA PER BIG FISH
Ecco un esempio che lo sceneggiatore di Hollywood John August ha condiviso sul suo sito di podcast. La sceneggiatura che stava sviluppando era Big Fish di Tim Burton .
Probabilmente l'ha usato per la sua collaborazione con Burton e il produttore. Puoi utilizzare questo tipo di formato, meno i numeri di pagina , come struttura che offre un po' più di dettagli, se necessario.
Come puoi vedere, i contorni riguardano l'organizzazione del nucleo di ogni singola scena e momento all'interno di una sceneggiatura.
PASSAGGIO N. 7: SCRIVI LA PRIMA BOZZA
Siete pronti? Ripassiamo:
- Sai cos'è uno script specifico.
- Hai il software per la sceneggiatura.
- Conosci il formato.
- Hai avuto una grande idea.
- Hai scritto una logline che funge da bussola per la tua storia.
- Hai sviluppato i tuoi personaggi.
- Hai un titolo della sceneggiatura funzionante (hai chiamato il tuo bambino).
- Hai fatto le ricerche necessarie.
- Ti sei preso il tempo per visualizzare la tua storia.
- Forse hai scritto un trattamento.
- Si spera che tu abbia almeno scritto uno schema per trovare la struttura e organizzare le scene che scriverai.
Ora è il momento di sedersi e muovere quelle dita. È ora di dare vita alla tua storia sulla pagina.
Ci sono molti modi per immergersi nella prima bozza. Abbiamo trattato diversi approcci nei post precedenti.
Qui, lo manterremo semplice. E ti forniremo anche l'opportunità di imparare a scrivere come un professionista.
AVERE UN OBIETTIVO DI LIMITE DI PAGINA
Potresti aver letto del vecchio adagio secondo cui una pagina equivale a un minuto di tempo sullo schermo. In realtà è solo un barometro - non una scienza esatta - ma che può essere molto eloquente.
Le sceneggiature sono progetti per i film. Mentre c'è certamente una dinamica letteraria in loro, le sceneggiature sono lì per raccontare una storia visiva entro i confini di 90-120 minuti di tempo sullo schermo . Pertanto, l'utilizzo del barometro secolare di una pagina pari a un minuto di tempo sullo schermo impone che la quantità di pagine desiderata per uno script specifico dovrebbe essere di 90-120 pagine. Sono almeno 90 e 120 al massimo.
Tuttavia, un conteggio delle pagine più realistico è quel punto debole di 100-115 pagine.
Avere un obiettivo di conteggio delle pagine nel processo di scrittura è così prezioso per il tuo processo di scrittura. Probabilmente non sarai all'altezza o supererai quell'obiettivo di poche pagine.
Tuttavia, avere un obiettivo di conteggio delle pagine ti costringerà ad abbracciare il mantra Less Is More che tutti gli sceneggiatori devono padroneggiare.
COSA STA RENDENDO LA TUA SCENEGGIATURA TROPPO LUNGA?
I lettori di sceneggiature esperti (assistenti, lettori di studio, analisti di storie, manager, agenti, produttori, dirigenti di sviluppo, dirigenti di studio, ecc.) sanno quando una sceneggiatura è troppo lunga. E spesso non ha nulla a che fare con questa regola di una pagina uguale a un minuto sullo schermo .
C'è un motivo per cui qualsiasi cosa oltre le 120 pagine è spesso un segno che la sceneggiatura è troppo lunga - perché, nel contesto del materiale proveniente da sceneggiatori alle prime armi, la sceneggiatura è solitamente così lunga a causa di:
- Descrizione della scena sovrascritta
- Dialogo sovrascritto
- Scene ridondanti
- Scene inutili
PERCHÉ GLI SCRIPT PIÙ LUNGHI SONO DISAPPROVATI
Ci sono anche motivi oggettivi per cui le sceneggiature più lunghe sono disapprovate.
I film di 90 minuti (più o meno) si adattano ai moduli di streaming o consentono ai distributori di ottenere il maggior numero possibile di proiezioni cinematografiche in un solo giorno.
Inoltre, sceneggiature più lunghe spesso significano budget più alti, tempi di ripresa più lunghi, ecc.
E ci sono anche ragioni strutturali.
Poiché le sceneggiature sono progetti per i film - e la maggior parte dei film dura generalmente 90-120 minuti (più o meno) - c'è una struttura di conteggio delle pagine necessaria che entra in gioco. E andare significativamente al di sotto o al di sopra dell'intervallo di 90-120 pagine significa che le bandiere rosse vengono immediatamente scattate per gli addetti ai lavori del settore che leggono il tuo script.
30/30/30 RIPARTIZIONE DELLA STRUTTURA
Quando hai una sceneggiatura di 90 pagine, scomporre le dinamiche strutturali generali relative al flusso della storia è facile: una suddivisione del barometro 30/30/30.
- 30 pagine per il primo atto.
- 30 pagine per il secondo atto.
- 30 pagine per il terzo atto.
Questo è un barometro facile che gli sceneggiatori possono lavorare da quando iniziano per la prima volta.
METTI A PUNTO IL TUO GUASTO
Ora, il primo atto non sarà un terzo della sceneggiatura. Vuoi far entrare rapidamente quei personaggi nel secondo atto, il che li fa affrontare il conflitto in questione.
Quindi lo sposti.
- 20 pagine per il primo atto.
- 40 pagine per il secondo atto.
- 30 pagine per il terzo atto.
E puoi spostare il conteggio delle pagine per ogni atto con più o meno pagine.
CONCENTRATI SULLE SESSIONI DI SCRITTURA, NON SULLE ORE
L'idea di sedersi per otto ore al giorno e scrivere è falsa. Nessuno sta seduto lì per otto ore di fila, a digitare senza sosta. Questa è un'affermazione che sentirai spesso da esperti e autori di successo che raccontano storie in interviste e panel. E crea aspettative residue negative che i nuovi arrivati ripongono su se stessi.
Non è necessario scrivere per più ore ogni singolo giorno. Non hai nemmeno bisogno di scrivere ogni singolo giorno. E poiché non sei ancora uno sceneggiatore professionista, speriamo che questa sia una realizzazione molto liberatoria per te!
Con questo in mente, ti suggeriamo di concentrarti sulle sessioni di scrittura per il numero di ore che scrivi. Ciò ti aiuterà a concentrarti sulla scrittura per tutta la settimana con la libertà di poterti prendere ore e giorni liberi per visualizzare, prenderti cura delle tue esigenze familiari, coprire i tuoi turni di lavoro, fare i compiti, ecc. concentrati trovando quei blocchi di tempo aperti in cui puoi sederti e scrivere.
- Alcune sessioni di scrittura possono durare solo un'ora.
- Altri possono essere per più ore quando hai un giorno libero.
- Potresti avere un giorno o due tra le sessioni di scrittura.
SCEGLI UN PROCESSO DI SCRITTURA INCENTRATO SUL RAGGIUNGIMENTO DEGLI OBIETTIVI
L'elemento chiave per un processo di scrittura che utilizza sessioni di scrittura è l'output. Ogni sessione di scrittura, non importa quanto lunga o breve duri per quanto riguarda minuti o ore, deve fornire pagine scritte.
Gli obiettivi all'interno di tale processo includono:
- 10 pagine per sessione di scrittura, che in media raggiunge un obiettivo di conteggio delle pagine di 100 pagine (consentendoti di essere sopra o sotto di alcune).
- Un processo di riscrittura mentre procedi che aiuta a ridurre il lavoro necessario per le tue eventuali riscritture (vedi sotto).
VANTAGGI DELL'ESSERE ORIENTATI AGLI OBIETTIVI PIUTTOSTO CHE ALLE ORE FRENETICHE
Concentrarti meno sulle ore che dedichi alla tua sceneggiatura e più sul prodotto delle sessioni di scrittura che puoi lavorare nel tuo programma ti aiuterà a scrivere più come un professionista che lavora sotto le scadenze del contratto di Hollywood.
- Sarai in grado di evocare dialoghi, scene e immagini più velocemente.
- Sarai in grado di lavorare all'interno della tua famiglia e del tuo programma di lavoro.
- Ti toglierai il peso dalle spalle, per quanto riguarda le aspettative irrealistiche del tempo di scrittura.
4 ELEMENTI ESSENZIALI CHE VORRESTI INCLUDERE NELLA TUA PRIMA BOZZA
Alcune linee guida mentre scrivi la sceneggiatura includono:
- Raggiungi il concetto e la storia nelle prime pagine.
- Lascia che i retroscena e la caratterizzazione dei tuoi personaggi appaiano attraverso le loro azioni e reazioni al conflitto lanciato loro nel secondo atto.
- Introduci conflitti evoluti e nuovi ogni poche pagine per mantenere i lettori e il pubblico coinvolti nella storia.
- Costruisci per un climax sia fisico (esterno) che emotivo (interiore).
COME SCRIVERE L'INIZIO, LA PARTE CENTRALE E LA FINE DEL COPIONE
LE PAGINE DI APERTURA
La maggior parte delle volte, le prime pagine sono tutto ciò che riesci a impressionare un lettore o un dirigente dello studio, quindi è meglio che le faccia bene. Fortunatamente, abbiamo alcuni consigli su come catturare chiunque nelle pagine iniziali della tua sceneggiatura , tra cui costruire intrighi, creare punti della trama e trattenersi dall'introdurre troppi dettagli sui personaggi.
LA PARTE CENTRALE DELLA TUA SCENEGGIATURA
Se stai lottando con la metà della tua sceneggiatura, unisciti al club. Questa è una parte notoriamente infida di qualsiasi sceneggiatura, ma abbiamo preparato diversi modi per padroneggiare la parte centrale della sceneggiatura , come iniziare il secondo atto in anticipo, alzare la posta in gioco e scrivere colpi di scena, svolte e deviazioni.
IL FINALE PIÙ IMPORTANTE
E infine, se vuoi terminare la tua sceneggiatura come un professionista, abbiamo alcuni suggerimenti. Questi suggerimenti sono meno pratici dei precedenti che abbiamo condiviso sopra, ma sono comunque importanti e creano un impatto enorme. Alcune cose che devi fare per padroneggiare il finale della tua sceneggiatura sono conoscere il finale prima di iniziare a scrivere, collegare i punti per il tuo pubblico e creare barriere interne tra i tuoi personaggi e il finale.
IL RESTO STA A VOI
Quando si tratta di scrivere la tua prima bozza, il resto dipende da te. I passaggi forniti finora, così come i collegamenti ad altri utili tutorial, sono tutto ciò di cui hai bisogno per realizzare la stesura della tua prima bozza.
QUANTO TEMPO CI VUOLE DI SOLITO PER SCRIVERE UNA PRIMA BOZZA DI UNA SCENEGGIATURA?
La maggior parte degli sceneggiatori principianti impiega da sei mesi a più anni per finire una singola sceneggiatura. Quando diventi un professionista, le aspettative cambiano e sei costretto a rispettare le scadenze della prima bozza che ti danno solo da 4 a 12 settimane, a volte meno.
È meglio iniziare a imparare a scrivere sotto le scadenze del contratto perché il te stesso del futuro lo apprezzerà. Ma sappiamo anche che ognuno ha le proprie tendenze. L'idea è di prendere ciò che offriamo di seguito, fonderlo con ciò che puoi e non puoi fare in questo momento e trovare il perfetto processo ibrido che ti prepari al meglio per ciò che verrà quando questo sogno di sceneggiatore diventerà realtà.
FINE PARTE QUARTA Link alla TERZA parte Link alla QUINTA parte
di Ken Miyamoto per screencraft.org
PASSAGGIO N. 3: SCRIVERE UNA LOGLINE
Se il concetto è tutto a Hollywood, la logline è ciò che vende il concetto nel più breve tempo possibile. Pensa a loro come alle brevi e dolci forme letterarie delle prossime attrazioni. Quindi, potresti dire che le logline sono davvero, davvero, davvero importanti.
CHE COS'È UNA LOGLINE?
Una logline è la semplice anteprima di 25-50 parole (dare o avere) che cattura le dinamiche fondamentali del tuo concetto. È ciò che vende il tuo concetto. È una frase ultra potente che può agganciare un lettore e costringerlo a leggere la tua sceneggiatura.
QUALI SONO GLI ELEMENTI DI UN GRANDE LOGLINE?
Lo scopo di una logline è informare lo studio, la società di produzione e il distributore:
- I protagonisti)
- Il mondo in cui vivono
- L'incidente scatenante
- Il grande conflitto che devono affrontare
- La posta in gioco
Un ottimo logline dovrebbe includere questi elementi.
COME SCRIVERE UN OTTIMO LOGLINE
Non stai raccontando una storia in una logline. Stai presentando il concetto centrale della tua sceneggiatura. Non è necessario approfondire i colpi di scena, gli archi dei personaggi e la trama. Stai semplicemente trasmettendo l'idea centrale: il seme iniziale da ciò che cresce la trama, i personaggi, i colpi di scena, le svolte e il conseguente conflitto.
La formula di base con cui puoi iniziare, una volta scelta l'idea che vuoi sviluppare, ti aiuterà a darti le basi di ciò che deve essere in una logline.
- Quando [SI VERIFICA UN INCIDENTE INCITANTE]...
- UN [TIPO DI CARATTERE]...
- Deve [OBIETTIVO]...
- Prima di [PUNTI].
Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio devono dare la caccia alla bestia prima che uccida di nuovo.
Iniziare con questa formula di base consente di identificare l'incidente scatenante/il conflitto principale, i protagonisti, l'obiettivo che hanno all'interno della storia e la posta in gioco principale. Successivamente, puoi modificare la verbosità e la struttura per trovare la migliore rappresentazione della tua idea che coinvolga il lettore e lo spinga a saperne di più.
![Logline Sceneggiatura sceneggiatore film cortometraggio](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2022/08/Understanding-the-3-Types-of-Character-Arcs-Al-Pacino-in-The-Godfather-1024x580.jpg)
'Il Padrino'
ESEMPI DI GRANDI LOGLINE
Non sei ancora sicuro di cosa costituisca un ottimo logline? Bene, eccone alcuni tratti da alcuni film famosi che ti daranno un'idea di cosa girare:
L'anziano patriarca di una dinastia del crimine organizzato trasferisce il controllo del suo impero clandestino al figlio riluttante. (IL PADRINO)
Dopo che un semplice furto di gioielli è andato terribilmente storto, i criminali sopravvissuti iniziano a sospettare che uno di loro sia un informatore della polizia. (LE IENE)
Con l'aiuto di un cacciatore di taglie tedesco, uno schiavo liberato decide di salvare sua moglie da un brutale proprietario di una piantagione del Mississippi. (DJANGO UNCHAINED)
Una commedia ambientata a Las Vegas incentrata su tre testimoni dello sposo che perdono il loro amico in procinto di sposarsi durante le loro disavventure da ubriachi e poi devono tornare sui loro passi per trovarlo. (IL DOPO-SBORNIA)
Un giovane cadetto dell'FBI deve confidarsi con un killer incarcerato e manipolatore per ricevere il suo aiuto per catturare un altro serial killer che scuoia le sue vittime. (IL SILENZIO DEGLI INNOCENTI)
A un ladro che ruba segreti aziendali attraverso l'uso della tecnologia di condivisione dei sogni viene affidato il compito inverso di impiantare un'idea nella mente di un amministratore delegato. (INIZIO)
Un avvocato veloce non può mentire per 24 ore a causa del desiderio di compleanno di suo figlio dopo che l'avvocato ha rifiutato suo figlio per l'ultima volta. (BUGIARDO BUGIARDO)
![Esempio Logline Sceneggiatura sceneggiatore film cortometraggio](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2021/12/Jaws-1024x636.jpeg)
'Mascelle'
Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, tocca a uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio dare la caccia alla bestia. (GRANDE)
Il settantottenne Carl Fredricksen si reca a Paradise Falls nella sua casa dotato di palloncini, portando inavvertitamente un giovane clandestino. (SU)
Una bambola da cowboy è profondamente minacciata e gelosa quando una nuova figura di astronauta lo sostituisce come top toy nella stanza di un ragazzo. (STORIA DEL GIOCATTOLO)
Un giovane bidello del MIT ha un talento per la matematica ma ha bisogno dell'aiuto di uno psicologo per trovare una direzione nella sua vita. (CACCIA ALLA BUONA VOLONTÀ)
Due astronauti lavorano insieme per sopravvivere dopo che un incidente li ha lasciati bloccati nello spazio. (GRAVITÀ)
In un mondo post-apocalittico, una famiglia è costretta a vivere in silenzio nascondendosi da mostri dall'udito ultra sensibile. (UN POSTO TRANQUILLO)
Un bambino problematico trova il coraggio di aiutare un simpatico alieno a fuggire dalla Terra e tornare nel suo mondo natale. (ET)
QUANDO DOVREBBE ESSERE SCRITTA UNA LOGLINE?
Alcuni sceneggiatori commettono l'errore di aspettare fino a dopo aver scritto la sceneggiatura per creare una trama avvincente. Sebbene tu possa certamente riscrivere la logline durante la fase di marketing del tentativo di vendere la tua sceneggiatura, la logline è anche un ottimo strumento per il processo di scrittura. La maggior parte degli sceneggiatori professionisti ha il compito di scriverli prima ancora che inizi il processo di sceneggiatura.
Quando scrivi un'ottima logline prima di iniziare a scrivere, puoi usarla come bussola per assicurarti di scrivere attorno a ciò che fornisce la logline: il concetto centrale della tua storia.
PASSAGGIO N. 4: SVILUPPA I TUOI PERSONAGGI
Hai avuto la grande idea . Sai in che genere rientra. Hai articolato quella grande idea in una trama avvincente e coinvolgente che comunica quel genere e incapsula il concetto centrale della sceneggiatura. Ora è il momento di iniziare ad approfondire i personaggi che popoleranno il mondo che hai lentamente creato attraverso questo processo di sviluppo.
5 TIPI DI CARATTERI CHIAVE
Ci sono generalmente cinque tipi di personaggi nelle sceneggiature:
- Protagonisti
- Antagonisti
- Cattivi
- Personaggi secondari
- Caratteri azionari
PROTAGONISTI
I protagonisti sono i protagonisti delle tue sceneggiature. Pensa a Indiana Jones, Katniss Everdeen, Harry Potter, James Bond.
Alcune sceneggiature avranno un unico protagonista, mentre altre ne avranno molteplici. Questi sono i personaggi che hanno un ruolo centrale nella progressione della storia e della trama.
- Sono loro che reagiscono al conflitto presentato dal concetto.
- Sono quelli centrali della storia e della trama.
- Sono quelli che hanno un arco completo del personaggio come risultato delle loro azioni e reazioni ai conflitti della storia.
![Personaggio Sceneggiatura sceneggiatore film cortometraggio](https://screencraft.org/wp-content/uploads/2019/12/Indiana-Jones-and-the-Raiders-of-the-Lost-Ark-1024x512.jpg)
"Indiana Jones e i predatori dell'arca perduta"
ANTAGONISTI E CATTIVI
Alcuni credono che i termini antagonista e cattivo siano intercambiabili quando in realtà sono abbastanza diversi.
- I cattivi sono definiti come personaggi "cattivi" intenti a danneggiare gli altri.
- Gli antagonisti sono definiti come personaggi che lavorano in opposizione al protagonista (l'eroe).
Qual è la differenza tra un cattivo e un antagonista?
I cattivi non sono sempre gli antagonisti - spesso, ma non sempre - e gli antagonisti non sono sempre i cattivi. Caso in questione, Tristezza da Inside Out. Sebbene sia chiaramente l'antagonista per definizione - è in opposizione all'obiettivo di Joy di mantenere Riley felice - non è il cattivo perché non ci sono cattive intenzioni.
C'è qualche zona grigia per essere sicuri. I cattivi e gli antagonisti (e persino i protagonisti in una certa misura) non vivono in un mondo in bianco e nero nel regno della narrazione cinematografica e letteraria, una lezione da cui la maggior parte degli scrittori può imparare. Le migliori storie spesso confondono i confini tra antagonista, cattivo e protagonista. È qui che entra in gioco il grande sviluppo del personaggio.
In Ferris Bueller's Day Off , il preside Rooney chiaramente non è malvagio. Tuttavia, se lo guardi dal contesto del film, vale a dire dal punto di vista di adolescenti come Ferris, Sloane e Cameron, Rooney è "cattivo" in quanto rappresenta l'autorità che si oppone alla loro volontà di divertirsi e godersi la vita e la scuola. al massimo.
Nel caso di Tristezza in Inside Out, Joy alla fine si rende conto che Tristezza non è solo parte integrante dell'umanità di Riley, ma è anche un elemento chiave per garantire che sia in grado di affrontare la perdita per provare gioia ancora una volta.
Quindi la parola "male" deve essere considerata in un contesto particolare, vale a dire attraverso gli occhi del protagonista. In effetti, uno dei più grandi cattivi della storia del cinema è Man. L'uomo è la personificazione del male in Bambi della Disney . Ora, sappiamo tutti che l'Uomo (almeno in generale) non è malvagio. Tuttavia, agli occhi di Bambi, Man ha ucciso colui che Bambi ama senza una buona ragione. Quindi è tutto nel contesto.
C'è qualche zona grigia per essere sicuri. I cattivi e gli antagonisti (e persino i protagonisti in una certa misura) non vivono in un mondo in bianco e nero nel regno della narrazione cinematografica e letteraria, una lezione da cui la maggior parte degli scrittori può imparare. Le migliori storie spesso confondono i confini tra antagonista, cattivo e protagonista. È qui che entra in gioco il grande sviluppo del personaggio.
PERSONAGGI SECONDARI
I personaggi di supporto (o secondari) potrebbero non avere sempre un impatto diretto sul conflitto centrale, sulla storia e sulla trama, ma hanno molteplici scopi nelle sceneggiature.
- Rilievo comico
- Legare insieme diversi personaggi principali
- Collegamento dei punti della trama
- Sostenere i personaggi principali
- Inimicarsi i personaggi principali
- Informare i personaggi principali
- Mettere alla prova i valori, l'etica e la morale dei protagonisti
È bene sapere chi sono i tuoi personaggi secondari e quale scopo hanno nel contesto della storia. E i personaggi secondari con cui circondi il tuo protagonista aprono molte più porte per una maggiore profondità e arco del personaggio.
CARATTERI AZIONARI
I personaggi standard sono personaggi archetipici che si trovano nella maggior parte delle storie cinematografiche. Questi sono i tipi ricorrenti di personaggi che il pubblico riconosce dai film e dalle serie episodiche.
- Figure di autorità (insegnanti, presidi, agenti di polizia, agenti governativi, ecc.)
- Vicinato
- Bambini
- Membri della famiglia
- Amici
Mentre i personaggi di serie possono essere elementi costitutivi utilizzati per creare personaggi secondari, protagonisti, antagonisti e cattivi, sono spesso usati come strumenti di trama per scene singole o storie di ambito C più piccolo all'interno delle tue sceneggiature.
METODI PER SVILUPPARE I TUOI PERSONAGGI
La profondità del personaggio può presentarsi in molte forme diverse.
- Puoi mostrare visivamente la profondità del personaggio attraverso le sue azioni e reazioni.
- Puoi sviluppare retroscena che spieghino quelle azioni e reazioni.
- Puoi assegnare tratti, stranezze e descrizioni fisiche che definiscono le loro caratterizzazioni.
Non esiste un'unica regola, processo o linea guida da seguire. La cosa migliore che puoi fare è trovare ciò che funziona meglio per te e assicurarti che tutto ciò che assegni al personaggio sia presente all'interno della sceneggiatura e si riferisca alla storia e alla trama presentate all'interno della sceneggiatura.
DEVI SVILUPPARE TUTTI I PERSONAGGI?
Ricorda che non è necessario farlo per ogni singolo carattere all'interno della tua sceneggiatura. Non c'è abbastanza tempo nel tuo film per offrire molto sviluppo del personaggio per i personaggi standard. Ai personaggi di supporto può essere data un po' più di profondità, ma anche con loro, qualsiasi cosa troppo approfondita è troppo e toglie dove la profondità del personaggio è davvero necessaria.
La profondità del personaggio protagonista è dove dovresti concentrarti perché devono avere vari archi interni ed esterni presenti in tutta la storia dall'inizio alla fine.
- Trova modi creativi per evocare nomi di personaggi perfetti!
- Rispondi alle domande sui personaggi e all'elenco definitivo delle domande sullo sviluppo della storia per sviluppare ulteriormente i tuoi personaggi.
Questi semplici passaggi possono aiutarti a sviluppare grandi personaggi che si adattino alla tua fantastica idea cinematografica.
MIDWAY BREAK: TITOLO DELLA SCENEGGIATURA, RICERCA E VISUALIZZAZIONE DELLA STORIA
Prima di entrare nel passaggio n. 5 e oltre, devi dedicare del tempo a svolgere il lavoro di front-end necessario per tutte le sceneggiature.
- Ricerca
- Trova il titolo del tuo copione
- Visualizzazione della storia
È molto allettante entrare nel processo di sceneggiatura dopo aver realizzato questo concetto iniziale e lo sviluppo del personaggio, ma c'è del lavoro critico da fare prima di passare ai passaggi 5-10.
RICERCA
La ricerca è un fattore critico nello sviluppo di una storia cinematografica avvincente, sia che si tratti di studiare il mondo in cui abiterà il tuo personaggio immaginario o di imparare tutto ciò che puoi sugli elementi della vita reale della tua sceneggiatura.
E la ricerca va oltre la storia, il mondo e i fatti.
Quando hai un'idea per una sceneggiatura, una cosa che dovresti fare è ricercare quell'idea per assicurarti che non ci sia nient'altro là fuori di simile.
Viviamo in un mondo collettivo in cui siamo tutti ispirati, incuriositi e informati dalle stesse cose. Ci saranno sicuramente molti cross-over. Per gli sceneggiatori, non c'è niente di peggio che leggere un'intera sceneggiatura e scoprire che Hollywood ha già dato il via libera o prodotto uno, se non più, film o serie TV con lo stesso concetto che hai appena finito di scrivere per mesi. È straziante.
Una volta che hai quell'idea in testa, salta su Google e inizia a vedere se altri progetti simili sono stati realizzati o sono in lavorazione. E se qualcosa è simile, forse puoi trovare un modo per rendere il tuo diverso, se non migliore.
TITOLO DELLA SCENEGGIATURA
Ora è il momento di dare un'identità al tuo progetto. Una nuova sceneggiatura è come il tuo bambino. Devi nutrirlo, nutrirlo e lasciarlo crescere. E quel processo inizia nominandolo.
Alcuni diranno che il titolo della sceneggiatura non ha importanza perché probabilmente verrà comunque modificato in futuro. C'è del vero in questo. Se la tua sceneggiatura finisce nelle mani del settore, il titolo potrebbe (e probabilmente lo farà) subire un numero qualsiasi di variazioni basate sul marketing e sull'input creativo di molte persone.
Tuttavia, il titolo è un'arma nel tuo arsenale letterario e cinematografico che usi per attirare l'attenzione sul tuo lavoro. Un grande titolo può sollevare il sopracciglio di quel dirigente del settore.
Oltre a ciò, è emozionante trovare quel titolo fantastico.
- Offre energia ed eccitazione istantanee mentre entri nel processo di scrittura.
- Dà un'identità istantanea a ciò che stai cercando di fare con la tua storia cinematografica.
- Alimenta il tuo investimento nel progetto.
Prenditi il tempo per trovare il titolo perfetto per la tua sceneggiatura prima di addentrarti nel vivo della storia e della trama. Scoprirai spesso che un grande titolo può guidarti verso la storia e le decisioni sulla trama che prendi nei passaggi 5-10.
VISUALIZZAZIONE DELLA STORIA
La visualizzazione è una parte cruciale del processo. Come puoi comunicare e descrivere un'immagine attraverso la prosa senza prima vederla con gli occhi della tua mente creativa?
Scrivere non è sempre digitare. La visualizzazione è parte del tuo processo di scrittura tanto quanto la digitazione, se non di più.
- Visualizza il film.
- Sogno ad occhi aperti.
- Guarda film e programmi TV simili per tono, genere e atmosfera.
- Nutri il tuo cervello.
- Fai crescere quel seme di un concetto.
Puoi visualizzare il tuo film mentre guardi fuori dalla finestra, dai da mangiare al bambino, prepari il pranzo per i tuoi studenti delle medie o aspetti che il rapporto di lavoro venga stampato.
Quel lungo viaggio di lavoro può essere il tuo momento magico per inventare la tua storia, i personaggi e la narrativa. Quando ti alleni, fai una passeggiata o corri, o fai un giro in bicicletta, puoi scrivere nella tua testa, creare mondi e personaggi che abitano quei mondi.
- Visualizzare è scrivere.
- Prova a vedere più del 75% del tuo script nella tua testa prima di digitare qualsiasi cosa.
- Per lo meno, guarda le grandi linee del tuo film sotto forma di trailer del film.
Scoprirai che questo lavoro di front-end sarà inestimabile quando si tratta della preparazione necessaria per il processo di sceneggiatura per scrivere la tua sceneggiatura.
FINE PARTE TERZA. Link alla SECONDA parte Link alla QUARTA parte
di Ken Miyamoto per screencraft.org
PASSAGGIO N. 1: OTTIENI IL SOFTWARE PER LA SCENEGGIATURA
Il software di sceneggiatura è essenziale per gli sceneggiatori. Il software è uno strumento necessario che aiuta lo sceneggiatore a scrivere sotto inevitabili vincoli di formato e aiuta a facilitare in seguito il processo di collaborazione tra sceneggiatori, registi, produttori, dirigenti dello sviluppo, attori e troupe cinematografiche. A causa dell'importanza di tale collaborazione - e della facilità con cui ti viene offerta - è altamente raccomandato che il primo passo del tuo processo di scrittura sia l'acquisizione e l'utilizzo del software di sceneggiatura.
QUALE SOFTWARE DI SCENEGGIATURA È IL MIGLIORE?
Vengono presentate molte opzioni quando si tratta di quale pacchetto software di sceneggiatura scegliere , ognuna con diverse variazioni di costo, strumenti e funzionalità.
Esistono opzioni gratuite o a basso costo che offrono gli strumenti del formato di base e opzioni più costose che rappresentano lo standard del settore e hanno funzionalità di sviluppo e collaborazione aggiuntive.
- La bozza finale è lo standard del settore. È molto più costoso delle opzioni gratuite, ma puoi ottenerlo a partire da $ 199 . Saranno i migliori soldi spesi per il tuo processo di sceneggiatura.
- Celtx è l'opzione a basso costo più popolare, ma gli sceneggiatori dovrebbero sapere che quando si arriva al livello in cui si scrive con contratti di incarico retribuiti, la maggior parte degli studi, delle società di produzione e delle reti preferiscono i file Final Draft quando si tratta di rapporti, tipi di file e funzionalità collaborative che richiedono.
HAI BISOGNO DI UN SOFTWARE PER LA SCENEGGIATURA?
Risposta breve, no. Puoi assolutamente utilizzare qualsiasi vecchio elaboratore di testi per scrivere uno script, ma ciò significa che sarai responsabile del mantenimento di tutti gli standard di formattazione. Ogni margine, ogni rientro, ogni testo in corsivo: sta a te assicurarti che sia tutto corretto. E ci sono molti errori di formattazione degli script che i nuovi scrittori fanno in modo coerente anche con il software!
Questo è principalmente ciò che rende il software di sceneggiatura così attraente e necessario per così tanti scrittori: si occupa di tutta la formattazione in modo che tu possa concentrarti sulla parte migliore del processo: la narrazione.
"Il formato della sceneggiatura è davvero così importante?"
SÌ. E ci sono ragioni specifiche per cui.
FORMATO SCENEGGIATURA
Le sceneggiature non sono come racconti, novelle o romanzi. Hanno un formato specifico a cui gli sceneggiatori devono aderire perché film e televisione sono mezzi collaborativi.
Inoltre, le sceneggiature sono progetti sia uditivi che visivi per eventuali lungometraggi cinematografici ed episodi televisivi episodici, quindi esiste il formato per creare una storia cinematografica facile da visualizzare e da adattare, piena di luoghi, dialoghi e azioni che registi, attori , e le troupe cinematografiche possono portare in vita dalla sceneggiatura allo schermo.
FORMATO SCENA PRINCIPALE
Il formato della scena principale è il formato di script essenziale che dovresti seguire. Rappresenta il modo migliore per interpretare immagini e dialoghi dalla tua mente creativa alla pagina affinché gli altri possano decifrarli il più facilmente possibile.
Elementi del formato della sceneggiatura
Gli elementi del formato della sceneggiatura di Intestazione della scena, Azione, Nome del personaggio, Parentesi (usati pochi e rari), Dialogo e Transizione (usati con parsimonia) sono tutto ciò di cui hai bisogno per raccontare una storia cinematografica pensata per il grande o piccolo schermo.
Ecco una rapida suddivisione di ciascuno di questi elementi, oltre a una guida visiva su come appaiono sulla pagina:
- Intestazione della scena: nota anche come "linea di lumache", queste intestazioni comunicano l'ambientazione di una scena, incluso se si svolge all'interno o all'esterno, il luogo e l'ora del giorno.
- Azione: descrive l'azione che può essere vista o ascoltata.
- Nome del personaggio: indica il personaggio che sta pronunciando il dialogo.
- Tra parentesi: fornisce il contesto o le istruzioni per la consegna del dialogo. (Usali con parsimonia e solo quando necessario.)
- Dialogo: rappresenta le parole pronunciate dagli attori.
- Transizione: segna il passaggio da una scena all'altra. (Usali con parsimonia e solo quando necessario.)
Ci sono sottili variazioni nel formato - i musical, ad esempio, sono formattati in modo leggermente diverso - ma gli elementi della scena principale sono le linee guida di formattazione più universali da seguire per tutte le piattaforme cinematografiche.
Margini della sceneggiatura
Ciascuna impostazione dei margini per questi elementi della scena principale include:
Se ci sono "regole" di formato che non possono essere piegate, sono rappresentate da queste impostazioni dei margini, che aiutano a formulare la dimensione e l'estetica della pagina dello script di base e universali.
Quando acquisti e utilizzi un software di sceneggiatura, eviti di doverti preoccupare delle impostazioni dei margini. Puoi consegnare ciò di cui hai bisogno in quel formato in primo piano premendo uno o due pulsanti mentre scrivi .
Poiché il formato della sceneggiatura è molto più tecnico rispetto alla scrittura di racconti, novelle e romanzi, alcuni sceneggiatori principianti guardano al formato con ansia. Non deve essere così. Se segui gli elementi di base della sceneggiatura e utilizzi un software di sceneggiatura per assicurarti di aderire alle rigorose impostazioni dei margini per ciascuno, puoi concentrarti maggiormente sul raccontare grandi storie con personaggi forti e avvincenti.
PASSAGGIO N. 2: TROVA UNA FANTASTICA IDEA PER LA STORIA
Ok, hai il tuo software di sceneggiatura e sei pronto per iniziare a scrivere, solo... non hai un'idea per la storia.
O forse lo fai, ma non sei sicuro che sia all'altezza. È molto facile partire con la prima idea che ti viene in mente. Ma questo è spesso il primo errore commesso dalla maggior parte degli sceneggiatori principianti e non affermati.
Ad ogni modo, esaminiamo alcuni concetti e strumenti che ti renderanno più facile trovare una grande idea per la storia.
TROVA UN GRANDE CONCETTO
Come disse una volta il grande Cavaliere delle Crociate in Indiana Jones e l'ultima crociata :
"Devi scegliere. Ma scegli saggiamente."
La frase più comune che sentirai negli uffici di sviluppo di Hollywood è che il concetto è tutto . Sì, tutti vogliono anche grandi personaggi, drammi avvincenti, posta in gioco alta, colpi di scena e storie avvincenti. Ma alla fine, è il concetto che vende il progetto.
CHE COS'È UN CONCETTO DI STORIA?
Il concetto è tutto.
- È la logline (vedi sotto) che ti porta alla porta.
- È il concetto centrale che vende il progetto ai distributori.
- È la grande idea che viene venduta al pubblico.
È la grande idea della storia.
Quella grande idea ha bisogno di essere consegnata in modo sorprendente da una grande sceneggiatura piena di personaggi coinvolgenti ed empatici. Devi mantenere la promessa della tua grande idea di storia scrivendo una sceneggiatura eccezionale che esplori il personaggio e le dinamiche della storia di quel concetto. Ma, non commettere errori, devi scegliere molto saggiamente i concetti della tua sceneggiatura.
HAI BISOGNO DI AVERE UN GRANDE CONCETTO?
Gli sceneggiatori devono capire che, certo, esiste un mercato per pezzi di personaggi più piccoli e stravaganti commedie e drammi guidati dai personaggi. Tuttavia, quelli sono più popolari nel mercato del cinema indipendente attraverso film d'autore e film indipendenti che vengono scoperti attraverso il circuito dei festival cinematografici.
Quando scrivi su specifiche nella speranza di vendere la tua sceneggiatura a Hollywood, devi fare del tuo meglio per trovare concetti che si distinguano dagli altri. Il mercato delle specifiche è altamente competitivo. I normali drammi ordinari e i personaggi stravaganti non rappresentano investimenti redditizi per studi, società di produzione e distributori. Hanno bisogno e vogliono concetti che attirino il pubblico a teatro o che facciano clic mentre cercano qualcosa da guardare sulle loro piattaforme di streaming.
Quali sono alcuni modi per trovare quelle grandi idee?
COME TROVARE UN GRANDE CONCETTO
Anche se non c'è un solo segreto per trovare un grande concetto che attirerà studi e produttori, ci sono molti modi creativi per esplorare potenziali idee e vedere se sono abbastanza convincenti da comprendere un'intera sceneggiatura.
SUGGERIMENTI PER LA STORIA
A volte leggere e scrivere semplici suggerimenti per la storia è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi.
Puoi esplorare scenari "What If..." , ibridi di storie "This Meets That" o suggerimenti basati su storie vere che renderebbero sceneggiature avvincenti.
GUARDARE FILM
E che tu ci creda o no, puoi anche rivolgerti a quello che potrebbe essere il tuo passatempo preferito come narratore cinematografico e amante del cinema - guardare film - per far fluire la tua mente creativa. È abbastanza comune guardare alcuni dei tuoi film preferiti, o quelli nuovi che ti coinvolgono, e scoprire che la tua mente vaga verso elementi all'interno di quei film che non sono stati completamente esplorati. O forse la tua immaginazione inizia a chiedersi come una certa storia o personaggio avrebbe potuto essere gestito diversamente.
Per esempio:
- E se la storia de IL SESTO SENSO non si concentrasse sulle persone che possono vedere i fantasmi, ma piuttosto sui fantasmi stessi mentre cercano di raggiungere le persone per risolvere il mistero della loro morte?
- E se GOOD WILL HUNTING fosse un thriller in cui il governo ha costretto un personaggio come Will a usare i suoi talenti per decifrare codici segreti?
- E se gli alieni in qualsiasi film sui rapimenti alieni fossero in realtà umani del futuro che cercano di trovare una cura per una pandemia che sta uccidendo la razza umana?
SCEGLI IL TUO GENERE CON SAGGEZZA
Ma a volte non basta avere una grande idea. Scrivere quell'idea all'interno di un genere specifico è anche un grande decisore per l'impatto che la tua idea ha su Hollywood quando inizi a commercializzare la tua eventuale sceneggiatura a studi, società di produzione e distributori.
"Beh, il concetto del film non determinerà quale sia il genere?"
Non sempre.
Caso di studio: Armageddon vs. Deep Impact vs. Don't Look Up
Un asteroide sta per colpire la terra e una squadra viene inviata nello spazio per fermarlo prima che uccida l'umanità così come la conosciamo.
È un'ottima idea per un film. È anche quasi un ottimo logline. Ma non determina necessariamente il genere e il sottogenere. Nel 1998, due film hanno debuttato con la stessa premessa: Armageddon e Deep Impact . Ma entrambi erano film molto diversi scritti sotto generi e sottogeneri molto diversi.
- Armageddon era una commedia d'azione mescolata con un'avventura di fantascienza.
- Deep Impact era un dramma mescolato con la fantascienza.
Hanno gestito la stessa premessa in molti modi diversi.
- Armageddon si è concentrato su grandi risate, romanticismo travolgente, azione ad alto numero di ottani e avventure spaziali guidate da effetti speciali. Sì, ha sicuramente avuto momenti drammatici, ma l'azione, i brividi e le sequenze di effetti speciali li hanno messi in ombra.
- Deep Impact si è concentrato sul dramma della perdita dei propri cari in mezzo al pensiero genuino e spaventoso che il nostro mondo potrebbe finire a causa di circostanze fuori dal nostro controllo. Sì, ha avuto momenti di trailer di grandi inondazioni dello tsunami che hanno ucciso milioni di persone, ma l'attenzione era sul dramma.
Una versione più contemporanea dell'idea di persone che lottano per sopravvivere durante un imminente ed eventuale impatto con un asteroide sarebbe il candidato al miglior film Don't Look Up , una commedia nera di satira politica apocalittica.
Gioca con il genere
Collocare la tua grande idea di storia in generi diversi - e i vari elementi di storia, personaggio e ambientazione che di solito si trovano in quei diversi generi - è un modo magistrale per trovare qualcosa di familiare e unico, due elementi che gli addetti ai lavori (e il pubblico) di Hollywood amano quando scelgono su quali sceneggiature andare avanti.
Qual è il vantaggio quando si tratta di trovare grandi idee per la storia?
- Scegliere saggiamente.
- Sii creativo quando esplori le opzioni.
- Divertiti con esso.
- Crea elenchi di potenziali idee tra cui scegliere.
- E inietta quelle idee in diverse possibilità di genere.
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di Ken Miyamoto per screencraft.org
Senza dubbio, la domanda più grande per chi muove i primi passi per diventare uno sceneggiatore professionista è come scrivere una sceneggiatura.
Scrivere una sceneggiatura può essere un processo arduo per gli sceneggiatori principianti. Tuttavia, quando impari i passaggi di base che devono essere seguiti durante lo sviluppo, la scrittura e la riscrittura di una sceneggiatura, le cose possono diventare un po' più facili per te.
Sebbene non esista un unico modo infallibile per scrivere una sceneggiatura, avere un processo strutturato su cui lavorare aiuta a semplificare l'impresa, permettendoti di concentrarti sull'evocazione dei migliori concetti, personaggi e storie per le tue sceneggiature.
Con questo in mente, qui presentiamo una guida semplice, diretta, facile da seguire ma dettagliata su come scrivere una sceneggiatura in dieci passaggi strutturati. Assicurati di esplorare i collegamenti di accompagnamento trovati all'interno di ogni passaggio per ulteriori elaborazioni, informazioni, strumenti e conoscenze professionali che ti aiuteranno a superare questo processo.
Sommario
TERMINI DI SCENEGGIATURA CHE DEVI CONOSCERE
Prima di addentrarci nel primo passaggio, esaminiamo un termine importante che devi conoscere: spec script.
COS'È UNO SCRIPT DELLE SPECIFICHE?
Una sceneggiatura specifica è una sceneggiatura scritta ipotizzando che verrà acquisita da uno studio, una rete o una società di produzione ai fini della produzione e della distribuzione. Insomma, non sei stato pagato per scriverlo. Stai scrivendo la sceneggiatura di tua iniziativa con la speranza di venderla all'industria cinematografica e televisiva per la produzione.
QUALI SONO I VANTAGGI DI SCRIVERE UNO SCRIPT SPECIFICO?
I vantaggi della scrittura su specifica includono quanto segue:
- Nessuno che ti guardi alle spalle.
- Scrivi quello che vuoi quando vuoi.
- Scrivi la sceneggiatura come la immagini, mentre si spera che segui le linee guida e le aspettative generali del settore per aumentare le tue possibilità di venderla.
Come sceneggiatore principiante o non affermato, scrivere su specifica ti consente di affinare le tue capacità e lavorare sul tuo mestiere attraverso il processo di sviluppo, scrittura e riscrittura, senza ostacoli da scadenze contrattuali e pressioni da parte dei dirigenti.
QUALI SONO GLI SVANTAGGI DI SCRIVERE UNO SCRIPT SPECIFICO?
Ma c'è un problema in questa libertà: non vieni ancora pagato. Stai lavorando con la speranza che ciò che scrivi sarà accolto abbastanza bene da consentire ai poteri costituiti di investire tempo e denaro preziosi nel confezionamento, nella vendita, nella produzione e nella distribuzione della tua storia cinematografica.
LA DIFFERENZA TRA SCRIVERE SU SPECIFICHE E SCRIVERE SU INCARICO
Scrivere "su specifica" e scrivere "su incarico" sono diversi. Esaminiamo alcuni modi in cui differiscono.
SCRIVERE SU SPECIFICA
Le sceneggiature specifiche sono in realtà il modo meno redditizio per guadagnarsi da vivere come sceneggiatore. La maggior parte dei contratti di sceneggiatura nell'industria cinematografica e televisiva sono incarichi di scrittura retribuiti, in cui uno sceneggiatore viene assunto per scrivere da un concetto proposto, una riscrittura di una sceneggiatura di loro proprietà, materiale di partenza o proprietà intellettuale esistente di proprietà della società di assunzione.
Quando uno sceneggiatore viene preso in considerazione per un incarico di sceneggiatura, i suoi script specifici vengono effettivamente utilizzati come campioni di scrittura per aiutare gli studi, le società di produzione e le reti a determinare se lo sceneggiatore è adatto per l'incarico.
SCRIVERE SU INCARICO
Quando scrivi su incarico, il processo è un po' più strutturato per varianti di contratto e mandati.
- Probabilmente dovrai scrivere materiali di sviluppo come sinossi, trattamenti e schemi come parte del processo di collaborazione con i poteri costituiti.
- Hai dirigenti dello sviluppo, produttori e registi che rivedono le tue bozze e ti forniscono note che dovrai applicare.
- Hai scadenze rigorose che devono essere rispettate.
Ma con gli incarichi di scrittura, vieni pagato per scrivere, che dovrebbe essere l' obiettivo per chiunque voglia diventare uno sceneggiatore professionista.
Le sceneggiature specifiche possono essere progetti di passione per gli sceneggiatori. Gli incarichi di scrittura pagano le bollette.
Quindi mentre scrivi sulle specifiche, no, non sei vincolato da scadenze ravvicinate e vincoli di tempo. Tuttavia, ti aiuterà ad allenarti a scrivere come un professionista rispettando le scadenze e le linee guida generali del settore in modo da essere pronto per il successo quando arriverà.
Questa guida in 10 passaggi ti aiuterà a costruire il processo strutturato di cui hai bisogno per prepararti al successo. Come accennato in precedenza, non esiste un unico modo per scrivere una sceneggiatura. Ogni sceneggiatore avrà i propri desideri, bisogni, punti di forza, punti deboli e preferenze quando si tratta di come e perché scrivere le proprie sceneggiature. Usa questi passaggi collaudati come base per il tuo processo di scrittura e ti promettiamo che sarai qualche passo più vicino al tuo obiettivo di vendere la tua sceneggiatura - o essere pagato per scrivere su incarico - e vedere le tue parole prendere vita sullo schermo .
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di Ken Miyamoto per screencraft.org
COME PUOI EVITARE DI SCRIVERE CATTIVE ESPOSIZIONI?
Il primo passo è essere consapevoli dell'esposizione: cos'è e perché ne hai bisogno. La metà delle volte non ne hai bisogno. Se non è parziale rispetto alla storia, alla trama e agli archi dei personaggi, abbandonalo. Ma quando ne hai bisogno, scrivilo bene.
ESPOSIZIONE DIFFUSA SOTTILE, NON SPESSA
L'esposizione è migliore se stesa sottile, invece di stenderla spessa.
Quando usi monologhi, scene estese, sequenze e momenti non drammatici di personaggi che leggono informazioni ad alta voce (inclusi personaggi di sottofondo come i giornalisti), questo è troppo.
Esistono sicuramente modi per utilizzare bene questi strumenti espositivi, di solito mantenendo breve il loro utilizzo e le informazioni di accompagnamento. Quando è breve, è sottile e si adatta meglio alla narrazione. Può essere inserito nella storia e negli archi dei personaggi come punti di svolta, rivelazioni, piante e profitti.
Troppi sceneggiatori pongono l'esposizione su dialoghi fitti perché temono che il pubblico non rilevi informazioni più sottili.
Devi fidarti del pubblico o del lettore della sceneggiatura e rispettare il fatto che sia stato al cinema e abbia guardato gli episodi della serie. Sanno quando raccogliere determinate informazioni e apprezzeranno un po 'di fiducia con te che le diffondi in modo sottile e le intessi nella narrazione invece di forzarle su di loro con grandi discariche di informazioni.
INIETTA L'ESPOSIZIONE CON MOMENTI E RIVELAZIONI AVVINCENTI, COINVOLGENTI E SORPRENDENTI
Per quanto Inception fosse, soffriva di scene di esposizione troppo estese - con il personaggio di Ellen Page apparentemente concepito come nient'altro che un modo per i personaggi di spiegare la difficile scienza e le regole della tecnologia di condivisione dei sogni e dello spionaggio dei sogni.
Ma la sceneggiatura ha compensato questo accoppiando i necessari dump di esposizione estesa con i grandi momenti della sceneggiatura.
Questa scena con Leo DiCaprio che spiegava lo spionaggio onirico a Ellen Page stava diventando stancante fino a quando non è stato rivelato che erano, in effetti, in un sogno.
La sequenza espositiva continua con loro che discutono dei punti più fini della costruzione del sogno. Ancora una volta, normalmente questa sarebbe una cattiva esposizione - ed è ancora discutibilmente borderline, intendiamoci - ma la sceneggiatura continua a distrarci dall'esposizione rivelando momenti avvincenti, coinvolgenti e sorprendenti.
Il personaggio di Ellen Page potrebbe essere visto come nient'altro che una scusa per consentire al pubblico di comprendere le peculiarità della trama e della tecnologia attraverso i suoi occhi. Ma per fortuna, il suo personaggio ha funzionato intrecciando lei e l'esposizione in immagini e rivelazioni accattivanti.
CHIEDI AI PERSONAGGI DI DISCUTERE SULL'ESPOSIZIONE
Il conflitto è tutto. Il problema con l'esposizione è che manca di conflitto: è solo un'informazione blanda.
Quindi la soluzione più semplice è creare un conflitto facendo in modo che due o più personaggi reagiscano in modo diverso alle informazioni condivise o rivelate. Se non riesci a evocare un modo migliore per condividere l'esposizione e ti ritrovi nella trappola di usare i personaggi per recitarlo in forma di dialogo o leggere ad alta voce da giornali o schermi, allora la cosa migliore da fare è avere quell'informazione che causa conflitto tra due o più caratteri.
Date un'occhiata a questa scena di Aliens. Sebbene questo fosse un sequel dell'originale Alien, lo sceneggiatore aveva ancora bisogno di riassumere gli eventi del primo film nel caso in cui il pubblico non l'avesse visto o non ricordasse i dettagli. Oltre a ciò, la narrazione aveva bisogno di più informazioni per creare l'atmosfera e l'ambientazione che sarebbe arrivata con la missione a cui Ripley sarebbe stato chiesto di unirsi.
Normalmente, questo dump di informazioni rallenterebbe lo slancio della storia, ma lo scrittore è stato abbastanza saggio da creare conflitti tra i personaggi. I dirigenti dell'azienda stanno mettendo in discussione la sua storia (le informazioni) e lei sta lottando per comunicare il pericolo a portata di mano.
Coloro che hanno visto il primo film sanno cosa è successo e non hanno necessariamente bisogno di un rimaneggiamento degli eventi. Tuttavia, la narrazione lo richiede e utilizza quell'esposizione per creare uno dei temi centrali e dei conflitti dell'intero film: l'avidità contro la logica e l'ignoranza contro la realtà.
Come scritto e prodotto, la scena espositiva crea una delle migliori scene di conflitto all'interno della storia. Coloro che hanno visto il primo film capiscono la totale frustrazione di Ripley. Quei pochi che non hanno visto l'originale capiscono che Ripley è molto sensibile a ciò che ha visto e vissuto. I dirigenti dell'azienda sono all'estremità opposta dello spettro. Sembrano sospettosi del suo account. Questo è un grande conflitto.
TAKEAWAYS SULLA SCRITTURA DEL DIALOGO
In conclusione, quando si tratta di scrivere dialoghi per le tue sceneggiature, meno è spesso di più. Invece di ingombrare la sceneggiatura con dialoghi eccessivi, prova a scrivere la scena senza dialoghi. Se la scena richiede davvero un dialogo, mantienilo minimo, con solo una o due righe. Inoltre, elimina qualsiasi esposizione non necessaria che non fa avanzare la trama o rivela i tratti del personaggio. Seguendo questi suggerimenti, sarai in grado di creare dialoghi potenti e di grande impatto che eleveranno la tua sceneggiatura e la faranno risaltare.
FINE PARTE TERZA. Link parte Seconda. Link parte Prima.
di Ken Miyamoto per screencraft.org
SE LA SCENA HA BISOGNO DI DIALOGHI, SCRIVI UNA O DUE RIGHE
Quando ti rendi conto che una determinata scena ha bisogno di quell'elemento in più, sfida te stesso a realizzare ciò che deve essere realizzato raggiungendo quell'obiettivo con solo una o due frasi. Si tratta di trovare quel diamante grezzo che incapsula il momento al centro.
Ecco due versioni della stessa scena da una sceneggiatura specifica che ha raccolto incontri presso Disney, Warner Brothers, Sony, Universal e Dreamworks.
La versione sovrascritta è un esempio di troppi dialoghi (è anche un esempio di troppa descrizione della scena come lezione secondaria). La versione corretta rappresenta ciò che puoi realizzare in una scena arrivando al nocciolo delle intenzioni della scena usando il minor numero possibile di battute di dialogo. Come puoi vedere, siamo passati da dieci frasi a quattro.
VERSIONE SOVRASCRITTA
VERSIONE CORRETTA
Come puoi vedere, siamo passati da dieci frasi a quattro. Ogni sezione del dialogo è stata ridotta drasticamente, con meno frasi in ogni blocco di dialogo o meno parole per frase (o entrambe).
Questa tattica aiuta a concentrarsi sullo scrivere solo una o due righe (dare o avere), invece di aspettare fino al processo di riscrittura. Ti farà risparmiare tempo. Non avrai bisogno di passare attraverso un'intera bozza tagliando i dialoghi per trovare quelle gemme. Saranno già lì.
Può sembrare scoraggiante, ma una volta che questa tattica diventa un'abitudine nel tuo processo di scrittura, diventerà istintiva e rapida.
ELIMINA L'ESPOSIZIONE NON NECESSARIA
COS'È L'ESPOSIZIONE?
Il problema con l'esposizione nelle sceneggiature è che molti sceneggiatori non sanno veramente cosa sia, e quando scrivono i dialoghi, possono essere facilmente tralasciati o scritti male.
L'esposizione è composta da quei pezzi di informazioni vitali - spesso condivise nei dialoghi - che è necessario che il pubblico conosca e comprenda affinché gli archi dei personaggi e i punti della trama abbiano un senso.
Queste pepite di informazioni di solito esistono al di fuori della narrazione diretta. Pertanto, sono difficili da inserire correttamente nella storia e nella trama senza interruzioni senza interrompere tutto lo slancio della storia e del personaggio.
Ma questo non significa che l'esposizione sia cattiva. Un'esposizione è uno strumento essenziale per la narrazione. A volte è necessario.
COS'È UNA CATTIVA ESPOSIZIONE?
È un vecchio (ma vero) adagio: gli sceneggiatori dovrebbero mostrare piuttosto che raccontare. Ma a volte è necessaria l'esposizione. Quando gli sceneggiatori usano il dialogo espositivo come stampella per risparmiare tempo, pagine e fatica, c'è un problema. Di tanto in tanto, non sanno nemmeno che lo stanno facendo.
- Quando i personaggi parlano di eventi e informazioni cruciali piuttosto che lo sceneggiatore che mostra al pubblico attraverso la narrazione dal vivo
- Quando i personaggi apprendono informazioni fondamentali leggendo ad alta voce da fogli o schermi di computer
- Quando gli sceneggiatori usano la stampella dei notiziari televisivi e radiofonici per condividere informazioni dettagliate sugli elementi della trama
Il problema con l'esposizione - buona o cattiva - è che è assolutamente noiosa e manca di drammaticità. Non c'è azione, nessuna suspense, nessuna pianta, nessuna ricompensa e nessun inizio, metà o fine avvincente. È solo una discarica di informazioni che rallenta qualsiasi slancio narrativo.
FINE PARTE SECONDA. Link parte Prima. Link parte Terza.
di Ken Miyamoto per screencraft.org
Benvenuto nella nostra serie in corso sulle tattiche di sceneggiatura, in cui esploreremo tecniche, tattiche e strategie comprovate professionalmente per scrivere dialoghi che possono aiutare gli sceneggiatori a raggiungere i loro obiettivi di sceneggiatura .
La tattica è meglio definita come un'azione o una strategia attentamente pianificata per raggiungere un fine specifico.
Una serie di tattiche attuabili crea un efficace processo di sceneggiatura. Con questo processo in atto, puoi prendere il controllo del tuo destino di sceneggiatore. Se sei disciplinato, strutturato e motivato nel tuo processo di sceneggiatura, sarai uno sceneggiatore efficace e di successo, o almeno avrai maggiori probabilità di sfondare quei muri di Hollywood con la forza.
Con questo in mente, approfondiamo ora le tattiche della sceneggiatura che ti aiuteranno a migliorare il tuo dialogo.
Benvenuto nella nostra serie in corso sulle tattiche di sceneggiatura, in cui esploreremo tecniche, tattiche e strategie comprovate professionalmente per scrivere dialoghi che possono aiutare gli sceneggiatori a raggiungere i loro obiettivi di sceneggiatura .
La tattica è meglio definita come un'azione o una strategia attentamente pianificata per raggiungere un fine specifico.
Una serie di tattiche attuabili crea un efficace processo di sceneggiatura. Con questo processo in atto, puoi prendere il controllo del tuo destino di sceneggiatore. Se sei disciplinato, strutturato e motivato nel tuo processo di sceneggiatura, sarai uno sceneggiatore efficace e di successo, o almeno avrai maggiori probabilità di sfondare quei muri di Hollywood con la forza.
Con questo in mente, approfondiamo ora le tattiche della sceneggiatura che ti aiuteranno a migliorare il tuo dialogo.
Sommario
PERCHÉ MENO È MEGLIO CON IL DIALOGO
Il primo passo per svelare i misteri della scrittura di grandi dialoghi è la mancanza di dialogo .
L'azione parla piu' forte delle parole. Ironia della sorte, quando ci viene detto di cercare nel mondo intorno a noi dialoghi realistici, ci rendiamo presto conto che se vogliamo veramente trasmettere una comunicazione realistica, dobbiamo renderci conto che apprendiamo le emozioni degli altri non attraverso lo scambio linguistico diretto ma attraverso azioni esteriori. e reazioni fisiche a coloro che ci circondano.
Se qualcuno è arrabbiato, la maggior parte delle persone non direbbe apertamente:
"Sono arrabbiato ed è per questo che..."
Invece, tengono il broncio, distolgono lo sguardo, scuotono la testa, si ritirano o reagiscono con segni di rabbia.
Se qualcuno è triste, la maggior parte delle persone non dice:
"Sono triste ed è per questo che..."
Invece, tengono il broncio, fissano il terreno in silenzio, hanno le lacrime agli occhi, piangono, singhiozzano o scappano.
Non c'è niente di peggio che leggere o ascoltare dialoghi che spingono il significato in faccia al pubblico.
La mancanza di dialogo è spesso la soluzione migliore. La chiave per scrivere grandi dialoghi per una sceneggiatura è perfezionarla tagliando le battute inutili piuttosto che cercare di forzare battute o discorsi intelligenti. L'obiettivo è trovare una frase semplice e potente che catturi perfettamente l'essenza della scena.
È qui che entra in gioco la nostra tattica di sceneggiatura professionale.
Se utilizzi questi tre passaggi di base mentre scrivi (invece di dopo), ti risparmierai un sacco di modifiche e tempo.
TECNICHE PER SCRIVERE DIALOGHI PER MIGLIORARE LA SCENEGGIATURA
Per rispettare le scadenze dei contratti professionali e risparmiare tempo durante il processo di editing, prova a incorporare queste tattiche collaudate utilizzate dagli sceneggiatori di successo durante la scrittura dei dialoghi. Queste tecniche possono aiutarti a scrivere meglio e più velocemente, soprattutto quando lavori con scadenze ravvicinate di 4-8 settimane per una prima bozza. Possono anche essere molto utili mentre si scrive sulle specifiche, consentendo agli sceneggiatori più tempo per concentrarsi sulla storia e sugli archi dei personaggi invece di modificare e tagliare a volte noiosi.
SCRIVI LA SCENA SENZA DIALOGHI
Il cinema e la televisione sono mezzi visivi. Il potere dell'implicazione e del sottotesto nel dialogo può avere un impatto maggiore rispetto alle parole pronunciate dai personaggi. Quello che fanno molti professionisti è abbracciare questa filosofia durante la fase di scrittura, invece di aspettare fino a quando la prima bozza è finita e poi dover tornare indietro per modificare e tagliare durante la fase di riscrittura.
Come realizzi questo?
È abbastanza semplice, ma ti costringe anche a essere un po' più creativo in ogni scena che scrivi.
Scrivi la scena senza dialoghi, tutta azione. Invece, fai del tuo meglio per concentrarti sul portare avanti la storia con elementi visivi e azioni piuttosto che appoggiarti al dialogo per farlo.
Sarà dura. Alcune scene richiedono naturalmente esposizione e avanti e indietro tra i personaggi. Tuttavia, quando metti alla prova te stesso realizzando ciò che intendi con ogni scena senza usare i dialoghi, ti costringi a usare una narrazione più cinematografica.
Per alcune scene, questa pratica sembra impossibile. Sfida quella reazione iniziale perché la maggior parte delle volte è il tuo istinto di sopravvivenza che cerca di semplificarti le cose. Le migliori scene cinematografiche e televisive erano solitamente quelle che richiedevano un po' di ingegnosità e immaginazione.
FINE PARTE PRIMA. Link parte Seconda.
di Ken Miyamoto per screencraft.org
Otteniamo le nostre idee da molte fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc. Possono provenire da una scena o un momento in un film che non è stato completamente esplorato. Possono provenire da un singolo elemento visivo che attira la mente creativa, un seme che continua a crescere e crescere fino a quando lo scrittore non è costretto a metterlo finalmente su carta o schermo.
Possono ispirare sceneggiature, romanzi, racconti o anche momenti più piccoli che puoi includere nelle storie che stai già scrivendo.
Vuoi scrivere il prossimo grande dramma? Questi fantastici suggerimenti per la storia ti aiuteranno a iniziare!
101 SUGGERIMENTI PER STORIE DRAMMATICHE
1. I gemelli perduti da tempo si ritrovano.
2. Un padre affronta la morte di tutta la sua famiglia dopo un tragico incidente.
3. Una madre lotta con il dolore dopo aver perso il figlio maggiore.
4. Un uomo divorziato da poco torna nella sua città natale e riallaccia i rapporti con la sua dolce metà d'infanzia.
5. Un ricco dirigente si rende conto dell'errore commesso e vende tutto per viaggiare per il mondo.
6. Una famiglia scopre la verità sugli antenati.
7. Un padre e un figlio fanno un safari per riconnettersi.
8. Una famiglia fa amicizia con un senzatetto.
9. I genitori scoprono che la loro figlia in età universitaria è scomparsa.
10. Un uomo fa amicizia con l'autista ubriaco che ha ucciso i suoi genitori.
11. Una madre vuole realizzare il sogno di una vita e allenarsi per le Olimpiadi.
12. Un padre ha il compito di allenare la squadra di calcio di suo figlio, anche se non ha mai praticato questo sport.
13. Un insegnante si occupa di tornare a scuola dopo una sparatoria di massa.
14. Un gruppo di amici adolescenti decide di interrompere i loro modi di fare festa dopo che un amico muore dopo una festa.
15. Un ragazzino fa fatica ad adattarsi ai ragazzi che vivono nel suo nuovo quartiere.
16. Una famiglia che perde tutto in un incendio deve ricostruire la propria vita.
17. Una famiglia deve adattarsi al disturbo da stress post-traumatico del padre dopo il ritorno a casa dalla guerra.
18. Una famiglia separata si riunisce.
19. Il Presidente degli Stati Uniti e la sua famiglia vanno in incognito per vivere una vita normale.
20. Una famiglia famosa va in incognito per vivere una vita normale.
21. Un gruppo di amici va alla ricerca di seppellire una capsula del tempo dopo la morte di uno dei loro.
22. Una famiglia si reca alla frontiera americana per trovare la loro nuova casa.
23. Una recluta di star del baseball fatica a decidere se prendere una borsa di studio o diventare professionista.
24. Un adolescente esce allo scoperto nel Midwest rurale.
25. I fratelli scoprono che i loro genitori erano agenti dormienti dell'era dell'Unione Sovietica.
26. Una famiglia in un rifugio nella natura selvaggia accoglie un rapinatore di banche ferito.
27. Una famiglia ricca e benestante perde tutto e deve vivere nel ghetto.
28. Un gruppo di famiglie decide di trasferirsi fuori città e vivere in una comune, tagliati fuori dalla società corrotta.
29. Una famiglia vende tutto per comprare una barca a vela per fare il giro del mondo.
30. Una famiglia trova un cucciolo di lupo selvatico.
31. I fratelli iniziano un'attività di successo dopo che i genitori hanno perso il lavoro.
32. Due fratelli fanno tutto il possibile per assicurarsi che la loro famiglia possa mantenere la loro casa.
33. Due sorelle navigano nel difficile mondo dell'angoscia adolescenziale mentre i loro genitori navigano nel difficile mondo di stare al passo con i Jones.
34. Una famiglia decide di acquistare la propria isola.
35. Gli sposi trascorrono insieme la luna di miele, solo per apprendere alcuni segreti profondi e oscuri l'uno dell'altro.
36. Un pilota di auto da corsa muore e la sua famiglia lotta con il dolore.
37. Una famiglia afroamericana fugge dal ghetto dominato dalla criminalità e si trasferisce in periferia.
38. Una donna viaggia per il mondo alla ricerca dell'amore.
39. Una famiglia in gita in canoa viene trascinata via lungo il fiume Mississippi durante un'orribile tempesta e inondazione.
40. I bambini scoprono una miniera sotterranea e rimangono intrappolati al suo interno.
41. Un ragazzo vittima di bullismo fatica a resistere ai bulli che lo tormentano.
42. Una ragazza vittima di bullismo fatica a resistere alle cattive ragazze della scuola.
43. Una famiglia deve sopravvivere quando il loro aereo precipita.
44. Una famiglia è testata in un vecchio castello.
45. Due divorziati si incontrano in una tavola calda mentre uno aspetta l'autobus.
46. Un uomo e una donna si innamorano durante una sosta.
47. Un marinaio decide di navigare nell'oceano dove suo fratello si è perso in mare anni fa.
48. Una città deve sopravvivere alla peggiore alluvione della storia.
49. Un avvocato si scaglia contro il governo.
50. I genitori sopraffatti lasciano i figli a casa e vanno in vacanza per adulti.
51. Una piccola famiglia di contadini evita gli eserciti invasori della terza guerra mondiale.
52. Un nerd emarginato decide di organizzare un ballo di fine anno alternativo per altri emarginati.
53. Un adolescente asiatico-americano che vive nel sud rurale fatica a realizzare il suo sogno di diventare un cantante di musica country.
54. Fratelli atletici di una famiglia divisa si affrontano nel torneo di stato.
55. Un cane fatica a trovare la giusta famiglia umana.
56. Fratelli cuccioli separati dall'adozione di animali domestici fuggono da brutte case per ritrovarsi.
57. Fratelli in un orfanotrofio scappano e trovano i loro amati zii.
58. Gli ex compagni di cella della prigione si ritrovano dopo trent'anni.
59. Un veterano della seconda guerra mondiale lotta per tornare alla vita normale.
60. Due gruppi di ragazzini di bande rivali sono costretti a vivere insieme in una casa.
61. Un ragazzo di una famiglia ricca e viziata vuole che vivano senza casa, beni e denaro per un anno.
62. Un ragazzo ricco e una ragazza povera convincono le loro famiglie a scambiarsi di posto per un anno.
63. Una famiglia che naviga nelle acque dell'oceano deve superare il peggior uragano della storia.
64. Un poliziotto addolorato che ha ucciso un adolescente lotta per riconciliarsi con la famiglia.
65. Uno studente con problemi mentali vuole entrare nella squadra di calcio.
66. Uno studente con problemi fisici vuole scrivere lettere in ogni sport al liceo.
67. Un addestratore di cani accoglie un cane maltrattato e lo addestra a partecipare a una mostra canina.
68. Una donna che ha trascorso 30 anni in prigione torna nella sua città natale.
69. Un padre fatica a diventare un papà casalingo.
70. Una donna cresciuta in una famiglia di star del calcio decide di diventare l'allenatore di football del liceo.
71. Una famiglia in difficoltà nella vita vende tutto per trasferirsi alle Hawaii.
72. Una città locale si unisce mentre i minatori sono intrappolati nella miniera locale.
73. I genitori hanno a che fare con il figlio che rapina una banca ed è in fuga.
74. Una famiglia di città eredita una fattoria.
75. Un capitano di un battello fluviale e i suoi figli tentano il primo viaggio lungo il fiume Mississippi.
76. Gli amici d'infanzia si sono riuniti dopo trent'anni di distanza.
77. Il figlio di una famiglia povera lotta per ottenere una borsa di studio sportiva per poter andare al college.
78. Un'adolescente decide di unirsi alla squadra di calcio.
79. Una famiglia dell'era della seconda guerra mondiale fonda una squadra di baseball della lega minore per sollevare la città.
80. L'alto custode che gli studenti prendono in giro è in realtà un eroe di guerra.
81. Una famiglia adotta un cucciolo dopo aver perso il cane di famiglia.
82. Una famiglia ha il compito di intraprendere un'esclusiva caccia al tesoro per volere dell'ultima volontà e del testamento del nonno.
83. Una ragazza sopraffatta dal dramma della scuola media decide di studiare a casa.
84. Una famiglia di contadini cura un lupo selvatico per rimetterlo in salute.
85. I fratelli piangono la morte del padre ed ereditano la sua attività.
86. Un dirigente scontroso è costretto a vivere con la sua famiglia dopo un ictus.
87. Una famiglia deve ritrovarsi dopo il peggior terremoto della storia umana.
88. Una famiglia scopre di essere la discendente di Hitler.
89. Una ragazza con la sindrome di Asperger fa amicizia con un cavallo.
90. Un pugile caduto in disgrazia inizia ad allenare giovani pugili.
91. Un manager di baseball professionista caduto in disgrazia fonda una squadra di baseball di ragazzini del centro città.
92. Un vigile del fuoco nella natura selvaggia è intrappolato su una montagna.
93. Una madre casalinga affronta la sindrome del nido vuoto.
94. Una donna dirigente di successo lascia la sua carriera per trascorrere del tempo di qualità con suo marito e i suoi figli.
95. Un giovane studente ha una cotta per il suo insegnante.
96. Gli ex migliori amici delle medie decidono di fare un pigiama party alla vecchia scuola dopo che si sono tutti separati al liceo.
97. Un soldato dell'Unione dopo la guerra civile torna nella sua città natale nel sud.
98. Un amato insegnante di scuola perde la sua famiglia mentre la comunità si unisce per diventare la sua nuova famiglia.
99. Un boss della mafia entra nel programma di protezione dei testimoni e fatica ad adattarsi alla vita in periferia.
100. La vita di una ragazza viene raccontata mentre diventa adulta.
101. Una famiglia decide di trasferirsi in un faro e assumersi i compiti quotidiani al suo interno.
Ti bastano? Condividilo con i tuoi colleghi di scrittura o con chiunque ami una buona storia drammatica. Hai dei tuoi suggerimenti?